DAVID BARBERO

-Esta tarde-noche, en el teatro Arriaga de Bilbao, había ambiente de estreno importante, atractivo, novedoso, inquietante, imprescindible para un buen aficionado a las artes escénicas. Personalmente, he tenido la sensación de asistir a un espectáculo de ópera del siglo XXI, de hoy en día, de este momento, como pocas veces se puede presenciar por aquí.

-Por las conversaciones escuchadas también había espectadores curiosos, pero que han acudido con cierta incertidumbre, valga la redundancia,  preocupados, quizá, por si la propuesta era demasiado arriesgada o innovadora.

-Se ha estrenado, en este teatro municipal bilbaino, la ópera ‘Die ersten menschen’ del compositor alemán Rudi Stephan, con librero de Otto Borngraber, bajo la dirección escénica de Calixto Bieito y con dirección musical de Robert Treviño. Es una producción original de la Ópera Nacional de Holanda. En esta ocasión con la producción ejecutiva del propio teatro Arriaga y la colaboración de Orquesta Sinfónica de Euskadi. Estas sinergias internacionales colaboran también en dar importancia al acontecimiento.

-El título se suele traducir al castellano como ‘Los primeros hombres’. Quizá fuera más adecuado sustituir la palabra ‘hombres’ por ‘humanos’, ya que trata sobre los orígenes de nuestra especie. Y lo hace de un modo muy especial, intenso, polémico y complejo. Quizá algo exagerado. Pero atractivo y digno de reflexionar sobre él.

-El compositor, el alemán Rudi Stephan, fue una gran promesa emergente en los primeros años del siglo pasado. Vivió entre los años 1887 y 1915. Murió de una manera no aclarada completamente cuando era soldado en la primera guerra mundial. Una versión dice que la causa fue el disparo aislado de un francotirador. Pero tampoco se descarta un posible suicidio. Desapareció muy joven y nos dejó sin saber lo que hubiera podido dar de sí como compositor.

-En la ópera, no se suele destacar al autor de los textos. Los libretos. A veces, con todo motivo. Pero en esta ocasión, hay que señalar que el autor del libreto es Otto Borngraber. Es un escritor comprometido, con una formación sólida. En sus textos, se ven ideas cercanas a las defendidas por el filósofo Friedrich Nietzsche. Y también de los pensadores existencialistas. Sufrió problemas de censura con algunas de sus obras. En concreto, ‘Los primeros humanos’ se presentó inicialmente como obra de teatro y fue objeto de varias prohibiciones,

-Trata sobre los fuertes conflictos y enfrentamientos existentes en la primera familia humana formada por Adán, Eva y sus dos hijos Caín y Abel. Existentes entre los diferentes personajes y también dentro de cada uno de ellos. El padre ha llegado una etapa de hastío, después buscar un sentido consistente a su existencia. El personaje de la madre tiene una gran fuerza por su espíritu de rebeldía e independencia, a la vez que busca calmar sus aspiraciones y sus inclinaciones contradictorias. El hijo mayor ve en su madre a la mujer arquetípica, a la vez dulce y salvaje, que busca. Siente hacia ella una atracción irresistible, cercana al complejo de Edipo. Siente celos del afecto y atenciones hacia su hermano menor, a quien termina matando. Éste, Abel, camina por derroteros religiosos, que terminarán condicionando a todos ellos y a los que hemos venido detrás.

-De esta manera, el texto de ‘Los primeros hombres’ ofrece una visión heterodoxa de esta historia bíblica. Parte de bases interpretativas tomadas del psicoanálisis de Sigmund Freud, que en aquellos años tenía un gran predicamento en Europa y que basaba la explicación de las conductas humanas por las inclinaciones sexuales.

-Estas situaciones y conflictos marcaron, según la obra, no sólo las relaciones de esos primeros representantes de nuestra especie, sino también el destino de la humanidad para todo el futuro. Es, por lo tanto, una pieza de un contenido fuerte, controvertido y polémico, tratado con notable profundidad e innovación para ese momento.

-En lo estrictamente escénico, es preciso destacar el original y potente tratamiento dado por Calixto Bieito al desarrollo de la acción.  Destaca el trabajo realizado para lograr el impacto fuerte y directo en el espectador con escenas de gran fuerza emocional y también física, llevando la personalidad y las reacciones de los personajes hasta las últimas consecuencias.

-Con el fin de lograr ese impacto, se ha realizado una adaptación del escenario. Este espacio se adentra en el patio de butacas varios metros lo que permite una mayor proximidad con el publico. Destaca también la concepción de una casa trasparente como símbolo de la vivienda de esa familia originaria y su soledad en medio del universo. La responsable de esta escenografía es Rebecca Ringst, una colaboradora habitual de CBieito.

-También en esa misma intención caminan las proyecciones audiovisuales, creación de Sahah Derendinger, otra colaboradora del director artístico. Asimismo se realiza un impactante trabajo de videograbación y proyección en directo con la utilización de dos cámaras móviles y una fija, para su proyección inmediata como elemento activo del espectáculo.

-Otro elemento a destacar es la intervención de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, que inicia así una colaboración estable con el Teatro Arriaga. En esta ocasión, está colocada en el propio escenario, como elemento también integrador del espectáculo. El director  Robert Treviño ha estado situado detrás de los intérpretes. Por esa razón, ha sido necesario un asistente para coordinar sus entradas.

–La labor de estos cantantes ha sido asimismo digna de destacar, tanto en el aspecto musical como en lo referente a la interpretación de unos personajes tan complicados y en una acción nada convencional. Sus nombres son Anette Dasch, Daniel Schmutzhard, Simon Neal y John Daszak. Todos ellos han recibido el reconocimiento general de todos los asistentes con calurosos aplausos.

-En definitiva, como queda señalado al principio, ha constituido una jornada de especial interés, en teatro Arriaga de Bilbao, al ofrecer una muestra de cómo ha de presentarse una ópera en este siglo XXI y con un contenido digno de reflexionar sobre él.

DAVID BARBERO

-Esta tarde-noche, en el teatro Arriaga de Bilbao, había ambiente de estreno importante, atractivo, novedoso, inquietante, imprescindible para un buen aficionado a las artes escénicas. Personalmente, he tenido la sensación de asistir a un espectáculo de ópera del siglo XXI, de hoy en día, de este momento, como pocas veces se puede presenciar por aquí.

-Por las conversaciones escuchadas también había espectadores curiosos, pero que han acudido con cierta incertidumbre, valga la redundancia,  preocupados, quizá, por si la propuesta era demasiado arriesgada o innovadora.

-Se ha estrenado, en este teatro municipal bilbaino, la ópera ‘Die ersten menschen’ del compositor alemán Rudi Stephan, con librero de Otto Borngraber, bajo la dirección escénica de Calixto Bieito y con dirección musical de Robert Treviño. Es una producción original de la Ópera Nacional de Holanda. En esta ocasión con la producción ejecutiva del propio teatro Arriaga y la colaboración de Orquesta Sinfónica de Euskadi. Estas sinergias internacionales colaboran también en dar importancia al acontecimiento.

-El título se suele traducir al castellano como ‘Los primeros hombres’. Quizá fuera más adecuado sustituir la palabra ‘hombres’ por ‘humanos’, ya que trata sobre los orígenes de nuestra especie. Y lo hace de un modo muy especial, intenso, polémico y complejo. Quizá algo exagerado. Pero atractivo y digno de reflexionar sobre él.

-El compositor, el alemán Rudi Stephan, fue una gran promesa emergente en los primeros años del siglo pasado. Vivió entre los años 1887 y 1915. Murió de una manera no aclarada completamente cuando era soldado en la primera guerra mundial. Una versión dice que la causa fue el disparo aislado de un francotirador. Pero tampoco se descarta un posible suicidio. Desapareció muy joven y nos dejó sin saber lo que hubiera podido dar de sí como compositor.

-En la ópera, no se suele destacar al autor de los textos. Los libretos. A veces, con todo motivo. Pero en esta ocasión, hay que señalar que el autor del libreto es Otto Borngraber. Es un escritor comprometido, con una formación sólida. En sus textos, se ven ideas cercanas a las defendidas por el filósofo Friedrich Nietzsche. Y también de los pensadores existencialistas. Sufrió problemas de censura con algunas de sus obras. En concreto, ‘Los primeros humanos’ se presentó inicialmente como obra de teatro y fue objeto de varias prohibiciones,

-Trata sobre los fuertes conflictos y enfrentamientos existentes en la primera familia humana formada por Adán, Eva y sus dos hijos Caín y Abel. Existentes entre los diferentes personajes y también dentro de cada uno de ellos. El padre ha llegado una etapa de hastío, después buscar un sentido consistente a su existencia. El personaje de la madre tiene una gran fuerza por su espíritu de rebeldía e independencia, a la vez que busca calmar sus aspiraciones y sus inclinaciones contradictorias. El hijo mayor ve en su madre a la mujer arquetípica, a la vez dulce y salvaje, que busca. Siente hacia ella una atracción irresistible, cercana al complejo de Edipo. Siente celos del afecto y atenciones hacia su hermano menor, a quien termina matando. Éste, Abel, camina por derroteros religiosos, que terminarán condicionando a todos ellos y a los que hemos venido detrás.

-De esta manera, el texto de ‘Los primeros hombres’ ofrece una visión heterodoxa de esta historia bíblica. Parte de bases interpretativas tomadas del psicoanálisis de Sigmund Freud, que en aquellos años tenía un gran predicamento en Europa y que basaba la explicación de las conductas humanas por las inclinaciones sexuales.

-Estas situaciones y conflictos marcaron, según la obra, no sólo las relaciones de esos primeros representantes de nuestra especie, sino también el destino de la humanidad para todo el futuro. Es, por lo tanto, una pieza de un contenido fuerte, controvertido y polémico, tratado con notable profundidad e innovación para ese momento.

-En lo estrictamente escénico, es preciso destacar el original y potente tratamiento dado por Calixto Bieito al desarrollo de la acción.  Destaca el trabajo realizado para lograr el impacto fuerte y directo en el espectador con escenas de gran fuerza emocional y también física, llevando la personalidad y las reacciones de los personajes hasta las últimas consecuencias.

-Con el fin de lograr ese impacto, se ha realizado una adaptación del escenario. Este espacio se adentra en el patio de butacas varios metros lo que permite una mayor proximidad con el publico. Destaca también la concepción de una casa trasparente como símbolo de la vivienda de esa familia originaria y su soledad en medio del universo. La responsable de esta escenografía es Rebecca Ringst, una colaboradora habitual de CBieito.

-También en esa misma intención caminan las proyecciones audiovisuales, creación de Sahah Derendinger, otra colaboradora del director artístico. Asimismo se realiza un impactante trabajo de videograbación y proyección en directo con la utilización de dos cámaras móviles y una fija, para su proyección inmediata como elemento activo del espectáculo.

-Otro elemento a destacar es la intervención de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, que inicia así una colaboración estable con el Teatro Arriaga. En esta ocasión, está colocada en el propio escenario, como elemento también integrador del espectáculo. El director  Robert Treviño ha estado situado detrás de los intérpretes. Por esa razón, ha sido necesario un asistente para coordinar sus entradas.

–La labor de estos cantantes ha sido asimismo digna de destacar, tanto en el aspecto musical como en lo referente a la interpretación de unos personajes tan complicados y en una acción nada convencional. Sus nombres son Anette Dasch, Daniel Schmutzhard, Simon Neal y John Daszak. Todos ellos han recibido el reconocimiento general de todos los asistentes con calurosos aplausos.

-En definitiva, como queda señalado al principio, ha constituido una jornada de especial interés, en teatro Arriaga de Bilbao, al ofrecer una muestra de cómo ha de presentarse una ópera en este siglo XXI y con un contenido digno de reflexionar sobre él.

DAVID BARBERO

-Antes de que lo borre de mi memoria, os comento que acabo de ver en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao un espectáculo teatral titulado ‘Galdós enamorado 2023’.

-Teóricamente trata sobre la relación sentimental que mantuvieron dos extraordinarios escritores como Benito Pérez Galdós y Emilia Pardo Bazán. Sobre las  cartas que se intercambiaron. Me corrijo. Sobre las cartas que Emilia le envió a Benito. Las que él envió han desaparecido. Con ese material, se pretendía reconstruir escénicamente no solo su relación sentimental, sino también la complicidad profesional y literaria existente entre ellos.

-Otro interesante encuentro profesional que se produce en este espectáculo es el de sus reconocidos intérpretes. Son Emilio Gutiérrez Caba y María José Goyanes.  Lógicamente, debían encarnar los personajes de estos dos escritores.

-Las coincidencias profesionales de estos dos destacados intérpretes comenzaron ya hace bastantes décadas. Su primer trabajo juntos tuvo lugar cuando eran veinteañeros y actores emergentes, en 1965, en una de las aquellas grabaciones teatrales que Televisión española realizaba. Llevaba el título de ‘Caviar o lentejas’. Lo dirigía Gustavo Pérez Puig. Después, han vuelto a coincidir en otras muchas producciones escénicas, varias de ellas promovidas y dirigidas por Manolo Collado, que fue esposo de María José.

-Este nuevo encuentro, el de la obra vista esta tarde-noche, ha sido propiciado por la producción de Salvador Collado, hermano de Manolo. La iniciativa original fue de los responsables del Teatro Pérez Gardós en Las Palmas de Gran Canarias, con ocasión de cumplirse el centenario de este insigne escritor. Allí mantienen vivos los proyectos escénicos relacionados con el escritor que les da el nombre.

-Este proyecto, ‘Galdós enamorado’ no es de ahora. Surgió hace unos años con el encargo al autor y director teatral Alfonso Zurro sobre ese aspecto biográfico y sentimental del famoso autor de ‘Los episodios nacionales’. Con ese texto y bajo su dirección, se puso en marcha ya con la participación como intérpretes de María José Goyanes y Emilio Guriérrez Caba. Tuvieron lugar los correspondientes ensayos y la preparación escénica.

-Eso sucedía a finales del año 2019. Es decir, cuando tuvo lugar la pandemia y lo condicionó todo. Comenzaron las representaciones y la gira. Pero hubo que interrumpirlas.  Aquí hay que añadir otro a los ya citados en el proyecto. Marta Gutiérrez Abad participaba como ayudante de dirección.

-Como consecuencia de la pandemia se interrumpieron las representaciones. Pero apareció la formula de la grabación del texto teatral como un libro leído o una grabación para ser escuchada. Hubo que incluir algunos complementos para situar y contextualizar las escenas. Aquí es donde entra Marta Gutiérrez Abad como narradora. También se introducen referencias a cómo se fue confeccionando teatralmente la historia sentimental de los dos escritores, que ahora se aprovecha sobre el escenario.

-Viene toda esta, quizá larga, explicación a decir que éste es el origen de la pieza que ayer y hoy se ha representado en el Teatro Campos Elíseos, dentro de la gira que están realizando Emilio Gutiérrez Caba y María José Goyanes, ahora ya con la inclusión de Marta Gutiérrez Abad. De esta manera, el espectáculo se ha reconvertido hacia la reproducción sobre el escenario de un teórico ensayo de preparación. Con esa excusa, los intérpretes pueden recurrir al texto escrito para leerlo, en lugar de tenerlo memorizado para su representación.

-En el comienzo de este comentario, he aludido al olvido de este espectáculo. Deseo mantener en la memoria otras actuaciones de los dos intérpretes, y otros textos o direcciones escénicas del autor.

DAVID BARBERO

-Todavía estoy reflexionando sobre la vivencia del desgaste, la sensación del desaparecer. Estoy dando vueltas a esa idea. Ese concepto. Esa pregunta. Esa incógnita. Esa interrogación: ¿Cómo sería un texto que se borra a sí mismo o una mirada que se desdibuja?

-Hace todavía poco tiempo he salido del Auditorium del Azkuna Zentroa, después de terminar la representación de ‘Amanecer alto cielo’ de Nazario Díaz. Según la explicación teórica, ése era el contenido de la propuesta. Y en ello, me encuentro.

-Todavía no estoy seguro sobre los matices de los verbos desgastar y desaparecer. Estoy en un sí pero no sobre ellos. El propio Nazario utiliza el nuevo y heterodoxo término de ‘desaparecimiento’.  Representa tanta novedad que habrá que meditar sobre él antes de aceptarlo.

-Hay otro concepto u otra sensación u otra experiencia paralela o concomitante. Es la de borrado. La importancia del borrar. Quizá dejando huella. O quizá no. Es posible que sea mejor sólo la sospecha de que no hay virginidad absoluta.

-Esta misma mezcla o sensación de hibrido deja la estructura de la pieza. Rezuma performance. También se apunta la dramaturgia o prácticas textuales. Existen eso que llaman diversas texturas escénicas.  El espacio a la vez vacío pero ocupado de materialidades.

-El equipo creador también es múltiple y poliédrico. Está presidido y dinamizado por el ya polifacético Nazario Díaz. Suyo es el concepto y la coreografía. En la parte performática se unen Julián Pacomio e Iban Salvador. El acompañamiento dramatúrgico está servido por Carolina Campos. La iluminación es responsabilidad de Leticia Scrycky. La producción la coordina Kurzuth Silverstone.

-Hasta el lugar de estancia del equipo es también múltiple. Actualmente está dividido en Bilbao y en Lisboa, aunque antes ha tenido otras sedes. El centro bilbaíno del Azkuna Zentroa es su referencia.

-Así que me voy a concentrar en la reflexión con la que he salido del espectáculo. Os recuerdo la pregunta teórico. ¿Cómo sería un texto que se borra a sí mismo o una mirada que se desdibuja?

-Si os soy sincero, tengo dudas sobre si llegaré a alguna conclusión clara. Es lo que pasa con estas experimentaciones artísticas. No con todas. Claro.

DAVID BARBERO

-Lo diré desde el principio. Esta tarde, en el teatro Arriaga de Bilbao, he sido testigo de una muy ingeniosa y estudiada, además de especialmente divertida, adaptación, puesta en escena e interpretación de ‘La comedia de los errores’ de William Shakespeare.

-Al hacer alusión, en el título, a los aciertos de esta representación, he querido también destacar el gran mérito, y la no menos dificultad, que tiene hacer bien una comedia, lejos de los recursos fáciles de los chistes gruesos, las alusiones soeces o las descalificaciones groseras.

-Vayamos por partes y comencemos por la ratificación de que la grandeza de Shakespeare no está sólo en sus extraordinarios personajes trágicos o dramáticos. En sus comedias, a veces menos valoradas, hay una profundidad similar y una sabiduría escénica del más extraordinario nivel.

-En esta ‘Comedia de los Errores, demuestra tener, además de un conocimiento muy detenido de los clásicos grecorromanos, un dominio evidente de las técnicas de la comicidad, con el eficaz juego de los parecidos, la dinámica de los equívocos y la dialéctica de la verdad o la mentira. En cuanto al contenido, se puede encontrar un debate en profundidad sobre los límites y las confluencias de lo verdadero y lo falso. Por medio, se enredan los conceptos de la identidad, el deseo, la felicidad, la tolerancia o la intransigencia.

-El trabajo de adaptación llevado a cabo por Albert Boronat demuestra que la fidelidad a un texto clásico está en identificar su esencia, y exponerla de forma eficaz para hacerla llegar al público de hoy. El necesario respeto no se halla en utilizar las ropas o las expresiones de otros tiempos, que han perdido ya su sentido. En este caso, se mantiene ese respeto y las virtudes de hacer llegar lo que Shakespeare había recogido, también a su manera,  de otros clásicos más antiguos para transmitirlo a sus contemporáneos.

-La manera de dirigir de Andrés Lima se desarrolla siempre con un elaborado y contrastado método propio. Integra los valores y características de la obra, con estudios sobre el autor, talleres de análisis sobre el tema, investigaciones del contenido y aportaciones personales de todos los participantes en el proyecto escénico. A todo esto, se añade la extraordinaria habilidad para integrar esos elementos diferentes y dirigirlos en la dirección que más directamente puedan impactar en el espectador. Si alguien desea conocer los resultados de esta metodología, lo puede descubrir en el meticuloso trabajo de esta comedia.

-Hay varios aspectos que destacan de modo especial. La obra está concebida como una unidad con un desarrollo tan preciso como de relojería. Todo tiene que ir encajando con exactitud matemática. Este mecanismo de exactitud tiene aquí la dificultad de que se parte de un proceso lleno equívocos y confusiones, llevado premeditadamente hasta las cercanías del caos y la confusión, aunque siempre se mantenga el control de los distintos derroteros de la acción.

Esta exactitud encuentra aquí, además, otra dificultad y el consiguiente mérito añadido, al interpretar cada actor varios personajes. Se une al ritmo endiablado con el que se desarrolla la acción, como requisito para lograr la comicidad. Y proporciona la gratificación al espectador de que, aunque haya momentos en que se siente perdido, si se deja llevar, al final todo termina encajando.

-Uno de los puntos destacados en este método de trabajo es la atención a cada uno de los intérpretes y su participación activa en la preparación de la obra con la aportación de sugerencias y la utilización de todas sus posibilidades de expresión. Especial incidencia tienen durante toda la obra las aportaciones musicales y coreográficas, perfectamente ensambladas con el mantenimiento continuado de la comicidad.

-Todo este virtuosismo interpretativo es preciso atribuírselo al bien seleccionado sexteto de actores integrado por Pepón Nieto, Antonio Pagudo, Fernando Soto, Rulo Pardo y Esteban Garrido.

-Se pueden encontrar, en esta ‘Comedia de los errores’, algunos aciertos más de los señalados aquí . Pero es preciso dejarlos, como aliciente, para el descubrimiento de quienes se animen a disfrutar de esta muy cuidada propuesta escénica.