DAVID BARBERO

-No es la única diferencia , esa h, la que hay entre las dos piezas. La tragedia isabelina, escrita por el inmortal William Shakespeare llevaba el título original de ‘The tragedy of Othello, the moor of Venice’. La ópera del muy famoso compositor italiano lleva el escueto título de ‘Otello’. Insisto en que hay más diferencias.

-Viene esta matización, con apariencia ridícula, a cuento de que esta tarde-noche he acudido al Palacio Euskalduna de Bilbao para asistir a la representación de la ópera ‘Otello’ de Giuseppe Verdi, con libreto de Arrigo Boito. Este nombre del escritor es también digno de destacar. Esta representación significa el cierre de la temporada número 73 de la ABAO, la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera.

-Como a juicio de todos los entendidos con los que he hablado, esta representanción se ha desarrollado en un elevado nivel de calidad en todos los sentidos, Voy a citar a los participantes. Dirección musical de la orquesta de Kiev la ha realizado Francesco Ivan Ciampa. Dirección de escena ha sido responsabilidad de Ignacio García.

-Como el elenco ha sido amplio, citaremos a los tres más destacados. Otello ha sido interpretado por Jorge de León. La interpretación de Desdemona ha correspondido a Ermonela Jaho. Y el destacado personaje de Yago lo ha encarnado Claudio Sgura. Hay que citar también al coro de la opera de Bilbao y al coro infantil de la sociedad, bajo de dirección de Boris Dujin, porque han tenido una actuación destacada.

-Dejando ya claro que este cierre de temporada operística está teniendo lugar, los aspectos especulativos sobre las diferencias en los tratamientos de la tragedia de Shakespeare y de la ópera de Giussepe Verdi no son para ser tratados en este momento. Me gustaría en todo caso destacar la incidencia del libretista Arrigo Boito, que influyó mucho en la trayectoria de las últimas óperas de Verdi.

-Pido permiso para terminar con un apunte quizá secundario. Han existido opiniones encontradas sobre el planteamiento escénico de la figura del decisivo personaje de Yago, que es el que dinamiza toda la acción de la venganza. Se ha opinado que en esta ocasión muestra una actitud más bien altanera y prepotente, cuando habitualmente tiene forma más ladina y escurridiza. Coincido con esa matización y me parece que ese cambio, partiendo ya de altura física muy superior al resto de los cantantes, condiciona el desarrollo de la acción.

-Pero es más destacable la notable calidad generalizada antes señalada.

DAVID BARBERO

-He acudido esta tarde al teatro Arriaga de Bilbao para ver la adaptación al teatro de la película ‘Lunes al sol’ con el fin de poder confirmar en persona si, también a mi juicio, es merecedora de tantos elogios como he leído y escuchado sobre ella.

-También he ido interesado en descubrir las claves en las que debe basarse una buena adaptación desde la pantalla hasta el escenario. Con la circunstancia, además, de que el punto de origen es no sólo exitoso, incluso emblemático, y tener, además, una narrativa muy singular.

-Estas dos curiosidades estaban motivadas en recordar que hace todavía poco tiempo sucedió lo mismo con la adaptación, también exitosa, de la también destacada película ‘Los santos inocentes’.

-Al frente del equipo responsable exitoso en ambos casos, figura Javier Hernández-Simón, como director de escena y co-adaptador. El amplio elenco del trabajo actual, también muy digno de alabar, está compuesto por Mónica Asensio, Marcial Álvarez, José Luis Torrijo, Fernando Cayo, Fermi Herrero, Fernando Huesca, César Sánchez y Lidia Navarro.

-Tras disfrutar de la versión teatral, se puede afirmar que el guión original de León de Aranoa e Ignacio del Mora, con sus matices sociales y políticos, adaptado por el propio Ignacio junto a Javier Hernández-Simón funciona perfectamente sobre el escenario manteniendo los diálogos brillantes y subrayando los momentos más destacados de la historia original. Hay que señalar que son diálogos especialmente difíciles. Tienen un contenido de denuncia y de reivindicación muy potente. Éso es siempre un peliglo para mantener la naturalidad y no caer en el peligro del panfleto.

Se transmiten fuertes emociones a través de escenas veraces en una historia que se vive muy cercana a la realidad social. No sobra absolutamente ni una escena. Se presentan espacios donde con pequeños elementos se comunica qué le sucede a los personajes en cada momento. También se desarrolla la evolución laboral, humana y sentimental donde se hace todo ameno, continuado y con unas transiciones muy ágiles que te permite no perderse ninguno de los detalles.

-También se cuidan los momento cómicos, provocando risas reflexivas porque nos damos cuenta de distintas perspectivas como reflejo de las situaciones reales que se perciben sobre el escenario. El impacto visual ayuda a reflejar una realidad en la queel espectador puede darse cuenta de que, en muchos aspectos no se ha cambiado la situación en mucho tiempo. Se facilita reconocer los hechos y reflexionar sobre ellos.

-En este positivo desarrollo, es preciso destacar el trabajo de interpretación y el detallado trabajo en la caracterización de unos personajes muy potentes y llenos de matices. Todo el elenco mantiene la tensión dramática en todo momento, con una energía que gravita en torno a las figuras de Santa, interpretado por Fernando Cayo, y del desgraciado Amador, bordado por César Sánchez. Sus amigos, parroquianos del bar de Reina, que encarna Fermí Herrero, aportan un equilibrio a través de diversas actitudes ante la situación  laboral: José (un entrañable Marcial Álvarez) intenta salir a flote salvando su matrimonio con Ana (Lidia Navarro); Lino (José Luis Torrijo), desafía el paso del tiempo e intenta salir del hoyo; Rico, el guarda de seguridad (Fernando Huesca) que intenta ser pragmático: o como la jovencita Nata (Mónica Asensio) que desborda dulzura y vida con su voz y su guitarra.

-La adecuación de los intérpretes a los roles, por tratarse en su mayoría de actores y actrices con una trayectoria a sus espaldas, salta a la vista en este montaje, enmarcado por una escenografía  metálica como los astilleros muertos, en la que el tiempo anda desbaratado, y que permite el desarrollo de todas las escenas y situaciones con una total agilidad.

-Comentaba al principio las fuertes curiosidades con las que he acudido a ver esta pieza teatral ‘Los lunes al sol’. Debo reflejar, para terminar, las también fuertes satisfacciones con las que he salido.

DAVID BARBERO

-He presenciado esta tarde en el Auditorio de Azkuna Zentroa de Bilbao la poliédrica pieza ‘Láttice’. He acudido con gran interés. Creo que he indicado varias veces, en estos comentarios, que tengo especial curiosidad por las innovaciones en el teatro y en las artes escénicas en general. Admiro a las personas que investigan e intentan hacer cosas nuevas, aunque no siempre llegue a comprenderlo.

-‘Láttice’ se mueve en esas coordenadas. Se trata de una obra performativa en movimiento, que fusiona, al menos teóricamente, danza contemporánea y tecnología cuántica. Ha sido dirigida por la coreógrafa vasca Ziomara Hormaetxe. Se ha ofrecido en el marco del simposio ACuTe. Es un proyecto europeo de innovación escénica con el apoyo de la Comisión Europea, del que Azkuna Zentroa es partner estratégico.

-Propone un diálogo constante, al menos teóricamente, entre el cuerpo y la tecnología. Explora la gravedad como fuerza omnipresente que atraviesa el cuerpo en múltiples capas. Analiza desde lo físico hasta lo cuántico.Configura las maneras en que experimentamos el espacio y el movimiento.

-Insisto en que esta presentación se enmarca dentro del simposio internacional  ACuTe, cuyo nombre completo en inglés es Peripheries of Performing Arts & New Technologies. Se trata de un encuentro, dirigido al sector profesional. En él se dan cita artistas, investigadoras, dramaturgos, tecnólogas y pensadoras de diversas culturas para dialogar, al menos teóricamente, sobre la creación escénica contemporánea y las tecnologías emergentes desde perspectivas plurales y tecno diversas. Un simposio en el que todos estos procesos se hibridan con la danza, el teatro y la acción performativa.

-La coreógrafafa Ziomara Hormaetxe ha explicado, en ocasiones anteriores, que esta pieza está mediante una metodología colaborativa, arraigada en un principio de incertidumbre generador de texturas, vibraciones y movimientos. La pieza se traduce en una escenografía viva que trata de introducir, al menos teóricamente, al público en un espacio matemático de posibilidad, una gran matriz que crea mundos al tiempo que es creada por ellos.

-La pieza trata de provocar en el visitante un viaje inmersivo a través de espacios virtuales y multiversos, explorando la gravedad y la percepción del espacio con una escenografía digital y sistemas algorítmicos. Cada capa de la realidad abre, al menos teóricamente, nuevas posibilidades de existencia y conexión, expandiendo las maneras en que las narrativas contemporáneas de colaboración transforman nuestra realidad.

-Se trata de una escenografía aumentada, un sistema algorítmico creado ad hoc para la obra, basado en procesos y renderizado en tiempo real, a modo de videojuego.

-Ziomara Hormaetxe Fernández es licenciada en Historia del Arte por la Universidad del País vasco. Es además coreógrafa y bailarina. Estudió danza en la «Universidad Sophia Antipolis» de Niza y en el «Ecole Superieure de Danse» en Cannes. Tras años de formación freelance, en 2014 creó su propia compañía. Desde entonces trabaja en la creación de proyectos artísticos como coreógrafa e intérprete independiente. Sigue en la búsqueda de integrar la danza y las nuevas tecnologías.

-Ya veis que os expongo una información aséptica, sacada, a veces textualmente, de la documentación oficial. No me voy a atribuir ningún mérito propio. Casi lo único propio es la manifestación de mi curiosidad y las alusiones a los aspectos teóricos.

-Como he dicho al principio, he asistido esta tarde a esa representación con gran curiosidad e interés. He atendido con toda mi atención. Reconozco que no he llegado a entenderlo en su profundidad. Me ha superado y desbordado. Pero mantengo la curiosidad y el interés. Voy a seguir haciendo esfuerzos para lograr conectar con estos trabajos innovadores.

-Así que agradezco mucho esta oportunidad y trataré de aprovechar las que se me brinden.

DAVID BARBERO

-A la hora de poner el título a este comentario sobre el espectáculo que he presenciado en el teatro Barakaldo, he estado barajando varios adjetivos.Me he quedado con el de sorprendente, en el sentido de valoración positiva. También para exponer que, en su desarrollo sobre todo en la segunda parte me he llevado varias sorpresas también positivas.

-La otra parte del encabezamiento, ‘Qué fantástica esta fiesta’, corresponde al título de la obra. Me corrijo. No creo que se deba definir como obra de teatro. Quizá ni espectáculo dramático. Pertenece más bien a un género indefinible. Quizá se pueda acercar a una fiesta escenificada.

-El título les recordará a muchos a aquella artista televisiva que fue muy  popular hace algunas décadas llamada Raffaella Carrá, aunque dentro del espectáculo se afirma que no se desea hacerle un homenaje.

-Comencemos conociendo a los responsables. La autora de la dramaturgia es Paula Prol, que también interviene como actriz. En la interpretación, la presencia más destacada es la de la muy reconocida actriz Maribel Salas. Están acompañadas por el versÁtil actor Aitzol Villahoz. De la dirección artística se responsabiliza Albar Cirarda. La producción y los trabajos técnicos los han realizado los miembros de la joven compañía la Brecha.

-Los conceptos de fiesta, alegría, diversión son los vértices absolutos del representación, sobre todo en la primera parte. La sala de teatro se convierte en la plaza de un pueblo en el momento de despedir el verano con las fiestas patronales que los vecinos llevan esperando todo el año. Cuando los bailes, los petardos, la actuación de la orquesta y el coñac del Bar La Esquina se acaban, los vecinos, y los intérpretes coinciden en lo necesario que es ausentarse un rato de la realidad para poder seguir adelante, no haciendo nada.

-Este concepto de no hacer nada es una de las reflexiones que se hacen entre canción y canción o entre baile y baile. Se aplica al teatro. También a la vida misma, a las personas y a bastantes de las actividades que realizamos. Tampoco es una consideración negativa. Llegan a decir que a veces, lo que se necesita es precisamente eso: que no pase na-da, incluso poniendo ese guión entre las dos silabas.

-En este juego, en el que la fiesta divertida, y a veces exagerada, se mezcla con la reflexión disimulada pero oportuna, también se ha jugado al efecto muy teatral de la verdad y la mentira, la realidad y la ilusión, el deseo y su cumplimiento o no. Lo que tiene más mérito de lo que parece a simple vista.

-Otra sorpresa, igualmente positiva, que he percibido en este trabajo realizado por ‘teatreros’ muy jóvenes en su inmensa mayoría es que, entre bromas de bailes y karaokes junto a reflexiones más o menos intencionadas, ponen en cuestión principios que el teatro convencional considera básicos. Lo cual, a mi juicio, es una labor muy necesaria en este momento en las artes escénicas.

-Así que esta ‘fiesta tan fantástica’, con aparentes aires de banalidad superficial, ha resultado llevar dentro sorpresas interesantes.

DAVID BARBERO

-Comienzo con un referencia colateral. Hay aficionados teatrales, y de otros géneros escénicos, que recuerdan con agrado, y con cierta nostalgia, algunos de los espectáculos llegados al Teatro Arriaga de Bilbao desde CentroEuropa en los primeros años de Calixto Bieito como director artístico. Consideran que, por aquella ventana, entró mucha novedad y sorpresa escénica.

-Viene esta referencia a comentar que, dentro de la actual temporada y desde que se anunció la programación, algunos de esos aficionados pensaron que el concierto escenificado titulado ‘Il lamento di Caravaggio’ podía estar en esa línea.

-Ése es el espectáculo que se ha presentado esta tarde en el teatro municipal de Bilbao. Ha estado protagonizado por el contratenor vasco Carlos Mena. Le ha acompañado la orquesta Tiento Nuovo, dirigida por Ignacio Prego. La parte escénica ha sido responsabilidad de compañía Teatri 35, integrada por Gaetano Coccia, Francesco Ottavio de Santis y Antonella Parrella.

-Se ha tratado de un concierto dramatizado en el que van unidos el teatro, la voz y la música. Los artistas se sirven de esta simbiosis para recrear los cuadros del gran y controvertido pintor italiano, Caravagio, envueltos en esa atmósfera mística y sensorial.

-Uno de los aspectos más destacados ha sido la recreación, en vivo sobre el escenario por la actriz y los dos actores, de las escenas que incluyen sus cuadros, reproduciendo sus figuras, expresiones y colores. A modo de cuadros vivientes o ‘tableaus vivans’. Además del mérito de la interpretación, hay que destacar el cuidado trabajo sobre la luz. Así se consigue el característico ‘chiaroscuro’ de este pintor, mediante una iluminación minimalista.

-En la parte musical, el contratenor Carlos Mena y la orquesta citada han interpretado, con mucha calidad y delicadeza, la música vocal e instrumental de Biber, Schmelzer, Johann Michael Bach o Rosenmuller, tan característica por su dramatismo, intensidad expresiva, sus contrastes y sorpresas, que ambientan y enriquecen la creación en tiempo real de sus cuadros, dotándoles de un significado que va más allá de lo visual.

-Hay que reconocer que algunos entendidos en los montajes escénicos, han puesto, a la salida, pegas al desarrollo de esa parte teatralizada. Pero la aceptación de la gran mayoría del numeroso público asistente se ha manifestado en los efusivos y continuados aplausos finales.