David Barbero

-Soy consciente de que el título de este comentario necesita una explicación. Voy a intentar darla un poco más abajo. Antes, quiero situarme. Esta noche, en un horario más tardío de lo normal, he acudido al teatro Campos Elíseos de Bilbao para ver la última obra interpretada, escrita y dirigida por Rafael Álvarez, ‘El brujo’, con el título de ‘El viaje del monstruo fiero’.

Todos sabéis que el polifacético hombre de teatro y sobre todo muy virtuoso intérprete viene desde hace décadas prestando una atención muy destacada y también muy peculiar a los clásicos españoles. Lo ha hecho, además de a su manera,  por su cuenta y riesgo, recorriendo todos los teatros de la península. Insisto en lo de su cuenta y riesgo. Realizando todos los oficios teatrales incluidas también las labores de producción.

También hay que advertir que últimamente, aunque anuncia que sus obras tratan sobre los autores clásicos españoles del siglo, a la hora de la verdad él, sobre el escenario, habla de todo menos de eso, aunque lo hace bien y al gusto del público.

Esta vez ha habido una novedad en eso de hacer las obras por su cuenta. Es lo que deseaba insinuar en el título del comentario. Por primera vez, la Compañía Nacional de Teatro Clásico ha acogido el estreno absoluto de esta obra ‘El viaje del monstruo fiero’, que ahora ya está de gira y esta noche ha aterrizado en el escenario de este teatro bilbaíno. Yo lo he calificado como ser admitido, metafóricamente, en la Academia. 

He tenido interés en destacar ese detalle. Quizá un poco tardío. Pero es que las academias suelen ser muy ortodoxas y todos sabemos que ‘El brujo’ es muy suyo y le gusta hacer las cosas a su manera o a su aire, aunque las haga como nadie.  Pero no soy yo quien para meterme donde nadie me ha llamado y decir lo que otros debían haber hecho o no.

‘El viaje del monstruo fiero’, que he visto esta noche,  resulta ser como la mayoría de las obras de Rafael Álvarez. Teóricamente se anuncian como un  homenaje escénico a través de textos clásicos de autores tan prestigiosos y reconocidos como Lope de Vega, Quevedo, Cervantes, Santa Teresa de Jesús o San Juan de la Cruz. Pero sobre el escenario se vuelve a escuchar de todo. Y se asiste a una demostración de las cualidades interpretativas del actor.

En sus palabras textuales, «los actores de entonces eran los artífices de ese fenómeno teatral vivo del espectáculo que se producía en los corrales de comedias. Todo esto es la esencia del teatro del Siglo de Oro español. Yo me considero heredero de ese linaje porque mi trabajo ha sido enfrentar esa dificultad durante toda mi vida».

El Brujo, teóricamente, en esta obra parte de una loa de Lope de Vega de 1607 en la que propone un enigma cuya respuesta es el actor: «¿Cuál es aquel monstruo fiero que nació de nobles padres y parió una madre sola y de muchas madres nace?». A partir de ahí, , también teóricamente, debía iniciar sobre el escenario un viaje personal a través de diversos textos de estos autores. 

El hilo conductor debía tener la finalidad de poner en valor la ermanencia en la actualidad del legado de los comediantes del Siglo de Oro de los que se siente heredero.

«Este viaje del monstruo es mi propio viaje a través de los escenarios donde todavía se celebran los vestigios de la gloria irrepetible del Siglo de Oro español. El público me hizo monstruo fiero por necesidad y así cumplí con mi parte de la herencia. Soy un bululú», asegura sobre sí mismo.

Rafael Álvarez ha estado haciendo esta tarde sobre el escenario lo que mejor sabe, teatro a su aire y a su estilo, acompañado por Javier Alejano como músico en directo. Ha explicado que en el Siglo de Oro «dentro de las diferentes modalidades de los integrantes de las compañías, el bululú es un solo actor. Eso es lo que yo practico: un bululú con rabel. Esto es lo que vengo haciendo durante más de veinte años de una manera sistemática, con muchos títulos». Eso es lo que nos ha mostrado con su personalísima manera de interpretar.

Creo que no tengo yo nada más que añadir. Salvo que el teatro estaba completamente lleno, que el público le ha recibido  con aplausos, que ha reído y festejado todas sus gracias y que él ha realizado una exhibición de su virtuosismo interpretativo, y que al finalizar, los aplausos han sido largos, sonoros y entusiastas.

David Barbero

-He acudido esta tarde al teatro Campos Elíseos de Bilbao con el propósito de ver de nuevo la pieza titulada ‘Señora Einstein’. Así que deseo recordaros otra vez que esta señora a la que alude el titulo es Mileva Maric. Fue la primera esposa del científico mundialmente reconocido Albert Einstein. Ella fue, además, una matemática y física de gran calidad y con inmensos méritos en la investigación, docencia y experiencia profesional. Tuvo una vida, digamos que, complicada.

-Fue la pareja en su conjunto la que realizó las investigaciones y  los experimentos sobre la teoría de la relatividad. En justicia, Mileva Maric debería haber sido re-conocida como co-creadora de esa importante formulación científica. Pero sólo se le sigue atribuyendo a su esposo.

-Estuvieron casados desde 1903 hasta 1919. Previamente  habían sido compañeros de estudios en la Escuela politécnica de Zurich. Era la única mujer entre todos los compañeros varones. Fue la segunda en la historia de esa escuela en terminar el programa completo en el departamento de matemáticas y física. Tuvieron tres hijos. Ya he dicho que su vida familiar no fue precisamente idílica. Al separarse, ella se hizo cargo de los niños y de numerosos problemas colaterales.

-Las fechas en que estuvieron casados coinciden con los años en que estudiaron juntos e investigaron. También coinciden con los años en los que se publicaron los artículos más importantes firmados sólo por Albert Einstein y que le han dado su gran fama. Existen también datos de que los estudios sobre la teoría de la relatividad  comenzaron con la tesis doctoral de la propia Mileva.

-Sin embargo, está meridianamente claro que el reconocimiento recibido ha sido casi infinito para Albert, y prácticamente nulo para ella. Por esa razón, reitero esta breve exposición biográfica, y también reivindicativa en su favor. Recuerdo asimismo que la vez anterior vi esta pieza al día siguiente de la celebración del Día internacional de la mujer. De esta manera, se une con más claridad la denuncia de la opacidad que la sociedad patriarcal ha ejercido para ocultar y apropiarse  de los méritos de algunas mujeres muy distinguidas y esforzadas.

-A la vez, deseo destacar los indudables méritos teatrales de esta obra, que han sido reconocidos por diversos premios. Es otro de los motivos de ver la obra otra vez. Se trata un muy detenido trabajo realizado por el colectivo de la compañía Teatro Defondo de Madrid. Con participación de todos sus miembros en las distintas actividades teatrales y escénicas.

-Han resultado especialmente destacables la originalidad del planteamiento, el dinamismo puesto en todo el montaje, en el poco habitual y muy expresivo movimiento de los objetos y  de los elementos del mobiliario, la creación de atmósferas en las diferentes y rápidas escenas, los vertiginosos cambios de roles, de vestuario y de actitudes escénicas.

-Citemos, en consecuencia, con reconocimiento a quienes han participado en este cuidado trabajo escénico de la compañía teatral Defondo. En la autoría, han participado David Diez, Gustavo Galindo, Pedro Santos y Vanesa Martínez. Ésta última se ha responsabilizado de la dirección escénica y la escenografía. La interpretación ha sido ejecutada por Esperanza García-Maroto, Gustavo Galindo, Guillermo Berasategui, y David Díez.

-Os puedo decir, para terminar, que no descarto volver a ver la obra una vez más si tengo ocasión. 

David Barbero

-He tenido esta tarde-noche ocasión de asistir en Euskalduna Bilbao al estreno absoluto de un destacado espectáculo escénico y musical de especial interés. Lleva el título de ‘Mástodophónika’ y tiene como  protagonista destacado al polifacético Asier Etxeandía.

-El Euskalduna Bilbao cierra, con este exitoso espectáculo, su programación escénica de Aste Nagusia, en la que ha ofrecido piezas de diversos géneros escénicos, culminando con esta su primera producción escénica propia.

La función a la que he asistido ha terminado cerca de la media noche, por lo que debo apurar el tiempo en una crónica de urgencia.

-‘Mástodophónika’ es un compendio de talento consagrado y artistas emergentes para crear un concierto que rebasa su formato habitual y presenta un espectáculo variado y poliédrico que no deja indiferente a nadie. De hecho hoy ha llenado el muy amplio aforo. El público ha interrumpido para aplaudir en numerosas ocasiones. Se ha entregado para celebrar las propuestas procedentes del escenario. Y al finalizar ha respondido de pie con una sonora ovación. 

-La propuesta artística junta, sobre el escenario del espacioso Auditorium, a Mastodonte, el dúo formado por el polifacético Asier Etxeandia y el músico napolitano Enrico Barbaro; al Coro juvenil San Juan Bautista de Leioa y a Euskadiko Gazte Orkestra (EGO). Todo ello dirigido por la sólida y flexible batuta de  Iker Sánchez Silva.

Se trata de algo mucho más que un concierto. Es un espectáculo que despierta todos los sentidos. La enorme capacidad escénica de Mastodonte, con Asier Etxeandia a la cabeza, a partir de un repaso a su repertorio, crea un viaje muy personal, en el que sobresalen la fuerza del territorio y las almas que lo habitan, dedicado muy especialmente a sus preferencias y las del público local.

También se puede decir que es más que un concierto porque se ha convertido en una fiesta participativa en la que el público se ha sentido contagiado por el dinamismo de los intérpretes, principalmente por el protagonismo en todos los sentidos de Asier Etxeandía. Se ha producido una complicidad a través de la música, las letras y los movimientos y hasta el vestuario. Este contagio se debe atribuir en buena parte a la actitud del principal intérprete, que además de realizar una entrega total, ha demostrado hallarse en plena forma.

Hay que destacar asimismo la interpretación y la actitud de los jóvenes integrantes del coro de San Juan Bautista de Leioa. Han realizado una actuación integral, uniendo elementos teatrales y de espectáculo escénico.

Sería injusto no poner el énfasis en la aportación de la orquesta  joven de Euskadi. Han demostrado tener una calidad interpretativa muy notable a pesar de su juventud. Eso les permite, además, actuar, improvisar y participar en la fiesta en unión del público.

Muy destacada ha sido también la labor realizada por Iker Sánchez Silva, coordinador e impulsor h de todo el espectáculo, dando unidad y ritmo a un conjunto tan heterogéneo de elementos y tan numeroso en  participantes.

Dada la precipitación horaria para emitir este comentario, solo cabe alabar esta iniciativa tomada por Euskalduna Bilbao en este su primera producción propia. Y dada la total aceptación que hoy ha dado el público y la que mañana tendrá previsiblemente lugar, es de esperar que tenga más representaciones de las ya previstas.

David Barbero

-Esta tarde noche he acudido al teatro Campos Elíseos de Bilbao con el propósito de ver la representación de la obra titulada ‘Camino a la Meca’, interpretada por la veterana y reconocida actriz Lola Herrera. Además la pieza venía precedida por cierta fama por las representaciones tanto en capitales europeas como americanas.

El texto es del británico Athol Fugard. Está adaptado aquí por el también reconocido autor Claudio Tolcachir. La interpretación está encabezada por la citada Lola Herrera, acompañada por su hija Natalia Dicenta y por el también veterano  Carlos Olalla.

Aprovecho  los nombres del reparto para, una vez vista la obra, comenzar por un comentario colateral dedicado a  Lola Herrera y festejar que está llevando con inteligencia y valentía esta parte última de su carrera artística, cosa que no han sabido hacer otras intérpretes de su edad.

‘Camino a la Meca’ es un testimonio  discursivo sobre la vejez, la libertad y la soledad. Una exposición, reiterada, de que la vida no se mide en años sino en deseos, en la capacidad de seguir soñando y construyendo un camino propio hasta el final. Pero sin aportar elementos novedosos en ese alegato, ni tampoco prodigarse en motivaciones que apoyen la intriga, el interés o la variedad en el texto y en la puesta en escena.

Claudio Tolcachir se ha encargado de la adaptación, quizá con la intención de acercar ese mensaje. A la actualidad. También se ha responsabilizado de la dirección escénica, pretendiendo que el montaje se convirtiera en una metáfora viva de sus temas esenciales como la lucha entre la luz y la oscuridad, la libertad frente al aislamiento y la creación en conflicto con el miedo. Pero sin aportar alicientes de agilidad, innovación o atractivos escénicos.

La traslación de toda la carga simbólica se materializa en el trabajo de escenografía e iluminación. Alessio Meloni construye un universo escénico que encapsula la dualidad entre encierro y libertad, entre opresión y creación. Por su parte, la iluminación de Juan Gómez-Cornejo juega ese mismo intento en la dramaturgia visual. 

          De esa manera, la interpretación se ha convertido en el mayor aliciente. En ese sentido, hay que destacar la presencia de Lola Herrera. A sus 89 años, la actriz vuelve a demostrar que es una gran intérprete con capacidad expresiva. Su manera de transitar entre la determinación y la duda, entre la energía creadora y el cansancio de quien ha peleado demasiado, es digna de mención especialmente a su edad..

A este desafío, se suma un reto personal: compartir escena con su hija, Natalia Dicenta, en un ejercicio de complicidad escénica. Completa el elenco Carlos Olalla, que encarna la mirada represora de una sociedad que no tolera la diferencia.

En consecuencia, un estimulante acontecimiento teatral por numerosos motivos. Pero sobre todo por la presencia de la veterana actriz. El aforo del teatro Campos Elíseos estaba completamente lleno en su honor. A ella, han ido también dedicados los emotivos aplausos del numeroso público puesto de pie.

David Barbero

Si a alguien no es necesario presentar en este país es a Carlos Sobera, persona polifacética, pero conocido sobre todo como presentador de programas populares de televisión. Es posible que tenga ya desde hace tiempo el récord de presencia en la llama pequeña pantalla, Lo que le da una enorme popularidad.

Le he calificado de persona polifacética, porque he coincidido con él, desde hace tiempo, en otras actividades, como la enseñanza universitaria y el teatro. Esto segundo es lo que nos ocupa ahora.

-Sobera se dedica, también desde hace tiempo, a las artes escénicas. Sobre todo a la interpretación. Pero, para hacerlo con más libertad, cubre también las labores de producción de sus obras. El teatro que interpreta, y que produce, suele estar situado en esos parámetros que denominan de entretenimiento, por su puesto comedia, ya que su único objetivo es hacer reír. Es decir, piezas apropiadas para épocas festivas y de verano. Pero creo recordar que en el comienzo no era exclusivamente así.

Ahora está de gira con una obra titulada ‘inmaduros’, después de haberla representado ya en Madrid. Es una comedia frívola que se acompaña de reparto conocido, una dirección agresiva y un diseño escénico llamativo.

El argumento explora, con humor y exageración, las complejidades y contradicciones de la (in)madurez emocional en las relaciones humanas, sobre todo las relacionadas con el sexo, entre personas que debían haber superado esa etapa de la vida.

 La obra expone, de manera exagerada, las fantasías y las desventuras de un publicista divorciado y evasivo, y un psiquiatra apocado hasta el extremo, recientemente separado. Se insiste en la diferencia de caracteres para forzar más la comicidad. Ambos atraviesan una crisis emocional, tras superar ampliamente la mediana edad.

La dramaturgia de Juan Vera y Daniel Cúparo presenta una estructura elemental, enmarcada en la comedia, utilizando diálogos rápidos  y muchos gestos distorsionados, que mantienen la curiosidad del espectador y provocan su hilaridad. 

La adaptación escénica de Juan Luis Iborra y Sonia Gómez hace el trabajo de trasladar el texto a una realidad más cercana. La dirección del propio Juan Luis Iborra imprime un ritmo rápido que se ajusta al tono cómico de la obra, con un enfoque cercano a los vodeviles de escasa acción.

El reparto ofrece una muestra de diferentes estilos, niveles y cualidades interpretativas, llevadas intencionadamente al límite.  En el centro de la acción,está Carlos Sobera, que encarna al publicista separado, atrapado en un mar de relaciones superficiales y una pseudo-crisis emocional. A su lado, Ángel Pardo pone el énfasis en los aspectos contrarios para forzar la comparación.

Los personajes femeninos, aunque con todavía menos entidad, se muestran activos y llenos de dinamismo. Elisa Matilla, con su vasta experiencia, exagera un personaje empoderado, mientras que  Lara Dibildos, recurre más a movimientos caricaturescos, en su papel de novia del protagonista. Por su parte, las jóvenes, y también inmaduras, Silvia Vacas y Arianna Aragón, aportan la continuidad exigida por la acción en los momentos cómicos y picantes.

Otro de los puntos a señalar es la escenografía, diseñada por Asier Sancho, que recrea exageradamente una casa ‘inteligente’ del protagonista, para añadir curiosidad a esta comedia ligera de entretenimiento veraniego.

Hay que reseñar que el teatro Campos Elíseos estaba completamente lleno; que el público se ha reído en numerosas ocasiones y que los aplausos finales han sido sonoros, aunque quizá no demasiado prolongados.