David Barbero

-Ha llegado ya el verano. Ha venido de una manera precipitada. Casi violenta. Quizá un poco agresiva.

-No sólo el verano. Todas cosas, y las no cosas, van a llegar ahora de esa manera, precipitada, casi violenta y un poco agresiva. Y seguramente se irán del  mismo modo. Está cambiando mucho el panorama.

-Habrá que estar atento a los tiempos que viene y a cómo vienen. Me parece.

-Yo, de todos modos, al menos este verano, seguiré yendo de camping. Y después, andaré por el viejo camino de Santiago, al estilo tradicional. Quiero decir, con mochila y en los albergues municipales.

-Pero deseo deciros algo, que en este momento me parece importante. Me voy a llevar una idea en la cabeza, para darle vueltas. Lo voy a poner en mayúsculas. ‘EL TEATRO ES EL METAVERSO’.

-Todavía no puedo decir nada más. No he comenzado con las vueltas.

-Supongo que terminaremos coincidiendo. Quizá pasados de vueltas.

-Como casi siempre.

David Barbero

-Todavía no me falla la memoria. Soy consciente de que el título de la obra teatral que he visto esta tarde en Pabellón 6 de Bilbao llevaba el título de ‘Miguel Hernández, que estás en los cielos’.

-Intencionadamente, en el título de este comentario, he añadido ese ‘más allá de’. Lo he hecho aceptando la idea de un amigo que también ha presenciado esa obra esta tarde. Opina que Miguel Hernández fue tan grande, como persona y como poeta, que no merece quedarse en el olimpo, sino ir todavía más lejos.

-La obra ha cumplido, sobradamente, con su propósito de cumplir ese objetivo. Ha constituido un muy oportuno, bien elaborado, cuidado, muy sentido y emotivo homenaje con ocasión de cumplirse los primeros ochenta años de su muerte.

-Ese mérito hay que atribuírselo principalmente a Unai Izquierdo impulsor de proyecto, autor del texto e intérprete del protagonista. Se nota el esmero dedicado. Y la documentación. Y el trabajo. Y la sintonía. Del director del espectáculo, Gorka Martin, hay que destacar la meticulosidad de los detalles. Y la coherencia de la concepción integral. ¡El ritmo del texto y del monstaje!

-A los otros intérpretes, Irene Bau,  Alfonso Diez y Yeray Vázquez, hay que premiar el trabajo intenso, detenido, cuidado. Se nota la sintonía y la entrega. Tampoco se puede olvidar la sutil escenografía diseñada por María Casanueva y Susana Diez; El vestuario de Alaitz Cabriada, y la iluminación de Fernando Alcauzar.

-En la pieza, quedan meridianamente claros su semblanza, su personalidad, su valentía, su honradez … Reconozco que ha sido motivo de satisfacción y regocijo para los que éramos, somos y seremos entusiastas admiradores del gran Miguel Hernández. ¡Ah! La utilización oportuna de sus poemas.

-Habiendo dejado clara la admiración hacia él, debo confesar que esta tarde llevaba también a Pabellón 6 otra curiosidad. Iba decidido a fijarme en el tratamiento dramático que da Unai Izquierdo a los personajes protagonistas a quienes dedica sus obras.  Ya lo realicé con ‘Ocaña’. Y deseaba comparar.

-Me ha resultado muy ilustrativo el análisis. He encontrado diferencias y paralelismos, coincidencias de tratamiento, como un estilo consolidado. Como el dominio de una eficacia ya experimentada, pero versátil. Coincide el hincapié en los aspectos emotivos del personaje. Destaca no muchos rasgos. Los más sobresalientes. Insiste en los sentimientos. Anadir un personaje femenino clave, muy potente a su lado. Allí, en Ocaña, su madre. Aquí, su compañera. Allí, interpretado por Itziar Lazkano. Aquí, por Irene Bau. Textos escritos expresamente para ellas. Aquí más personajes masculinos. Diferentes, aparentemente contrapuestos. Pero coincidentes en lo esencial. Algunos muy cuidados. Otros necesarios.

-Así que ha resultado una de esas jornadas que se suelen calificar de completas.

-¡Ah! Esto no es todo en el homenaje de Pabellón 6 a Miguel Hernández. Hay, por medio, un muy interesante recital de sus poemas. En él, están implicados, Ramón Barea; Ainhoa Rincón, con su violín; Pedro Martínez, con su chelo, y Maite Olmos, con su piano.

-Y tampoco termina aquí esta historia, Este recital empalma con otro proyecto casi nostálgico, llevado a cabo hace ahora cincuenta años. Protagonizado por algunos de estos artistas y por otros miembros dentro de aquella añorada aventura de ‘Cómicos de la legua’. Se está rodando un documental en serio. Así que esto no termina aquí.

David Barbero

-Ya ha quedado dicho en el título. Así no hay que andarse con disimulos. He sacado una muy buena impresión del espectáculo de danza que he presenciado esta tarde en la Sala La Fundición de Bilbao.

-La pieza lleva el título de ‘Llocjocxoc’. Es un juego palabras. Incluso un juego de sonidos. Para reiterar el concepto de juego. La compañía es valenciana y se llama La Coja Dansa.

-Por concretar un poco más mi impresión, añadiré que me ha parecido un juego escénico divertido, curioso, interesante, a la vez profundo, serio. Con intención. En plural, con intenciones.

-Quizá la palabra juego no sea apropiada para algunos. Creen que los juegos siempre son frívolos. Se equivocan. Hay juegos que, como quien no quiere la cosa, se mueven entre conceptos e intenciones serias y profundas, pero a la vez entretenidas.

-Entre los implicados en esta pieza, y en la compañía, hay que citar a

Santi de la Fuente, al joven Iván, a Diego Buceta, en la interpretación, Tatiana Clavel, Raúl León, en la dirección; Maribel Bayona, en los textos y Heezen, en el espacio sonoro.

-Aunque siguen incorporando jóvenes, tienen ya acumulada una intensa y extensa trayectoria, desde que empezaron a crear y producir sus espectáculos en la Universidad de Valencia -tiene las mismas siglas que la de aquí- al comienzo de este siglo. Me ha parecido significativo que simultaneen piezas para publico adulto con otras para los más jóvenes. Creo que puede ser enriquecedor.

-Ahora, con este espectáculo, aseguran que su propósito ha sido ‘generar una iconografía ajena a la masculinidad hegemónica’. Habría que añadir otros adjetivos a esa masculinidad dominante, como tópica, parcial, antigua o discriminadora.

-Exponen ese propósito con naturalidad. Casi como sin dar importancia al intento. Pero son muy conscientes de su dificultad. Ir a contracorriente siempre ha tenido complicaciones. Incluso, indican que previamente habían realizado otra pieza sobre este mismo tema, que era más concienzuda y documentada. Así que ahora se han decantado, acertadamente, por el método lúdico. También han tenido expresamente cuidado en no caer en un planteamiento pedagógico, evidente y académico.

-Siguen convencidos de luchar contra los prejuicios arraigados. Oponerse a los estereotipos establecidos. Romper con las definiciones lapidarias pero huecas. Las palabras altisonantes. Buscar caminos nuevos. Ser fiel a sí mismo.

-Por lo visto esta tarde en la sala La fundición, huyen de espectáculos aparatosos, rimbombantes, llamativos y solemnes. Prefieren dejar preguntas en el aire. Construir pequeños mundos con muchos detalles. Transitar con libertad por la incertidumbre. Aceptar las inseguridades. Cuidar la estética. Pero dejarla libre para caminar y ser interpretada por los espectadores con esa misma libertad.

-Así que lo dicho al principio. ‘’Llocjocxoc’ el inteligente juego de La Coja Dansa me ha interesado mucho esta tarde en la sala la Fundición de Bilbao.

David Barbero

-Como las costumbres están para transgredirlas, hoy escribo sobre la representación de ‘Muerte de un viajante’, antes de que tenga lugar, mañana, en el Teatro Arriaga de Bilbao. Lo hago, porque ya he tenido oportunidad verla, y deseo recordar mi opinión favorable.

-Para no engañar a nadie, confesaré de nuevo, mi debilidad por Arthur Miller. Y entre sus obras, ‘Muerte de un viajante’ ocupa un lugar privilegiado. Creo que fue uno de los autores que mejor entendió y denunció la deshumanización y el engaño social que traía el capitalismo descarnado en la mitad del siglo pasado.  He estado a punto de afirmar que, a mi juicio, fue el mejor representante del teatro social norteamericano.

-Esta obra la estrenó justo en el año 1949. Y desde el principio, tuvo un impacto extraordinario. Obtuvo un gran éxito también de público. Los premios Pulitzer, Tony, de los críticos de Nueva York. Se hizo muy pronto una película que también repitió el éxito y los buenos comentarios. Sobre todo, significó un serio y profundo análisis, así como una valiente denuncia, de esa lacra social y humana tan profunda.

-La adaptación actual la firma Natalio Grueso. La dirección es de Rubén Szuchmacer. Entre los intérpretes más conocidos, destacan Imanol y Jon Arias, padre e hijo en la vida real, que también representan esos papeles en la ficción.

-Es constatable que están teniendo notable éxito. Supongo que debe atribuirse principalmente a la fama del actor protagonista. Pero espero que una parte de los espectadores acudan motivados por el atractivo del texto y de su autor.

-Es preciso señalar que la interpretación de Imanol Arias está especialmente cuidada en matizaciones y actitudes, así como en encarnar el carácter de fracaso personal.  A la adaptación y a la dirección, quizá se le pudiera pedir una precisión mayor en la clarificación y la agilidad del desarrollo expositivo.

-Con estas afirmaciones, me atrevo a manifestar mi satisfacción de que ‘Muerte de un viajante’ se siga representando y recomendar su visión. Además, en los carteles y anuncios se insiste en presentarlo como la denuncia del capitalismo salvaje. Incluso se añade que ‘resulta tan actual como cuando se escribió’.

-En esta última afirmación no creo estar muy de acuerdo. Desde luego, ayuda a que los espectadores reflexionemos sobre esa perversa naturaleza del capitalismo y que hagamos el trasvase de lo que sucedía entonces, hace más de setenta años, a los tiempos actuales. Y reconozco que ese ejercicio siempre es saludable.

-Sin embargo, los tiempos y las circunstancias han cambiado. Ese capitalismo salvaje ha aumentado en todas las direcciones. Pero ha adquirido nuevas formas, difíciles de identificar con las de entonces. Quizá por esa razón, los comentarios que he oído a la salida se referían más a la psicología de los personajes o a los problemas internos de la familia, que a la explotación humana del capitalismo.

-Pero bien viene recordar a Arthur Miller y a su viajante Willy Loman.

David Barbero

-Reconozco que, cuando esta tarde he acudido al Teatro Arriaga, para ver la obra ‘Canción para volver a casa’, llevaba una gran ilusión por reencontrarme con las actrices de la compañía catalana T de Teatre, de las que tengo recuerdos excelentes.

-He seguido su trayectoria con atención, y también con satisfacción, desde que comenzaron su particular recorrido, en los primeros años noventa, cuando acababan sus estudios sobre artes escénicas. Daban la sensación de tener las cosas claras sobre lo que deseaban hacer. Y lo han mantenido en numerosas ocasiones.

-A ese deseo de reencuentro, se unía la curiosidad por valorar de nuevo el trabajo de la autora y directora Denise Despeyroux y despejar las dudas existentes. En lo que conozco de su trayectoria, he encontrado una desproporción entre las oportunidades recibidas, muchas oficiales, y los resultados proporcionados.

-Visto lo presentado, esta tarde en el escenario del teatro Arriaga de Bilbao, la valoración, subjetiva por supuesto, del texto y de la dirección no puede ir más allá de mediocre, monótona. poco imaginativa, escasa de calidad, reiterativa, lenta, nada profesional…

-En cuanto a la interpretación, no se pueden acumular tantas calificaciones negativas. Pero mis admiradas, lo he señalado antes, integrantes de T de Teatre, alguna culpa tendrán por la elección del texto y el desarrollo de la dirección.

-Reconozco, por mi parte, que mi recuerdo de otras obras suyas es tan satisfactorio, que mantengo la esperanza de que éste sea sólo un tropiezo ocasional.