David Barbero
-El estreno, esta tarde, de la obra ‘Viaje a ninguna parte’ en el teatro Arriaga de Bilbao, como homenaje a los teatreros y a su vida itinerante, se ha convertido en una demostración de la alta calidad interpretativa existente entre los actores y actrices locales.
-No sé si alguien ha podido pensar que no se trata de un reto difícil por estar vinculado al mundo del teatro y haber sido escrito por un actor y director escénico. El que lo haya visto así se equivoca a mi juicio. Es significativo que el propio Fernando Fernán Gómez, ilustre y sabio, la escribió como novela y la dirigió y protagonizó en el cine. Pero no se decidió a llevarla él al teatro.
-El mismo título alude al viaje, al movimiento, al cambio, a la trayectoria, al paso del tiempo. No es lo más sencillo para interpretarlo y plasmarlo sobre un escenario. Ésta ha sido una de las características positivas de la propuesta. Está marcada por el dinamismo y la agilidad. Produce la sensación de ir desarrollándose, moverse, estar de camino. Refleja la inestabilidad, o quizá incertidumbre. Con un gran porcentaje de ilusión. Y se define como el veneno de teatro.
-En el primer párrafo he atribuido el mérito al conjunto de participantes, así que puedo afirmar ahora que, a mi juicio, es preciso comenzar por Ramón Barea. Asume la responsabilidad de la dirección y la interpretación de un de los papeles protagonistas. Podría ser la mejor encarnación de ese viaje.
-Si alguien ha seguido su trayectoria en los últimos años, no se le ha podido escapar que se halla en una madurez espléndida, rica, desbordante, fecunda, amplia, con recursos de todo tipo, polivalente, con ingenio e imaginación. Se le ha notado ya en sus trabajos con los jóvenes, y los no tanto, de Pabellón 6. También en sus excursiones a proyectos capitalinos. Y en el cine.
-En este caso concreto del ‘Viaje a ninguna parte’, su interpretación rezuma sabiduría, dominio, matices, gestos significativos, tonos definitorios. En el apartado de la puesta en escena, refleja su habilidad para llevar a buen puerto una experiencia tan complicada. Se ve su maestría en la dirección, sugerencia o acompañamiento hacia sus compañeros actores a los que conoce bien y sabe sacar todo su fruto. Seguramente el dominio de los diferentes oficios teatrales le ayuda.
-Uno de sus evidentes aciertos ha sido la elección de los actores y actrices para los diversos papeles. Y a partir de ahí, el fino y esforzado trabajo realizado por cada uno. Todos han evidenciado, esta tarde, calidad y entrega para estar a la altura de lo que se les pedía, además del deseo de evidenciarlo. Ya he aludido antes a su alto nivel interpretativo. Aunque no sean aconsejables las reiteraciones, repito la afirmación dirigida a cada uno. Patxo Tellería, Mikel Losada, Itziar Lazkano, Diego Pérez, Irene Bau, Olatz Gamboa y Adrián García de los Ojos. Exactos en la definición de cada personaje, eficaces en el desarrollo de cada acción y generosos en las labores de conjunto.
-Sería injusto no destacar lo suficiente la aportación del resto de elementos artísticos. La escenografía de José Ibarrola define la situación, crea el ambiente y facilita el fácil desarrollo de la acción. Valores similares hay que señalar en la labor de vestuario de Betitxe Saitua. Y a la iluminación de David Alkorta, y al atrezzo de María Casanueva. La creación de espacio sonoro y las interpretaciones musicales de Adrian García de los Ojos están también a la altura de sus destacados trabajos.
-Quizá algún exigente hubiera preferido una adaptación del texto más ágil, rápida y, en estos tiempos, una duración más reducida. Pero posiblemente algún matiz se habría quedado en el camino.
-Esta producción del teatro Arriaga es compartida por el teatro madrileño que lleva el nombre de Fernando Fernán Gómez. Su distribución está ya asegurada en una amplia gira. Esta vez sí que va a haber oportunidad, y méritos, para llevar desde aquí un producto escénico de calidad en competencia con las mejores representaciones que se hacen.
-Motivo de satisfacción para todos y felicitación para quienes lo realizan.

David Barbero
-Esta tarde, en el teatro Social de Basauri se respiraba el sentimiento de asistir a una ceremonia teatral de gran solemnidad. Ayer sucedió lo mismo en el teatro remozado de Getxo. Había una actitud casi reverencial hacia dos maestros. Uno de la escritura, don Miguel Delibes. Otro de la interpretación, don José sacristán.
-Se representaba ‘Señora de rojo sobre fondo gris’. Casi no ha hecho falta adaptación teatral, ya que Delibes la escribió como un monólogo. Tampoco trató de disimular su tono autobiográfico. Desde el momento de su publicado, se entendió como un homenaje a su esposa, Ángeles de Castro, fallecida poco antes.
-Tampoco ocultó su compromiso social. Desde el mismo título, dejaó claro que su intención era hacer un retrato, además de la mujer de rojo, del fondo gris en el que habían transcurrido sus vidas.
-Para añadir trascendencia al testimonio, el veterano actor había recodado públicamente su amistad con el autor desaparecido. Y además señalaba que difícilmente va a encontrar en el futuro un texto de tal intensidad con el que identificarse y depositar en él su entusiasmo y su compromiso.
-El seguimiento de la representación ha transcurrido en absoluto silencio. Con el máximo respeto. Casi reverencial.
-¡Qué lujo de texto! Qué variedad de palabras. Qué exactitud en los términos usados. La expresividad. Hasta la musicalidad de las frases. Su estructura. Su longitud. La construcción del discurso. La graduación del interés. El tono para cada una de las partes.
-Cuanto, tras la función, regresaba a casa, me ha venido a la mente la osadía de atrevidos ignorantes que dicen: ‘Del texto de la obra, ya me encargo yo’. Y el resto se lo admite.
-En la interpretación, qué eficacia de gestos y expresiones. ¡Y la voz! No sólo la calidad y la modulación. La matización de cada sonido. Los cambios de entonación. También la naturalidad en la emisión. La capacidad para transmitir cada emoción. Algo obligatorio no frecuente: la emisión para que se oiga sin esfuerzo hasta en las últimas filas.
-Desde luego, en el regreso a casa, ha sido inevitable la comparación con deficiencias generalizadas. Tampoco ha sido posible evitar la admiración por la economía y eficacia en los movimientos. Y de la puesta en escena. La comparación con los falsos recursos de exagerar para buscar un protagonismo vacío.
-En definitiva, la demostración de dos grandes maestros, que ha sido generosamente agradecida, de pie, por una larga y sincera sesión de aplausos. Y la satisfacción recibida por todos los asistentes.

David Barbero
-He decidido ir esta tarde a la sede de la compañía joven de pabellón 6 para ver el reestreno de ‘Mi último baile’. Fue su tercer proyecto. Creo. Lo he hecho al recordar que posiblemente sea el trabajo realizado por este grupo emergente con un método más colectivo.
-Todo el proceso se realizó desde cero con la colaboración de las actrices y los actores, de muy pocos años, recién incorporados, la directora y algunos asesores veteranos. De esa manera, los intérpretes en formación participaron en la creación de todos los elementos artísticos y también técnicos de la obra, desde la escritura a la puesta en escena, pasando por los diferentes oficios teatrales.
-Con ese método corporativo, se decidió elaborar una obra para reivindicar el día internacional con la violencia de género. Todos investigaron sobre el acontecimiento que se tomó como base para esa fecha. Entre todos, se fue escribiendo la historia. Perfilaron los personajes. Debatieron la construcción de la historia con las rupturas del tiempo y del espacio, para enriquecerla. También de la misma manera, crearon el espacio escénico y el espacio sonoro. Todos participaron en las equivocaciones y en los aciertos. En las propuestas y en las rectificaciones.
-Las veces que he visto esta obra, me ha producido la sensación de gran complicidad interna, de solidaridad común. He querido ver una inclinación al vínculo, al compromiso. No al éxito individual, sino al interés colectivo. Y como si existiera un deseo de integrar también al espectador en esa acción colectiva.
-Esta tarde, me ha parecido que ese vínculo de participar en la totalidad no sólo se mantiene vivo. Ha aumentado en la proporción en que están más maduros y más seguros de sus posibilidades. Curtidos con más equivocaciones y más aciertos. No es que lo hagan todo bien. Pero transmiten la imagen de ser ‘teatreros’ más totales, con recursos polivalentes en la interpretación, el canto, la coreografía y otros oficios.
-En este sentido, tengo la sensación de que esta nueva generación de intérpretes, diferentes y decididos, se está haciendo muy presente en el panorama escénico a pasos agigantados y que su protagonismo es imparable.

David Barbero
-Aunque la ortodoxia no lo aconseje, voy a comenzar por la conclusión. La obra ‘La mejor madre del mundo’, cuyo estreno he presenciado esta tarde en el teatro Arriaga, me ha parecido original, valiente en su planteamiento y desarrollo, novedosa, bien dirigida e interpretada, inteligente y con armonía de todos los elementos de la representación.
-Tenía muchas curiosidades, cuando caminaba hacia el teatro municipal de Bilbao, para ver este estreno absoluto. En la cabeza, estaba el debut público y solemne de la actriz Juana Lor en los trabajos de dramaturga, adaptadora y directora.
-También estaba presente la expectación ante la elección de un texto tan polifacético y heterodoxo como el publicado, con el mismo título, por la escritora y periodista Nuria Labari. Premeditadamente he utilizado el término genérico ‘texto’, porque es de muy difícil catalogación. Suelen aplicarle el género de novela. Pero tiene tantos méritos para ser considerado un ensayo, un soliloquio o una autobiografía ficticia.
-Como punto concreto, señalaré mi curiosidad sobre cómo iba a pasar al escenario el punto de vista narrativo tan personal como es la utilización de la primera persona. Incluso con el enroque virtuoso de contarse a sí misma tanto la historia como las reflexiones.
-Es igualmente controvertido y original el tratamiento que se hace de un asunto de tanta enjundia como es la maternidad. Pone el énfasis, como debate, en la influencia que ese hecho tiene en la trayectoria vital de toda mujer como oportunidad y como peligro. Estás más cerca de la desmitificación que del panegírico melodramático.
-Otro motivo de positiva curiosidad era el carácter predominante femenino del proyecto. Además del tema tratado, además de la autora del texto original, además de la adaptadora y directora. El elenco interpretativo está integrado por cuatro actrices y un solo actor. Hay que añadir a la ayudante de dirección. Y a las responsables de escenografía y vestuario.
-La respuesta a esa curiosidad, durante la representación, ha sido tan positiva como ha quedado expresada en el primer párrafo. Deseo destacar la valentía en el planteamiento. Considero que tiene más mérito ser atrevida, innovadora y rompedora de los esquemas habituales en el teatro que en la narrativa o en la lirica. El género dramático es todavía más conservador.
-Juana Lor, como adaptadora y directora, ha mantenido el tono novedoso, experimental y abierto del texto original. Lo ha hecho con firmeza y seguridad. Ha demostrado tener ideas claras y herramientas eficaces. Además, ha evidenciado sus dotes en la meticulosa dirección de actores. Y ha sabido conjugar todos los elementos técnicos y artísticos para unirlos en lo que deseaba decir y el modo de expresarlo.
-Para ello, ha contado con la calidad interpretativa y la ductilidad de Leire Ucha, Haizea Aguila, Karmele Larrinaga, Eneritz García y también Iñaki Maruri, Todos han aportado precisión y emotividad. Con la dificultad de los constantes cambios y las peculiaridades del texto.
-Antes, he señalado la conjunción de todos los elementos. Se ha logrado sobre la base de calidad y trabajo. Es preciso reconocérselo a María Casanueva en la sugerente escenografía. A Betitxe Saitua, en el variado y expresivo vestuario. A Iñaki Maruri, en el acertado espacio sonoro, y a Iñaki García con Fernando Alcauzar en la milimétrica y detallista iluminación.
-Para cerrar, habría que repetir lo dicho al principio. Pero las reiteraciones son peligrosas.

David Barbero
-El programa ‘ópera txiki’ que organiza en Bilbao desde hace años, la ABAO está realizando una gran labor entre los más pequeños en varios aspectos.
-Quizá la labor de más proyección a largo plazo sea la educativa. Está contagiando la afición a la buena música y a las representaciones teatrales entre niños y jóvenes. Muchos de ellos la mantendrán cuando sean mayores. Eso les servirá para saber disfrutar de un arte delicioso, apasionante, enriquecedor y muy gratificante.
-Esta misión educativa es, además, realizada de una manera divertida, adaptada para los más jóvenes, entretenida y llena de imaginación.
-Tengo la experiencia de acudir, desde hace unos cuantos años, con mis nietos a estas representaciones. Puedo asegurar que se lo pasan muy bien. Les gusta. Van formando su gusto crítico. Y están deseando que llegue la siguiente ópera txiki para repetir.
-La propuesta que se ha estrenado esta mañana en Teatro Arriaga cumple estas funciones educativas y artísticas de modo extraordinario. Además, tiene una característica muy específica. Se trata de la versión para niños de una ópera clásica y recocida como es ‘El elixir de amor’.
-Esta ópera cómica o melodrama gracioso la escribió Gaetano Donizetti, sobre un texto de Felice Romani, en sólo dos semanas por un encargo precipitado. Pero fue un éxito total desde principio. Está considerada como una de las mejores operas cómicas. Y es una de las más representadas.
-El tenor Aquiles Machado, uno de los promotores de esta adaptación para el público más joven, ha llevado el argumento y los personajes al mundo de la fantasía. Visualmente se ha realizado un imaginativo esfuerzo en los decorados y el vestuario. Los intérpretes, además de demostrar sus cualidades como cantantes líricos, han evidenciado dotes como actores cómicos y emotivos. Es preciso reconocer que se ha conseguido una puesta en escena de alto nivel y que la dirección musical e interpretación instrumental ha estado a su altura.
-La ópera ha tenido que ser reducida en sus dimensiones para adaptarse a la duración apropiada a un espectáculo infantil. Con el fin de que se pudiera seguir el argumento, se ha añadido el personaje de una narradora. No se ha optado por traducir las letras de las arias seleccionadas, aun respetando el número sílabas y los acentos de cada verso. Quizá eso hubiera facilitado la atención de un público tan joven y adecuado el ritmo de la narración a sus gustos.
-Con todos esos elementos, esta ópera txiki se ha convertido hoy en el ‘elixir’ para ir creando nuevos amantes de la ópera clásica y las representaciones musicales imaginativas.
-Todavía quedan varios días para poder disfrutar. Es una ocasión para ser aprovechada.