-Me habían recomendado que analizara cuidadosamente la versión que el director de teatro argentino Pablo Messiez ha realizado con ‘Las criadas‘ de Jean Genet.
-Yo ya la había visto.
-La han puesto en el Teatro Arriaga de Bilbao. Las criadas son las jóvenes Bárbara Lennie y Fernanda Orazi. El papel de la ama es interpretado por el actor Tomás Pozzi.
-Es una obra que tiene varias lecturas.
-En el programa de mano, el director y adaptador insiste en que ha querido unir esta versión a los tiempos actuales de crisis económica.
-No sé yo si los motivos de las hermanas asesinas en la realidad eran principalmente económicos.
-Tampoco me parece que Jean Genet diera mucha importancia a esas motivaciones.
-Igual la alusión a la crisis económica era simplemente para hacer propaganda de la obra y lograr que vayan más espectadores.
-A mí, me pareció destacable el estilo de interpretación que impone el director argentino. Las dos criadas lanzan sus parlamentos a una velocidad tremenda. Se montan unos con otros. Antes de terminar uno, ya ha empezado el otro.
-Eso es muy de los ‘nuevos’ directores argentinos de teatro.
-Implica un gran esfuerzo para las actrices.
-En cambio, el actor Tomás Pozzi da otro ritmo y otra interpretación escénica a la ama. Mucho más gestual. Imprime idas y venidas emocionales muy contrapuestas.
-Hace una demostración extraordinaria de sus calidades histriónicas.
-Hay quien ha destacado la ‘limpieza’ del escenario, que no tiene decorados ni nada.
-Bueno. De Jean Genet, se ha hablado muy poco. Pobre. ¡Sé genial para que te utilicen así!

-No es de las más populares entre las obras de William Shakespeare. Pero ofrece posibilidades escénicas como ninguna otra.
-Se trata de la comedia ‘Noche de reyes’.
-La versión que ha presentado la Compañía Noviembre en el Teatro Barakaldo es deliciosa, interesante, agradable, bonita, muy trabajada, divertida.
-¿Cuál es la clave para conseguir todas esas alabanzas?
-Sin duda, el buen trabajo completo, de todos y cada uno de los elementos.
-Es clave el pensamiento en el espectador, las ganas de divertirle con las mejores artes y las de más calidad.
-Yo destacaría el tratamiento de cada una de las escenas hasta sacar de ellas todo el fruto que se puede sacar.
-La versión escrita por Yolanda Pallín es extraordinaria. A la vez, eficaz y poética. Cómplice y fiel.
-Sin duda, el alma mater del grupo es el director Eduardo Vasco.
-Ellos no se llaman grupo. Utilizan el nombre de banda. Y la verdad es que están muy afinados.
-Para que una banda suene bien, cada instrumento tiene que sonar a la perfección. En esta ocasión, casi todos llegan a la categoría de virtuosos.
-Para quitarse el sombrero.

-En el programa de mano de la obra ‘Palabras’, hay un recortable en forma de cochillo. Yo lo entendí como que hay palabras que se clavan como cuchillos.
-Me refiero a la obra de teatro titulada ‘Palabras’, escrita y dirigida por Agurtzane Intxaurraga. Las intérpretes son Ane Pikaza, Ainoa Aierbe y Klara Badiola. También interviene un actor llamado Jabi Barandiaran.
-Yo he trabajado con Agurtzane Intxaurraga. Soy testigo de su talento y del cuidado que pone en el trabajo.
-¡Ah! Se me ha olvidaba decir que Agurtzane también aparece en escena manipulando y dando voz a un muñeco. No es un trabajo menor.
-Una vez presentado el espectáculo, diré que me pareció magnífico, extraordinario en prácticamente todos los sentidos.
-Yo destacaría la narración en la que se van mezclando las tres mujeres, a la vez tres y una.
-¿Como la Santísima Trinidad?
-Como la Santísima Trinidad, pero para bien.
-Todo termina pareciendo, dentro de la crítica que entraña, sencillo, ágil, agradable de ver. Pero hay que trabajar mucho y hacerlo muy bien para lograr esa sensación.
-El texto está muy cuidado. La dirección es meticulosa. Utiliza los elementos necesarios. Pero sólo los necesarios. La actuación, ajustada y precisa
-¡Mi enhorabuena!

-Fui ayer al Teatro Campos Elíseos con un cierto temor.
-No te convencen los monólogos.
-Criticaste incluso el día anterior el derroche de facultades de Manel Barceló ante los villanos de Shakespeare.
-El monologo de ayer se titulaba ‘La lengua madre’. El texto era de Juan José Millás, ilustre escritor, y la interpretación de Juan Diego.
-Creo que te olvidas de alguien importante. El director era Emilio Hernández.
-Te noto más reconciliado con este monólogo.
-Hubo una diferencia. Pensaron en el público. Se preocuparon de gustarle. Crearon un personaje atractivo. El texto también tenía estructura de conferencia. Pero en lugar de darla un falso, distante y altanero actor ingles, la daba un muy ingenuo profesor de gramática, que conectaba muy bien con el público y permitía su identificación.
-Además daba el punto de comicidad con sus exageradas pero calculadas ingenuidades.
-Juan Diego también hizo una demostración de todas sus calidades como actor. Pero no fue una exhibición directa. Fue más astuto. La utilizó para conquistar al público.
-Quizá la astucia se le puede atribuir al director, Emilio Hernández.

-El título original, en inglés, es ‘Shakespeare’s villains’. Su autor es el escritor y autor de teatro Steven Berkoff. No tiene una estructura estrictamente teatral. Se puede parecer más a una conferencia. Explica las características del teatro isabelino. Se fija en los personajes. Analiza los ‘villanos’, los ‘malos’. Pone ejemplos e interpreta algunos pasajes de varias obras.
-El texto exige ser interpretado por un actor con unas cualidades muy depuradas. Pide un dominio de las técnicas expresivas.
-Por lo que se vio ayer en el Teatro Barakaldo, el actor catalán Manel Barceló posee esas cualidades. Es un muy buen actor. Tiene muchos recursos tanto en la voz como en el gesto.
-Se puede decir que la representación fue una demostración de esas cualidades. Es posible imaginarse que ha elegido ese texto para realizar esa exhibición.
-Por eso, el decorado son sólo unas cortinas negras. El actor va con pantalón negro y camisa blanca. No hay más elementos. Ni vestuario, ni complementos. Nada de color. Ningún disfraz o caracterización. La luz se centró en el actor. Sólo él existía encima del escenario.
-Está claro que todo estaba destinado a que el espectador fuera testigo de las cualidades del intérprete y su buen hacer teatral.
-Dio una lección magistral.
-Lo que sucede es que no se sabe si esto es suficiente para que el espectáculo sea bueno, para que el público disfrute, se emocione, se divierta, sufra o ría, sienta compasión, miedo o alegría. Es un aliciente, un atractivo, una satisfacción, hasta un lujo, ver a un actor con todas esas cualidades. Pero el actor no es el objetivo. Es un instrumento.
-Al espectador le gusta que piensen en él. Al fin y al cabo, es el destinatario del espectáculo teatral.