David Barbero

-He acudido esta tarde al teatro Arriaga de Bilbao, expectante y curioso, por ver el estreno de la pieza titulada ‘La cazadora de Mitos’.

-Asistí, hace ya unos años, cuando la idea y el proyecto iniciales se presentaron en Harrobia, la sede de la Asociación de productoras de Teatro. Ya entonces, despertó interés por lo que, desde el comienzo, se vislumbraba de novedoso y polifacético experimento teatral; dejando ver que lo más fuerte estaba en la creación de las imágenes y en el desarrollo de la animación, como aplicación a la dinámica escénica.

-Desde entonces, he ido teniendo informaciones del comienzo de los trabajos y de los avances en varios campos. Sobre todo, del inmenso trabajo de animación que Naiel Ibarrola estaba desarrollando. También he tenido noticia de las incorporaciones de otras ideas y de otros artistas para realizar las grabaciones audiovisuales. De sus aportaciones para completar la conexión y adecuación al juego escénico. Posteriormente, he tenido conocimiento de los concienzudos ensayos y de los cuidados remates estéticos. E incluso, de los duros trabajos de los últimos días en los ajustes ya en el escenario del teatro municipal.

-No han sido pequeños los impactos y los empeños de las numerosas personas, y tan polifacéticas, que se han ido implicando en la aportación de su saber y maestría, para configurar y realizar este ambicioso, y complejo, proyecto.

-Se partía de la idea y dirección artística de Naier Ibarrola. Con el guión de su hermano Martín. La pronta incorporación de su padre José, pintor y escenógrafo. La de Roberto San Sebastián, en la codirección Audiovisual. La de la directora de escena Marta Eguilior, hasta ahora más dedicada al mundo de las nuevas óperas. Betitxe Saitua en el vestuario. Iñaki García, en la iluminación y la producción.

-Una mención aparte merecen las grabaciones de un elevado número, e también elevada calidad, de actores y actrices, para completar la acción que se dirigía desde el escenario.

-Con la cooperación de todos estos especialistas en los aspectos formales de las artes escénicas, esta pieza se ha convertido en una suma de animación, música, cine y también teatro. A mi juicio, por ese orden. Todo ello unido mediante la fantasía, la imaginación y la magia. Alrededor de la idea de conservar los mitos locales aludidos en el título. Además de la colaboración de los efectos de la luz y del espacio sonoro.

-Todos estos elementos han sido coordinados, en vivo, desde el escenario, por la interpretación de la actriz Leire López del Pueyo, en el papel de la fantástica, y apasionada. cazadora de los mitos; y el propio Naiel Ibarrola, como pianista mudo, auténtico provocador de que surja la magia. Construyendo la banda sonora en directo, creando las atmósferas, apoyando la acción y provocando emociones.

-‘La cazadora de mitos’ ha concitado la labor, intensa y creativa, de un numeroso y polifacético equipo. Prueba de ello, es que al final, para recibir los aplausos del numeroso, y entregado, público, el escenario se ha llenado por los participantes en el proyecto.

-Resultando merecido el reconocimiento hacia el trabajo de todos ellos, en el título de este comentario, ha quedado intencionadamente reflejada la opinión destacada sobre el inmenso trabajo, en calidad y también en cantidad, de Naiel Ibarrola, sobre todo en la animación y en la música.

David Barbero

-Esta tarde, me hubiera gustado realizar una encuesta a la entrada del teatro Arriaga de Bilbao a las personas que iban a presenciar la obra titulada ´Decadencia’, escrita por Steven Berkoff.

-La pregunta podía haber resultado un poco larga. ¿Cómo se siente uno al saber que la obra que viene a ver es ‘cáustica, provocadora, que persigue al público, lo acorrala y a menudo le obliga a reír por no llorar’?

-Deseaba hacer esa pregunta porque es la autodefinición que hacen de la obra sus promotores y protagonistas. O quizá sea una manifestación de lo que desean conseguir. O es posible que se trate de una intención propagandística.

-Os adelanto que, si me hubieran hecho a mí la pregunta, habría contestado satisfactoriamente. Siempre he defendido el teatro crítico y hasta mordaz con la sociedad en que vivimos.

-Steven Berkoff es un ciudadano británico, con antecedentes rumanos y rusos.  Judíos. Ha vivido en diversos países. Ha realizado una actividad muy polifacética. Ha sido autor de teatro, guionista. También director de escena. Asimismo, director de cine. Ha tenido problemas con los censores y los defensores de las buenas formas. Ha sido actor. En esa actividad, ha manifestado su preferencia por los personajes malvados, villanos y con un porcentaje elevado de sadismo.

-La acción de la obra vista esta tarde en el teatro Arriaga se desarrolla entre cuatro personajes. Tres aristócratas y un negociante aprovechado. Pueden ser descritos todos como clasistas, egoístas, racistas, frívolos, desalmados, hipócritas. Desprecian a los pobres. No tienen principios ni límites. Son ricos, groseros, vacíos e infelices. Ni el dinero, ni los lujos ni la lujuria les dan la felicidad.

-Habría que decir que el tono de la obra es de humor negro, muy oscuro. A veces surrealista. Otras, discursivo. Va más allá de la ironía y el sarcasmo. Tiene más monólogos que diálogos. Los parlamentos, premeditadamente, no ayudan a la comprensión total de la acción. Y en numerosas ocasiones, la provocación está por encima de la exposición crítica. Predomina la exageración y el deseo de impactar.

-El texto de Steven Berkoff fue escrito hace ya unas décadas. Aquí ha sido adaptado por el narrador y el poeta Benjamín Prado. Potencia el contenido provocador, a veces procaz, siempre potente. Con algunos ripios provocados. Y sin escatimar expresiones inusuales.

-Es preciso reconocer el duro esfuerzo de interpretación realizado por Maru Valdivielso y Pedro Casablanc, dada la dificultad del texto, además de la complejidad de los personales y su duplicación.

-Como responsable de la puesta en escena aparece el propio Casablanc. Es posible que la concepción general, simbolizada en el espejo, esté por encima de los detalles concretos, incluidas las dificultades para percibir los cambios de personajes y la matización de algunos parlamentos.

-A la salida, alguien ha comentado que posiblemente, dentro de poco, se note que la pieza está más rodada.

-Yo, por mi parte, me imagino de nuevo que me preguntan por el teatro cáustico, provocador y crítico. Así aprovecho para reivindicarlo una vez más. Porque hay mucho teatro complaciente.

David Barbero
-He acudido esta tarde al Teatro Social de Basauri, con una activa nostalgia y un recuerdo contenido, para volver a ver ‘Molly Bloom’ de Magüi Mira cuarenta y tantos años después.
-Adelantaré la sensación de que, en esta re-visión o re-vivencia, la obra y la interpretación me ha parecido viva, nueva, quizá un poco larga, impactante, conmovedora y revulsiva. También he podido comprobar que entonces y ahora, me ha aportado experiencias diferentes, adaptadas a los distintos momentos.
-En 1980, ese capítulo número 18 de la muy emblemática y compleja novela ‘Ulises’ de James Joyce nos (me) sonó a impacto, a provocación, a novedad, a reto, a valentía, a atrevimiento, a rebeldía.
-Además de destacar su significado intrínseco y sus múltiples connotaciones, es preciso situar el acontecimiento en aquel momento. Eran los todavía primeros pasos de la recuperada democracia política. Había optimismos mezclados de incertidumbres, búsquedas más esperanzadas que exitosas.
-El sentimiento principal de entonces era de satisfactoria libertad, ya que, por fin, se podían escuchar aquellas cosas y de aquella manera. Sobre todo, en boca de una mujer.
-Magüi Mira era una actriz joven muy emergente. Ya arriesgada, valiente y rompedora. La pieza la dirigió el escritor, teórico y pedagogo del Teatro José Sanchís Sinisterra, su marido en aquellos momentos.
-Ahora, al cumplirse cien años desde la publicación de ‘Ulises’ en 1922, Molly Bloom viene teñida de otras referencias. Diferentes, pero no menos oportunas. Magüi Mira es una actriz y directora consagrada. Pero sigue igual de valiente, arriesgada y rompedora. Mantiene una actividad desbordante en ambas facetas de actriz y de dirección.
-La Molly Bloom de esta ocasión no sólo es interpretada por ella en solitario. También se responsabiliza de la dirección y puesta en escena. Y los matices introducidos colaboran a las nuevas sensaciones que provoca.
-Cuarenta y tantos años después, esta sociedad que padecemos no está en aquellas incertidumbres de la post-dictadura. Pero padece otras preocupaciones e inquietudes no menos profundas.
-Por lo menos en mis sensaciones, esta tarde, en la espera de Molly Bloom a su esposo, como Penélope a Ulises, pero después de haberle sido infiel, predomina la reivindicación feminista. Comunica decisiones firmes. Pero también evidencia un profundo desprecio, por otra parte, merecido. Expone un arrojo fuerte. Pero también un escepticismo radical para afrontar las nuevas etapas que (nos) esperan, no precisamente con los brazos abiertos.
-Algo que me ha quedado muy claro, en la sesión de esta tarde en el Teatro Social de Basauri, es la maestría y la madurez de Magüi Mira como interprete. Su dominio en la matización, y también en la contención de gestos y tonos, de movimientos y miradas. A esa perfección, seguramente han contribuido sus trabajos como directora, por la sensación de dominio y seguridad que transmite.
-En esa sintonía, he entendido también el incondicional, sonoro y unánime aplauso del público hacia Magüi Mira y hacia las emociones transmitidas por esta Molly Bloom.

David Barbero
-He acudido, esta tarde, al homenaje a ‘Luis Mariano’, en el teatro Arriaga de Bilbao. Ha resultado, realmente, bello y emotivo. Ha constituido un reconocimiento a su gran calidad como cantante y como persona.
-A la calidad y a la emotividad, ha contribuido muy especialmente la intervención del tenor jerezano Ismael Joldi, admirador y muy buen conocedor de las canciones y el estilo del cantante nacido en Irún, que desarrolló su carrera más en Francia que en España.
-La mayoría de sus canciones han sido interpretadas en francés. Pero Joldi ha sido muy condescendiente con el público y ha accedido a interpretar sus peticiones.
-De la dirección musical, se ha encargado Rubén Fernández Aguirre, que ha acompañado al piano, en unión de Charles Brugham, al violín; Ignacio Araque, al violonchelo, y Narciso Gómez a la percusión.
-El numeroso público también ha colaborado en la emotividad. Ha aplaudido con entusiasmo, y ha acompañado al intérprete en algunas de las canciones. Por el número de asistentes, ha quedado claro que Luis Mariano sigue teniendo numerosos seguidores, aunque ya de cierta edad.
-Dentro de esa expectación creada, cabía también la curiosidad de comprobar cómo exponía su semblanza Calixto Bieito, impulsor y director del espectáculo. En espera quizá de alguna performance o instalación. Pero en esta ocasión, ha dejado que fluyera directamente la música y las canciones de Luis Mariano.

David Barbero
-No voy a presumir de adivino, porque evidentemente soy corto de visión. Pero …
-… Pero hace unos años, exactamente con la primera representación de la primera promoción de la compañía joven de Pabellón 6, llegué a dos supuestos. El primero: esas promociones de ‘novatas/os’ cambiarían, en poco tiempo, el panorama de la interpretación en estos lares. Segundo: A las ‘novatas’ les iría mejor que a los ‘novatos’. O al menos, con más rapidez.
-Para cerrar esta anécdota, diré que los compañeros, a quienes se lo comenté en aquel momento, me recomendaron que no lo repitiera en público porque, de esto, tampoco tenía ni idea.
-Ahora salto a la actualidad inmediata. Hace unos momentos, he salido del teatro Arriaga de Bilbao. Allí he asistido al estreno de ‘Winona & Grace’. Protagonizado por las jóvenes actrices Ainhoa Artetxe y Graciela Doniz.
-Ainhoa y Graciela, o al revés, son dos de las ‘novatas’ de aquellas promociones de la Compañía joven de Pabellón 6 de Bilbao. Se conocen desde pequeñas. Desde entonces, desean ser actrices. Han recorrido un exigente periodo de aprendizaje. Teórico y práctico. Ya cuentan con un ‘book’ presentable de experiencias en teatro, cine, televisión y otras ramas audiovisuales.
-Ellas no sólo son las intérpretes únicas en ‘Winona &Grace’. Son autoras de los textos y promotoras de la idea. Todavía me acuerdo cuando presentaron el proyecto en ciernes en la sede de Eskena. Por lo tanto, creo que este espectáculo es una carta de presentación, en la que dicen: aquí estamos y esto es lo que queremos ser.
-Una frase significativa y definitoria de las propias intenciones. ‘Nos preguntó el director ¿de qué queréis hablar? Y dijimos: De tener casi treinta años, ser mujeres y ser actrices’. De eso, va esta declaración de principios.
-Debo ser justo y equitativo: El camino de esta aventura lo están recorriendo en unión de Alex Gerediaga, que las ha llevado de la mano con la dramaturgia, la dirección y la producción.
-Gerediaga continúa, con esta pieza, que él define como film escénico, dentro de su proyecto general de aplicar los códigos y las formas cinematográficas al teatro. Una fusión de la que espera conseguir resultados estéticos de importancia.
-Tras ver la obra esta tarde en el teatro Arriaga, sigo manteniendo mi ‘supuesto’ de que Ainhoa Artetxe y Graciela Doniz, junto a otras/os integrantes de su generación, madurarán, se perfeccionarán, cosecharán éxitos, también cometerán otros errores, tendrán algunos fracasos, dejarán de estar tan inquietas/os por su propia situación, se preocuparán por el público, hablarán, en sus representaciones, de los problemas de la sociedad y cambiarán, supongo que pronto, este panorama teatral.