David Barbero

-En los días de este fin de semana, he acudido a dos espectáculos organizados por la sala La Fundición de Bilbao. Y podía haber ido a más. Su actividad es, a la vez, intensa e intensa. Interesante y sorprendente. Focalizada y abierta.

-He estado en la presentación y comienzo de Dantzaldia, el festival internacional de Danza contemporánea. Cumple ya su edición número 23. Este año, hasta diciembre, va a estar lleno de propuestas novedosas y algunas especialmente llamativas.

-En la sesión inaugural, se ha presentado la pieza ‘Cuerda floja’. El silencio, el baile, el cante y el encuentro han tenido su protagonismo. El baile, delicado y enigmático, de flamenco fusionado, lo ha puesto la coreógrafa y bailaora Ana Morales. El cante, con versos intensísimos de San Juan de la Cruz, los ha interpretado, y ha hecho vivir a los demás, Juan José Amador. También ha tenido especial incidencia la música de Pablo Martín Caminero. El espacio, el silencio y el encuentro han tenido su influencia en la creación de la atmosfera emocional.

-Ah! Ana Morales y Juan José Amador venían directamente desde París. Allí habían presentado esta pieza en el Teatro Chaillot.

-La Fundición también ha inaugurado este fin de semana su temporada otoñal. Con danza. Pero muy distinta. Desde Canarias, ha venido Daniel Morales, para presentar ‘El vuelo’, una pieza que es estreno aquí en Euskadi.

-Aunque sea un matiz sin importancia, hay que aclarar que la coincidencia del apellido Morales no indica ningún parentesco ni en lo personal ni en lo artístico.

-‘El vuelo’ procede de la danza urbana y tiene detrás una evolución personal larga y variada. Aunque en la danza contemporánea es complicado hablar de contenidos, el ejercicio parte de la necesidad de mirarse conflictivamente hacia dentro con el fin de reconocerse. Incluso reconciliarse, aceptarse en su desnudez. Aunque para ello, haya que descender hasta el infierno y, después, volar hasta encontrar los límites personales.

-De esa manera, he interpretado yo el título de la pieza. ‘El vuelo’.

-Así queda explicado lo indicado en el encabezamiento de este comentario: En la sala La Fundición se cultivan todas las danzas. Y te permiten participar en su cuidado.

-Esta es, desde hace ya treinta y seis temporadas, la grandeza de la Fundición. Es posible encontrar en ella lo más variado. Y nada te deja indiferente. Te puede gustar, impactar, o incluso irritar. Pero nunca sales como has entrado. Siempre enriquecido.

David Barbero

-Reconozco que esta tarde he acudido a Pabellón 6 de Bilbao para ver de nuevo la obra ‘La mejor madre del mundo’ con un ánimo analítico y una intención comparativa.

-Vi esta obra cuando se estrenó el día ocho de enero del pasado año 2021 en el Teatro Arriaga. También cuando, al poco tiempo, pasó a Pabellón 6. Así que deseaba compararla con el reestreno que se hace ahora. Incluso he hablado con algunos responsables del proyecto y conocía el esfuerzo realizado para retomar el proyecto en las mejores condiciones. Y además tenía curiosidad en la incorporación, entre los intérpretes, de la actriz Itziar Lazkano.

-El día del estreno, escribí, entre otras cosas, lo siguiente en este mismo espacio:

-‘Aunque la ortodoxia no lo aconseje, voy a comenzar por la conclusión. La obra ‘La mejor madre del mundo’ me ha parecido original, valiente en su planteamiento y desarrollo, novedosa, bien dirigida e interpretada, inteligente y con armonía de todos los elementos de la representación.

-Tenía muchas curiosidades, cuando caminaba hacia el teatro municipal de Bilbao, para ver este estreno absoluto. En la cabeza, estaba el debut público y solemne de la actriz Juana Lor en los trabajos de dramaturga, adaptadora y directora.

-También estaba presente la expectación ante la elección de un texto tan polifacético y heterodoxo como el publicado, con el mismo título, por la escritora y periodista Nuria Labari. Premeditadamente he utilizado el término genérico ‘texto’, porque es de muy difícil catalogación. Suelen aplicarle el género de novela. Pero tiene tantos méritos para ser considerado un ensayo, un soliloquio o una autobiografía ficticia.

-Como punto concreto, señalaré mi curiosidad sobre cómo iba a pasar al escenario el punto de vista narrativo tan personal como es la utilización de la primera persona. Incluso con el enroque virtuoso de contarse a sí misma tanto la historia como las reflexiones.

-Es igualmente controvertido y original el tratamiento que se hace de un asunto de tanta enjundia como es la maternidad. Pone el énfasis, como debate, en la influencia que ese hecho tiene en la trayectoria vital de toda mujer como oportunidad y como peligro. Estás más cerca de la desmitificación que del panegírico melodramático.

-La respuesta a esa curiosidad, durante la representación, ha sido tan positiva como ha quedado expresada en el primer párrafo. Deseo destacar la valentía en el planteamiento. Tiene gran mérito, por ser atrevida, innovadora y rompedora de los esquemas habituales en el teatro.

-Para ello, ha contado con la calidad interpretativa y la ductilidad de Leire Ucha, Haizea Aguila, Karmele Larrinaga (Ahora sustituida por Itziar Lazkano), Eneritz García y también Iñaki Maruri, Todos han aportado precisión y emotividad. Con la dificultad de los constantes cambios y las peculiaridades del texto.

-La conjunción de todos los elementos se ha logrado sobre la base de calidad y trabajo. Es preciso reconocérselo a María Casanueva en la sugerente escenografía. A Betitxe Saitua, en el variado y expresivo vestuario. A Iñaki Maruri, en el acertado espacio sonoro, y a Iñaki García con Fernando Alcauzar en la milimétrica y detallista iluminación’.

-He reproducido todos estos párrafos del comentario inicial, porque coinciden con la impresión que he recibido esta tarde al verla de nuevo.  Añadiré que hoy me ha parecido el conjunto del espectáculo más equilibrado y más compacto. Es posible que sólo se hayan limado ligeros matices, o se hayan introducido meros detalles. Pero creo que se notan para bien.

-Me he deleitado, de nuevo, siguiendo el especial modo de narrar sobre el escenario, la manera no habitual de comunicarse con el público, la forma diferente de afrontar un asunto tan delicado y tan personal, sobre todo para las mujeres, como es el de la maternidad.

-Es un ejemplo de que todo trabajo, incluso el que ya está bien hecho, puede ser mejorado.

David Barbero

-Os confesaré un secreto. Esta tarde, antes de ir al teatro Arriaga de Bilbao, he sacado brillo a mis zapatos. Y he perfilado la línea de mi pantalón. Lo he hecho como homenaje a uno de los autores que más he estimado durante las últimas décadas del siglo pasado y la primera de este. Harold Pinter.

-He acudido al Teatro Arriaga de Bilbao, para ver una de sus obras más emblemáticas. Lleva el título irónico de ‘Retorno al hogar’. Ahora ha sido adaptada y dirigida por el reconocido director argentino Daniel Veronese. Y está interpretada por un grupo seleccionado de actores destacados.

-Quiero detallar estos motivos que han justificado mi especial preparación estética.

-En primer lugar, Harold Pinter, el autor irreverente, el provocador, el iconoclasta, el crítico de las vicios y contradicciones de la sociedad, desde implacables posiciones de izquierda. Además, bendecido con numerosos premios, entre ellos, el nobel en el año 2005.

-La obra: ‘Retorno al hogar’. La estrenó a mediados de los sesenta, en sus años jóvenes, de fervor crítico. En ella, somete a un análisis meticuloso y una crítica severa hacia el género humano y, en concreto, hacia una de las bases de la sociedad occidental, la familia. Presenta una denuncia de sus muchas contradicciones, de sus brutalidades internas y de las barbaridades más aberrantes que pueden llegar a ser propuestas como normales.

-El director y adaptador, Daniel Veronese, argentino ilustre. Aclamado en su país, muy reconocido aquí, con gran fama internacional. Numerosos actores y actrices de prestigio están deseando ser dirigidos por él. También tiene numerosos premios y reconocimientos.

-Los integrantes de este elenco de interpretación cuentan también con fama y prestigio. Han elegido ellos mismos están presentes en este proyecto de prestigio y también de posible aprendizaje. Citémoslos: Miguel Rellán, David Castillo, Fran Perea, Alfonso Lara, Juan Cortés Vellido y Silma López.

-Así que supongo que consideréis lógico que yo me haya preocupado del brillo de mis zapatos y de la raya del pantalón para no desentonar.

-La representación ha respondido a la complejidad del ambicioso y algo enigmático texto. A sus muchas alusiones psicológicas y sociales. Se ha puesto el énfasis en expresiones, palabras o gestos que el autor señalaba como significativos. Quizá la dirección ha establecido un ritmo lento y matizado para destacar esas intenciones. Unir los dos actos originales en uno quizá haya provocado más confusión que claridad. Es posible que el ritmo establecido haya producido sensación de lentitud. Los actores han matizado todos sus parlamentos y movimientos. Pero quizá no hayan tenido preocupación por facilitar la comprensión, incluso sonora, de todas las palabras.

-Es posible también que todas estas circunstancias hayan llevado a decir a algunos espectadores, a la salida, que ‘ahora, en teatro, las obras no se escriben así ni se representan de esta manera’.

-Sin embargo, a mi juicio totalmente subjetivo, creo que ha merecido la pena volver a ver una de las obras más emblemáticas del gran inconformista Harold Pinter, dirigida por el concienzudo Daniel Veronese, e interpretada por los esforzados actores y la actriz citados. Aunque en teatro, ahora las cosas ya no se hagan así.

-Para concluir, os diré que, al llegar a casa, mis zapatos ya no brillaban y la raya del pantalón había desaparecido. Quizá sea que ni los pantalones ni los zapatos se hacen como antes.

David Barbero

-Quienes hayan visto, leído, estudiado o explicado la tragedia griega de Eurípides titulada ‘Las bacantes’ difícilmente podrán imaginarse lo que puede hacerse con ese texto, bastante hermético e impenetrable, hasta que vean esta ¿adaptación?, presentada hoy en el teatro Arriaga del Bilbao con el título de ‘Las bingueras de Eurípides’.

-He colocado entre interrogaciones la palabra adaptación con el fin de indicar que no es la palabra adecuada. Pero no se me ha ocurrido otra que refleje la relación de lo visto y oído esta tarde con el teatro clásico en el sentido más ingenioso, libre, ocurrente, divertido, actual e irrespetuoso de la palabra.

-Los talentosos culpables’, en el buen sentido, de esta transformación actualizada han sido los integrantes de la compañía gaditana Las niñas de Cádiz. Merecen ser citadas y destacas con letras importantes. Ana López Segovia, que también actúa como interprete, es la autora. La dirección corre a cargo de José Troncoso, que asimismo interpreta como actor. El resto de los muy meritorios intérpretes son Alejandra López, Mer Lozano, Rocío Segovia y Fernando Cueto.

-Ellas logran la transformación actualizada y totalmente creíble de aquellas bacantes griegas en desenfadas mujeres actuales, además de gaditanas, que aprovechan un bingo clandestino para divertirse, alegrar sus arrastradas vidas, ser felices durante un rato y criticar a los varones opresores que amargan su existencia. Como símbolo, transforman a Dionisio, el dios griego del vino y de la juerga, en Dionisia, una binguera con la que se puede identificar cualquier espectador o espectadora.

-En el espectáculo, destacan todos los elementos de la representación. El texto brilla por su ritmo, su estilo, el lenguaje utilizado, hasta los versos intencionadamente ramplones. Es un ejemplo de burla, de ironía, crítica, cachondeo y chirigota intencionada. La dirección es inteligente, divertida, ágil, ingeniosa. Las interpretaciones rayan en la maestría unida a la libertad, el dinamismo, la cercanía, la capacidad de comunicación y de contagio. Los decorados innecesarios brillan por su ausencia. Y los elementos llamados técnicos se unen a la intención general.

-Tengo la sensación de que es muy difícil transmitir, en un comentario, las características y las cualidades de esta excelente obra teatral. Así que sólo me queda una recomendación sincera. Apuntad el título: ‘Las binqueras de Eurípides’. Buscadla con empeño hasta encontrarlo. Con insistencia. Intentad que no se os escape. No os arrepentiréis, sino que saldréis muy gratificados.

-Encontraréis un ejemplo práctico de lo que se puede hacer con un texto clásico, y más si es tragedia griega, para traerlo a la actualidad y darle una vuelta divertida a su contenido para que sea más eficaz en este momento.

David Barbero

-Deseo comenzar afirmando que, a mí, los monólogos teatrales me producen un notable atractivo. Una destacada curiosidad. Como un descubrir la intimidad ajena. Como la posibilidad de descubrir algo intimo por el ojo de una cerradura. Algo personal, algo vivido de verdad e intensamente. Algo en lo que alguien ha puesto, o le han quitado, una parte importante de su vida.

-Sé que no todos los monólogos caminan por esos senderos tan personales, vivos y cercanos. Hay muchos. quizá la mayoría, que se hacen con una retahíla de chistes, o con ocurrencias pretendidamente graciosas. No me refiero a esos. Creo que es fácil distinguirlos.

-Esta tarde, cuando caminaba hacia pabellón 6 para ver a Secun de la Rosa en su pieza unipersonal titulada ‘Las piscinas de la Barceloneta’, escrita, dirigida e interpretada por él, iba convencido de que me iba a encontrar con esa comunicación directa, con esa cercanía, con esa intimidad, con esa verdad, esa sinceridad, esa vida verdadera, esa autenticidad.

-Secun de la Rosa se presenta solo, sin adornos, ni decorados, con unos pocos muebles. Se coloca cerca, próximo a los espectadores. En esto de las distancias cortas, además, Pabellón 6 de Bilbao aporta muchas facilidades.

-En la obra, simula estar interpretando a Sebas, un tipo cincuentón, al que le han pedido que recuerde… Perdón. Que reviva, o que viva en directo su juventud, allá por el año 77 del siglo pasado. Todavía más concretamente en el verano de ese año, que fue vital para él.

-A cuerpo limpio, sin filtros ni artificios, va exponiendo, las características y las circunstancias de su familia y de su juventud. Se detiene en la maravillosa aventura que significó para él la decisión de atreverse a dar el paso a descubrir lo que pasaba en aquellas piscinas de la Barceloneta. La gratificación de descubrir un mundo nuevo y libre con el que había soñado. En él, había personas sorprendentes, atractivas, incluso magnéticas, diversas pero unidas por la vivencia de su libertad. Estaban presentes artistas, músicos, actores, escritores, anarquistas, prostitutas y revoltosos. Todos unidos y emparentados por la búsqueda de la libertad.

-He comentado más arriba que la grandeza de estos monólogos, a mi juicio, está en la comunicación viva, directa, limpia, emocional, sincera, vital, vivida, poética, clara. En llegar directamente a los espectadores. Emocionarlos. Contagiarles y hacerles vivir las mismas aventuras y las mismas emociones.

-El peligro de este tipo de monólogos puede estar en que esa emoción directa se tiña de un tono de texto interpretado. En que la escritura no aparezca ordenada como una vivencia. Que las reflexiones suenen con cierta artificiosidad. Que a la dirección escénica se le puedan pedir más matices. Y a la interpretación, una mayor credibilidad.

-Secun de la Rosa, con este monólogo ‘Las piscinas de la Barceloneta’, demuestra su indiscutible profesionalidad y su actitud personal de denunciar las injusticias sociales, las discriminaciones y los inconvenientes añadidos que deben superar determinadas clases sociales. El verdadero objetivo del teatro.