David Barbero

-He acudido esta tarde con gran curiosidad al Teatro Barakaldo a ver la obra titulada ‘Un sublime error’ y me ha parecido de gran interés. Ése es el resumen, un poco ampliado,

-Tenía algunos conocimientos teóricos, muy favorables, sobre el dramaturgo y director de escena, el belga Jan Lauwers, uno de los referentes europeos del llamado teatro posdramático. Tenía también referencias positivas sobre el interprete, Gonzalo Cunill. Argentino de origen, y residente en Barcelona.  Pero no recordaba haber visto sus trabajos. Así que me ha resultado una espléndida oportunidad esta representación que ha tenido lugar en el teatro Barakaldo.

La obra es presentada como una performance que profundiza en las intensas relaciones vitales y de amistad de tres personajes, dos hombres y una mujer. Uno de los cuales cuenta su propia muerte, cuando su cadáver está ahí presente, encima de una mesa de cristal llena de una delicada y deslumbrante cristalería, tan bella y tan frágil como la propia amistad. Los otros dos personajes, también están presentes y son interpretados asimismo por el mismo Gonzalo Cunill.

Recurre a varios métodos de implicar al público hasta el punto de hacer subir al escenario a tres espectadores e interactuar con varios más.  Ofrece tres retratos que forman parte de las primeras piezas teatrales de Lauwers y de las amistades que ha ido generando a lo largo de su carrera escénica. Muestra la desesperación de un artista que no ha logrado ser tan frío como el hielo a la hora de crear, pero que, una y otra vez, siente la necesidad de ser amado. La misma necesidad de sonreír y sentirse bien. Ser feliz.  Es el retrato íntimo de un hombre que mira el mundo con asombro y no logra entender por qué incluso él es parte de todo ello, que termina calificando de ‘un sublime error’..

Las tres voces que aparecen son las de  dos hombres (llamados Álex y Gonzalo) y una mujer (Christine). Cada uno de los personajes tiene una forma distinta de ver la vida. Mientras Álex está cabreado y es pesimista, Gonzalo es el más optimista de los tres, a pesar de que es el personaje muerto. En cambio, Christine, más lista, les mira de manera sorprendente. Quizá la intención de su creador era hacer que ella fuera el verdadero poder de la propuesta y, en última instancia, hacer un juego de identidades: Se puede añadir sin riesgo de no cometer spoiler que son tres personajes, pero puede ser una sola persona. Nada más y nada menos.

De estas explicaciones mías titubeantes, se puede deducir que el planteamiento dramático no es precisamente naturalista, ni parte del esquema aristotélico del planteamiento, nudo y desenlace. Parte de esquemas surrealistas para superar la lógica racional. Incapaz de abarcar todos los elementos que se hallan dentro de cualquier realidad.

Sobre la compañía, se puede informar  que Needcompany fue creada hace ya casi cuatro décadas por Jan Lauwers y Grace Ellen Barkey, con sede en Bélgica. Desde entonces, ha recorrido los escenarios más destacados del mundo con propuestas de teatro, danza, artes escénicas, artes visuales y escritura.

Jan Lauwers es un destacado artista belga (re)conocido por su multifacética carrera como director de teatro, coreógrafo, artista visual y cineasta. Nacido en Amberes en 1957, Es uno de los nombres más influyentes en el teatro contemporáneo europeo. Se ha ganado una sólida reputación internacional por su enfoque innovador y experimental en las artes escénicas. Por su estilo experimental y su capacidad para fusionar diferentes disciplinas artísticas en sus obras. Sus producciones, como la de hoy, abordan temas como la identidad, la memoria, el amor, la guerra y la condición humana.

Por mi parte, ha constituido una muy interesante ocasión para conocer de modo directo su atractivo e innovador trabajo en la escritura y la dirección escénica. No soy quién para dar ningún consejo o recomendación. Pero si alguien se lo ha perdido y desea remediarlo, le diría que esté atento a enterarse dónde se representa de nuevo ‘Un sublime error’. Lo digo porque me ha dado pena comprobar que muy pocos sanamente ‘curiosos’ han aprovechado la oportunidad que nos ha ofrecido el Teatro Barakaldo.

David Barbero

-Esta tarde he acudido al centro cultural Muxikebarri de Getxo para ver la obra ‘Lo peor que le puede pasar a un niño’ de Javier Liñera, sabiendo varias cosas previas sobre este autor y director de teatro. E intérprete en otras obras.. -Sabía y sé que Liñera es un maestro que domina como pocos el lenguaje teatral. Sabía y sé que es innovador en sus planteamientos escénicos.  También los de auto-ficción. Sabía y sé que en sus obras habla de cosas que le afectan personalmente, que conoce muy bien y que, muchas, las ha sufrido en experiencia propia. 

-Sabía también que con este texto ha ganado el exigente premio Max Aub. Pero me faltaba lo esencial: verla representada sobre el escenario. Deseo que he visto satisfecho esta tarde gracias la programación de Getxo Eszena. Así he podido comprobar que es una propuesta escénica que explora la construcción —y deconstrucción— de la masculinidad desde una vivencia personal que se vuelve colectiva.

-Para esta exposición dramática, utiliza un  procedimiento narrativo similar al método médico de la necropsia o análisis después de la muerte. En ese proceso, se plantean preguntas e informaciones  muy sensibles sobre la identidad, lo binario, los cuerpos o los roles de género que nos han sido impuestos desde la infancia.

-De esa manera, resulta una pieza valiente, cercana, reflexiva y necesaria, que interpela al espectador y lo invita a revisar sus propias certezas, sus propias vivencias, las influencias recibidas y las decisiones tomadas. Todo con una verosimilitud y confidencia más directa de lo que suele ser habitual en el teatro..

-Es curioso el juego escénico y dramatúrgico en el que en el que  un ‘chico’ de unos 40 años junto con su alter- ego, Barbie, realizan un examen exhaustivo de  su propia vida. Van desgranando como fue de niño, cómo vivió su adolescencia y madurez, cómo le influyeron los profesores, su padre, abuelos, amigos y demás figuras masculinas. Irán descubriendo cómo se ha ido conformando su propia masculinidad. Además, se complementa con el sìmbolo paralelo, al presentar el símil la necropsia de un conejo. En este punto, me gustaría destacar el interés que tiene el análisis paralelo de la Barbie

En el espectáculo, hay potentes escenas, impactantes, pero no desagradables; duras, pero recomendables; muy bien escritas y eficazmente planteadas en la escena.

El propio Javier Liñera se responsabiliza de la dirección escénica, además de la dramaturgia. ¡Ah! También de la producción, a través de la compañía Ékoma Teatro. En la interpretación, Aitor Pérez Collado y Haiza Águila Mínguez realizan un muy encomiable trabajo tanto en los momentos más contenidos, como en otros de actitud más más directa.

Espectáculo valiente, comprometido, y seguramente necesario en estos momentos. De análisis y de denuncia a la vez.

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David Barbero

-Voy a ampliar, desde el principio lo expresado en el título de este comentario. He puesto ‘extraordinario tratamiento’. Tenía que haberlo puesto en plural. En esa valoración, me refiero, por una parte, al tratamiento del tema, del contenido, del complicado asunto de ‘lo trans’ con todas sus implicaciones.  También aplico ese reconocimiento a la interpretación. Asimismo re refiero al tratamiento escénico. Por lo tanto, ya me quito el sombrero en reconocimiento y en honor de María Goiricelaya y de Gema Matarranz. O de Gema Matarranz y María Goiricelaya.

-Ahora me tengo que situar en el espacio y en el tiempo. Esta tarde he estado presenciando, en el Azkuna Zentroa de Bilbao, el estreno de la obra de teatro  Titulada ‘Dysphoria’, interpretada por Gema Mararranz, Escrita y dirigida por María Goiricerlaya. He dicho obra de teatro, aunque interviene una sola intérprete. No se debe decir que sea un monólogo. Intervienen numerosos personales y quedan muy bien descritos. Esa es una de sus riquezas y variedad.

-Debo continuar, lógicamente, con la definición de Dysphoria, ya que es el título de la obra. Habitualmente se suele escribir como disforia. Es lo contrario de la euforia. Se caracteriza por la acumulación de emociones negativas. Acumula tristeza, ansiedad, irritabilidad. Inquietud en incluso se acerca a la depresión.  En la obra se refiere al sentimiento, o en plural los sentimientos, que desarrollan las muchas personas que se ven afectas en el proceso de cambio de sexo.

-Es una creación escénica de la compañía teatral  Histrión. Se ha llevado a cabo a través de una residencia en el citado centro bilbaíno de experimentación artística. Por lo visto hoy sobre el escenario,  el proceso ha tenido ser intenso, profundo, detenido, cuidado, polifacético, abierto, honesto, sincero y con muchos adjetivos más. 

-El tratamiento ha surgido por el detonante de los recientes casos acontecidos para revisar el conocimiento y las diferentes respuestas que es capaz de ofrecer la sociedad ante estas situaciones.  El texto expone el vacío legal, la preocupación social y el sufrimiento que casos relacionados con la violencia de género generan a sus afectados. También hay que utilizar el plural. Los vacíos existentes, las violencias de género. Las muchas implicaciones, las incomprensiones, los rechazos.  Ha sido definida como «un grito, un tour de forcé necesario en una sociedad en la que los vacíos legales de la reciente Ley Trans demandan nuevas soluciones urgentes en todos los ámbitos».

-Deseo reiterar el meticuloso trabajo realizado en la dramaturgia sobre este tema con tantos marices e implicaciones. También la muy trabajada puesta en escena, con la multiplicidad de voces y personajes intervinientes. Los  cambios instantáneos. Y la interpretación por una sola actriz de todos esos cambios, esos giros, esas transformaciones, los tonos de voz, las expresiones, los gestos. Todo. .

-La compañía Histrión está celebrando su 30 aniversario con el estreno de este arriesgado monólogo de teatro documental que reta al público a cuestionarse sus propios paradigmas y prejuicios, desde el respeto a la diversidad.

-Es un trabajo que nos lleva a cuestionar nuestros planteamientos y prejuicios. Revuelve las entrañas mentales y físicas. Es un detonador que nos obliga a pensar en cómo opera las sociedad, las personas, la justicia en un mundo construido para que los derechos y libertades no sean iguales y justos.

-Los muchos personajes protagonistas, interpretados todos por Gema Matarranz se hallan en momento crucial, porque todos son afectados. La madre, la hija/o de dieciséis años que acaba de confesarle que ya no será más Alejandra, será quien realmente es: Alex. La terapia, los grupos de sensibilización, las diferentes gestiones no son suficientes para aceptar el hecho de que su hija ya no será más su hija y la negación, la resistencia y la frustración se abren paso desde el dolor que provoca.

-El gran giro personal, social y judicial que se produce cuando la policía llega con la acusación de abuso sexual. Esa situación lleva a la madre a una frenética carrera para intentar comprender a su hijo y protegerle frente a todo aquello que quiere arrinconarle, destruirle y robarle su identidad y sus derechos. ¡Ah! Y la contundente reacción final.

-Yo ya he dicho más arriba que me había quitado el sombrero en reconocimiento a las creadoras de este trabajo. Sigo sin él. 

David Barbero

-Confieso que esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao he podido satisfacer un deseo que tenía aparcados desde hace tiempo. Distintos motivos me habían impedido realizarlo hasta ahora. He presenciado el musical ‘The Rocky Horror Show’ en su versión y montaje original.

-En el teatro municipal bilbaino, se está representando estos días el legendario musical de Richard O’Brien con la misma producción original de Londres. Se trata del mismo espectáculo que se ha estado representando con gran éxito en el West End de la capital británica bajo la dirección de Christopher Luscombe.

-Estrenado originariamente  en junio de 1973 en el Royal Court Theatre, The Rocky Horror Show se ha convertido en el musical contemporáneo que más tiempo ha estado en cartel ininterrumpidamente. Más de 35 millones de personas han visto el musical alrededor del mundo, sumando más de 30 países y traducido a 20 idiomas. 

-Entre todos esos elevados números, quizá haya que destacar el destacado porcentaje de personas que ‘viven’ el espíritu de ese música, que se identifica con su mensaje, que a verlo, identificarse y vivirlo cada poco tiempo, que se disfraza de alguno de los personajes para realizar esa visita al teatro

-Supongo que ya conocéis su argumento. Cuenta la historia de dos ingenuos universitarios: Brad y su prometida Janet. Cuando, por un giro del destino, su automóvil se avería frente a una mansión espeluznante, se encuentran con el carismático Dr. Frank’n’Furter y comienzan una aventura que nunca olvidarán, llena de diversión, juegos, vestidos y transformación personal.

Trae un elenco formado por 15 actores y actrices, acompañados por la música en directo de The Rocky Horror band – el mismo grupo que también toca en el West End de Londres. El espectáculo se convierte en una fiesta inmersiva y contagiosa, que combina la ciencia ficción, el terror, la comedia, el baile y la música, a la vez que fomenta la participación del público.

El musical, cuya banda sonora incluye canciones que ya son clásicos de la cultura pop -como Sweet Transvestite, Damn it Janet o Time Warp, ha sido interpretado por grandes estrellas, como Susan Sarandon, Russel Crowe, Tim Curry, Jason Donovan o Meat Loaf. Algunos de ellos también trabajaron en la película de gran éxito The Rocky Horror Picture Show, dirigida por Jim Sharman con guion del mismo Richard O’Brien

A pesar de haber sido creado en los años 70 del siglo pasado y con estructuras de entonces, The Rocky Horror Show sigue siendo un fenómeno cultural por su capacidad de romper moldes, desafiar géneros y celebrar la diferencia.

La obra se convirtió hace tiempo en un símbolo de libertad de expresión y de la identidad, temas que hoy en día resuenan más que nunca. Su mensaje de inclusión y su celebración de la diversidad son, posiblemente, las razones por las cuales nuevas generaciones continúan descubriéndolo y enamorándose de su magia.

Su presencia estos días en el Teatro Arriaga de Bibao no es solo una oportunidad para revivir un clásico, sino también una ocasión para participar de una experiencia diferente. Más que un simple espectáculo, se trata de una celebración de la individualidad y una invitación a dejar de lado los prejuicios y sumergirse en un mundo donde lo único predecible es lo impredecible.

Repito que, para mí, ha constituido todo eso y la satisfacción del deseo aparcado de disfrutarlo en la versión original y primigenia. 

David Barbero

-A las 12.00 del mediodía, una hora no muy teatral pero significativa, de hoy domingo 5 de octubre del años 2025, ha tenido lugar la última representación en el actual, hasta ahora, escenario de Pabellón 6 de Bilbao.

-Ha sido una función matinal de ‘¡Ay, Carmela!’, obra de José Sanchis Sinisterra protagonizada por Olatz Ganboa y Diego Pérez y dirigida por Ramón Barea.

-También ha constituido una reunión, emotiva, de muchas personas teatreras que de una manera o de otra, han (hemos, con permiso) estado vinculados a este proyecto que ahora ‘cierra’ temporalmente, para volver a renacer y renovarse de modo inmediato en el mismo sitio.

El espectáculo, ‘Ay, Carmela, no sido seleccionado para este ‘cierre’ por casualidad. Es uno de los más emblemáticos, entre muchos, con las marcas distintivas de la casa. Fue distinguido en 2019 con el Premio Ercilla a la mejor producción vasca, y se ha convertido en una de las más significativas de la trayectoria de este lugar de experimentación escénica.

-Antes de la representación, ha habido unas palabras de Ramón Barea, alma mater y cabeza visible del proyecto. En ellas, ha hecho balance de la hecho en ese local. Ha agradecido la labor de los socios  y de los colaboradores. Ha tenido un recuerdo para el público. Ha reconocido tener algo de nostalgia de las experiencias de estos años. Pero ha puesto más énfasis y lo que queda por hacer.

-Tras la representación, se ha celebrado un ‘ágape’ popular con asistencia de los fundadores del espacio, los socios, los colaboradores y el público en general. Ha sido una manera entrañable de despedirse colectivamente de la nave industrial convertida en teatro antes de ser demolida. También ha habido recuerdos y nostalgia. Pero mucha   e ilusiones por el futuro.

-Pabellón 6 ha desarrollado un sello y un estilo propios, marcados desde el principio y perfeccionado paulatinamente. Nunca ha sido un teatro convencional. Ha sabido convertir una antigua nave industrial de Zorrozaurre en un espacio vivo, abierto a la investigación escénica, a la producción propia, a la formación y al encuentro entre artistas y espectadores. Allí se han impulsado  numerosos proyectos como la Compañía Joven y se han estrenado decenas de espectáculos, obras e iniciativas.

-Sin duda, estos tres lustros de actividad merecen una valoración muy positiva. Se ha creado un público amplio, fiel y deseoso de ver novedades teatrales. Se ha desarrollado un tipo de teatro próximo, cercano en varios sentidos del término, con un estrecho contacto entre público e intérpretes, y mirando a la sociedad en que todos vivimos. Se han sacado adelante un sin número de producciones propias desde el Laboratorio Teatral propio. Mención especial merece la creación de la Gazte Konpainia, ya con una decena de años de actividad donde se han formado generaciones de profesionales, que han empezado ya a cambiar el panorama escénico del entorno. También hay que las jornadas de Teatro Breve. Y otra larguísima serie de iniciativas.

-Dentro de poco, va a comenzar el futuro de de este mismo Pabellón 6 de Bilbao con nuevos locales y con el espíritu renovado en todos sentidos, Adaptándose a los nuevos tiempos teatrales y sociales. Incluso adelantándose a ellos.

-Así que agur  y bienvenido, Pabellón 6 de Bilbao. Gracias por estar ahí. Si no fuera así, habría que inventarte de nuevo.