DAVID BARBERO

-Acabo de salir  del teatro Arriaga de Bilbao, tras ver la pieza ‘Sobras completas’ de la que es autor, codirector e intérprete José Luis Esteban. Y he tenido la tentación de ponerme a difinir el género teatral en el que podría colocarla. Pero no he caído en ella. Definir es siempre poner límites. Y en esta ocasión, es imposible hacerlo.

-Lo que he visto es más que un monólogo musical, más que un show rítmico, que una pieza bufa, que una relectura irrespetuosa pero lúcida de un texto súper clásico  o que una inmersión intencionada. Supera, en categoría, al cabaret. Valle Inclán no se enfadaría si la colocamos entre sus esperpentos.

-Como se refiere a La Odisea y el texto de Hómero se refiere al regreso de Ulises desde la guerra de Troya a su casa, donde le esperaba Penélope, quizá haya que me meter por medio el concepto de viaje.  Pero, largo, intenso, lleno, como se dice en la obra.

-Debo decir que, desde el principio hasta el final, he estado absorto, enganchado, como hipnotizado. Por las palabras, por los tonos, por los gestos. Por la música, por las emociones. Por la coordinación. Por la suma de las distintas expresiones artísticas en la mismo dirección.

-Es más bien un diálogo entre la música y la palabra, Entre el sonido y el gesto. Entre la voz y los sonidos. Pero hay más elementos, más imágenes. Los muchos lugares imaginados.  Los muchos personajes vividos y transmitidos, que han estado allí presentes, sobre el escenario del teatro Arriaga, junto a los espectadores.

-También ha estado presente el juego. La complicidad. La burla compartida. La ironía. La picardía. La perfección en las rimas peligrosas y difíciles. La sincronización con la música en directo

Es el fruto de un muy inteligente y concienzudo trabajo de todo un equipo, rico en cada individualidad, y multiplicado en su conjunto.

-Comenzaré por José Luis Esteban. Como autor, intérprete y codirector. Ya he dicho que me ha hipnotizado su texto. No sé cuál es la siguiente fase a la hipnosis. Cada una de las palabras elegidas. La manera de unirlas. El ritmo. La poesía. En verso y en prosa. El amplio y sugestivo léxico. La adecuación con cada personaje. La eficacia para transmitir las emociones deseadas.

-En la interpretación, ha hecho una demostración de que posee y desarrolla ilimitadas capacidades interpretativas. Cada gesto transmite mucho más de lo que se percibe. Las expresiones. Los tonos. Las pausas. Los giros. Logra multiplicar la eficacia de cualquier detalle.

-La capacidad de Naiel Ibarrola para vivir y comunicar sentimientos a través de su música es ilimitada y contagia. La improvisación y la oportunidad. La sincronización, el contagio y la provocación con cada frase. El añadido y la suma. Muestra su virtuosismo, su emoción vivida y su variedad artística.

-En el programa de mano, se reconoce la labor de José Ibarrola en el espacio escénico y en el vestuario. Pero se especifica un matiz interesante. Se alude al concepto, a la idea, a la sugerencia, con mucho acierto. También el diseño y la concepción de las luces. Y su colocación y su significado.  Donde también ha estado presente David Alcorta.

-En definitiva, unas excepcionales ‘Sobras completas’, que han comenzado por la ‘Odisea’. Pero que, afortunadamente, tendrán muchas continuaciones.

DAVID BARBERO

-Ya he indicado, en el título, que esta tarde me he equivocado. Ha sido al elegir la obra de teatro. A mí, me apetecía ver ‘Julio César’ por la compañía portuguesa Chapitó, dentro del festival internacional de teatro de Santurtzi. Además, siempre he presumido de ser un fiel seguidor de esta compañía. Creo que he visto todas las obras que ha presentado aquí hasta ahora.

-Sin embargo, hoy he ido al teatro Arriaga de Bilbao a ver la representación de ‘Mefisto for ever’. Me habían dado tan buenas referencias sobre las intenciones de esta obra, que me han hecho cambiar de opinión. Me habían alabado tanto su contenido, la defensa del compromiso artístico  y la libertad, como la forma teatral de presentarlo.

-Os doy los datos: ‘Mefisto for ever’ es la adaptación teatral libre, realizada por el belga Tom Lanoye, de la novela titulada ‘Mefisto’ de Klaus Mann. La traducción al castellano ha sido hecha por Julio Grande. La dirección escénica ha sido realizada por Álvaro Lavin. Hasta tres empresas han participado en la producción: Meridional, Vaivén, y Gatoverde.

-Os la sitúo también en los hechos que se presentan.La acción se sitúa en los años 30 del siglo pasado. Los años de Hitler y el nazismo. Cuando la extrema derecha llega al poder. Los miembros de una compañía de teatro se reúnen para decidir qué actitud deben tomar ante esa circunstancia.  Algunos no quieren continuar ni tener el riesgo de verse obligados a colaborar. Otros deciden quedarse y ‘trabajar’ desde dentro en lo que se pueda llegar a hacer,

-Entre los que se quedan, está actor y director Kurt Kopler. Se plantea, o eso dice, experimentar las posibilidades de la nueva situación. Adaptarse, aprovechar las posibilidades que aparezcan.  Cree ingenuamente, o quizá no tanto, que va a poder mantener su actividad y su libertad. Incluso pretende atacar  al régimen desde dentro. Pero el nuevo sistema le va haciendo ver que esas posibilidades son nulas y termina siendo engullido por el poder y la dictadura.

-He dicho que me he equivocado porque el contenido estaba más cerca de ser complicado, solemne, discursivo, pomposo y demasiado teórico. Al desarrollo expositivo y teatral, se le podrían aplicar calificativos simulares. Aceptando que toda valoración es siempre subjetiva. Salvaría, eso sí, la labor interpretativa de Sonia Almarcha, en el papel protagonista de  Kurt Köpler.

-Como la equivocación ha sido culpa exclusiva mía, sólo me queda lamentar no haber disfrutado del arte, divertido y meritorio, de convertir las tragedias clásicas en intencionadas comedias actuales, por la habilidad de los miembros de la compañía portuguesa Chapitó. Mea culpa.

DAVID BARBERO

-Existe una opinión generalizada de que el aria más famosa de la historia de la ópera es ‘Una furtiva lágrima’ de Gaetano Donizetti. No es que absolutamente todos  los expertos y aficionados a este género escénico y musical opinen que es la mejor. Tampoco es que exista unanimidad absoluta y constatada de que es la que más gusta a todos. Pero se puede asegurar que es la más escuchada.

-Os puedo decir que he tenido la suerte y satisfacción de escucharla y disfrutar de ella esta tarde noche en el palacio Euskalduna de Bilbao. Allí se ha representado la ópera ‘L’elisir d’amore’, dentro de la 72 temporada de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera, ABAO.

-Este aria está colocada en la escena numero ocho del segundo y último acto. La canta Memorino, el protagonista de la historia. Esta enamorado de la frívola Adina, la protagonista femenina. Incluso ha comprado el elisir, al que alude el título, para enamorarla. Pero no ha hecho el efecto que deseaba. Aunque él ha visto en sus ojos esa furtiva lágrima a la que se refiere el aria.

-En realidad, esta canción no estaba incluida, dicen, en el libreto inicial escrito por Felice Romani. Donizetti le pidió que la añadiera, mientas estaba estaba componiendo la música.  Era una romanza que el compositor ya tenía en su archivo y a la que tenia gran aprecio desde que la compuso. Debió insistir ante el libretista para convencerle de la oportunidad y conveniencia de colocarla en ese momento de esta obra.

-Hay que advertir que la composición de esta ópera fue un tanto especial. Tuvo que realizarse en un tiempo récord. El productor se la encargó y le dio dos semanas para componerla. En ese tiempo, también hubo de escribirse el texto. Por lo que tuvieron que trabajar a destajo. A pesar de esa circunstancia, tuvieron éxito desde el principio y esa buena aceptación permanece hasta ahora. Es una de las óperas más  representadas.

-Ya he dicho que  el libretista fue  Felice Romani. Trabajaba habitualmente para Donizetti. Para este libreto, se basó en un texto teatral que estaba triunfando en esa época. Eran los años treinta del siglo XIX. LLevaba el título de ‘El filtro’. Su autor era el francés Eugene Scribe.Tuvo notoriedad internacional. Especialmente en España. Eso hizo que esta opera, que se estrenó en Milán, se representara muy pronto en España. Creo que en Barcelona antes que en Madrid.

-No os voy a recordar más detalles históricos sobre este aria. Esta noche en el palacio Euskalduna de Bilbao la ha interpretado el tenor Joel Prieto, que encarna al joven enamorado. Se la ha cantado a la soprano Elena Sancho Pereg, que interpreta el difícil papel de Adina. A lo largo de la historia, ha sido interpretada por tenores muy reconocidos como Enrico Caruso, Mario Lanza, Alfredo Kraus, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, Jose Carreras o Juan Diego Flórez.

-La verdad es que sólo deseaba deciros que todavía se va a estar interpretando algunos días más. Así que tenéis oportunidad de escucharla en directo y disfrutar de ella.

-De esa manera, podréis comprobar si transmite tantas emociones y merece tanta fama como se le concede.

-A mi juicio, nada experto desde luego, me ha parecido que hoy, en el palacio Euskalduna de Bilbao, la representación de ‘L’elisir d’amore’ ha ganado mucho a partir de esa escena octava del segundo acto.

DAVID BARBERO

-Es una pregunta que me han hecho. Y, por lo tanto, debo una respuesta. Además, no es la primera vez que me la hacen.

-En general, contestaré diciendo que el teatro, como las otras artes escénicas, no son manifestaciones artísticas unidireccionales. Ni se limitan a la palabra. Tienen muchos otros elementos, además del texto. Es posible que algunas de ellas merezcan ser atendidas y observadas de modo particular por lo que aportan o por sus cualidades intrínsecas.

-La pregunta de hoy me la han hecho cuando me dirigía hacia el teatro Arriaga para ver ‘Kortxoaren dilema’. Además, me han recordado que tenía la posibilidad de ver esta misma obra en castellano, en ese mismo teatro, traducida como ‘El dilema del corcho’ cuando transcurran unos doce meses.

-Contestaré en concreto y de modo directo. Me han interesado tanto las referencias previas que tengo sobre esta obra, que no quiero esperar ese tiempo, aunque no lo pueda entender todo perfectamente. Por desconocer el euskera. Enumeraré los motivos.

-En este proyecto están implicados algunos de los profesionales que más estimo dentro de este mundo teatral vasco. Por ejemplo. El dúo inseparable de Patxo Tellería y Mikel Martínez, o al revés. Mireia  Gabilondo y Fernando Bernués, también o al revés. Adrián García de los Ojos y su música. Y todos los demás, incluido Paradox, por el diseño del cartel.

-Me ha interesado y mucho que se plantee un asunto tan destacado como el de la coherencia personal, ética y política. He tenido curiosidad porque se  exponga como un thriller. Me ha atraído que tenga intriga y enredo. Que establezca preguntas y debates sobre el proceloso mundo de cosa pública, también llamada política. He sentido atracción porque se que trate en profundidad y a cuerpo descubierto.

-Uno estos motivos  a la atracción de los textos teatrales de Patxo Tellería, con su habilidad para complementar y contrastar los elementos considerados de drama con los recursos que se suelen calificar de cómicos. Incluyo también los giros y  las sorpresas tan frecuentes en sus textos. Los engaños narrativos intencionados a los que ‘somete’ al público, haciéndole creer que la acción va en una dirección y te lleva exactamente por la contraria, como se descubre poco después. Sus planeamientos fundamentales, donde hay reflexiones, dudas y decisiones en las que los personajes se lo juegan todo.

-He ido también porque esperaba encontrarme con unos personajes potentes, sólidos, diseñados con matices y hasta con aristas. Hay otros dos elementos escénicos que aumentan el mérito y también la dificultad. Todo se desarrolla en un espacio único y en tiempo real. ¡Ay! Aquellas ‘cosas’ que antes se llamaban unidad de tiempo, unidad de acción y unidad de espacio.

-También me ha motivado la posibilidad de apreciar, otra vez, la cuidada interpretación que Mikel Martínez hace sus personajes.

-Podría seguir exponiendo los motivos que me han llevado a ver hoy en euskera ‘Kortxoaren dilema’ en el teatro Arriaga. Pero creo que he dado suficiente respuesta a quienes me han preguntado.

-Tengo ahora la tentación de hacer un añadido. Sería sugerir a las/os preguntadores una reflexión personal sobre si no desearían ellos satisfacer esas curiosidades sin esperar un año.

-Pero yo nunca me atrevo a hacer recomendaciones. Así que no lo hago.  Cada uno debe tomar sus propias decisiones y ser responsable de ellas.

DAVID BARBERO

–Aunque casi nunca acierte con los títulos de estos comentarios o especulaciones, os puedo asegurar que les presto bastante atención. Doy muchas vueltas sobre ellos. Procuro poner intenciones que me gustaría reflejar.

-Pero hablemos del titulo de la obra que he visto esta tarde en teatro Arriaga de Bilbao. ‘Malos tiempos para la ópera’.  El origen en teatro de esta expresión creo que debe atribuirse al gran Bertold Brecht. La utilizó, metafóricamente cuando hablaba del nacimiento y la expansión de nazismo en su país.

-También Boadella la utilizó hace treinta años en su obra ‘El nacional’ con una intención similar, aunque en una dirección muy diferente. La pronunciaba el actor Ramón Fontseré. Interpretaba al acomodador de un teatro en ruinas, también metafórico, que termina montando ‘Rigoletto’ con una compañía ‘lírica’ de vagabundos. Los malos tiempos eran atribuidos al teatro en general.

-En la obra que he visto hoy, los protagonistas son un viejo profesor de canto y una alumna suya que se ha hecho famosa por convertir arias líricas en canciones modernas de escasa calidad. Acaba de perder la voz y acude al maestro para recuperarla y seguir con el negocio.

-Boadella, con la ayuda de su colaboradora habitual en la dirección y la escenografía, Martina Cabanas, utiliza esta ligera y exagerada anécdota argumental para exponer su nostálgico y conocido discurso ideológico. Quiere decir que las cosas en general van mal porque hay innovaciones se cambian las cosas, que ya no se hacen como se hacían antes.

-Los personajes protagonistas de esta historia son interpretados por la soprano María Rey-Joly y el tenor Antoni Comas. Son habituales en las producciones escénicas dirigidas por Boadella. Ambos tienen cualidades musicales y formación para  sacar adelante sus cometidos musicales, a pesar de las muchas dificultades impuestas por el texto y la dirección. En lo estrictamente teatral, resulta más complicado sacar adelante tales personajes, a causa de su exageración y su inconsistencia.

-Cuando esta obra se estrenó en Madrid, hace unos meses, un severo crítico musical cambió intencionadamente en título, en su comentario, y escribió: ‘Malos tiempos para Boadella’.

-¡Bueno! Albert Boadella, últimamente, mantiene su genio y su figura. Pero quizá merecería una madurez más acorde con su trayectoria.