Desde la fila tres del patio de butacas

David Barbero
-En el título de este comentario, he colocado tres adjetivos para describir la representación de ‘Erresuma-Kingdom-Reino’, que he visto esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao. Podía haber añadido otros más. Lo haré más tarde. He puesto tres porque también hay tres palabras en el título de la obra.
-Vamos a puntualizar desde el principio. Esta tarde, he asistido al estreno en euskera de esta obra. Para ser todavía más exacto, debo decir que es la versión, principalmente en euskera, con una significativa aportación en inglés, que ha servido para evidenciar la expresividad interpretativa de José María Pou.
-Como mi nivel de comprensión en esos dos idiomas no llega siquiera a ser rudimentario, en este comentario sólo me referiré a los aspectos escénicos y visuales. Cuando, la próxima semana, vea la versión en castellano, me habré podido formar una visión más completa sobre su contenido.
-Creo que es conocido que la propuesta, la dramaturgia y la dirección, así como la concepción escénica, de esta obra corresponden a Calisto Bieito, que también es el director del teatro Arriaga.
-Bieito ha tomado como base cinco de las piezas históricas escritas por Shakespeare, sobre la convulsa etapa de su país conocida como la guerra de las dos rosas. Una etapa especialmente violenta en la que miembros de dos linajes enfrentados se disputaban el trono.
-Por supuesto, Shakespeare contextualiza estos acontecimientos en los siglos XIV y XV, cuando sucedieron; y los engrandece con la creación de unos personajes, extraordinaria y profundamente construidos. Además, los rodea de una fuerte épica y una atmósfera de especial poesía. De esa manera, tanto los hechos como los protagonistas adquieren connotaciones universales.
-Bieito, dadas las dimensiones de esas cinco obras, ha optado por sintetizar los hechos y los personajes. Los ha condensado en las escenas más significativas y también más violentas.
-Lo que constituye el aspecto más creativo y personal de su visión es el planteamiento escénico global. De un blanco impoluto. En él, adquiere un gran impacto la violencia, la tensión, la sangre, la atmósfera de enfrentamiento continuo. Esa expresividad queda reforzada con la plasticidad de las situaciones, por encima del desarrollo de la acción global.
-Un elemento definitorio del proyecto es deslocalización temporal, trasladando la acción y los personajes, a una época mucho más próxima como pueden ser los años sesenta o setenta del siglo XX. Esa traslación acarrea cambio total de indumentaria, aspecto, actitud y condición. Con la consiguiente desacralización, eliminación de la solemnidad, acercamiento y cotidianización.
-Por supuesto, este proceso consigue el objetivo de acercar el impacto en el espectador de hoy. Manteniendo, a la vez, la fuerza, la profundidad y la violencia. Aproxima aquellos conflictos épicos y lejanos. Hace presentes los enfrentamientos. Pero sin frivolizarlos. Contagia sensaciones y emociones. Incluso, añade imágenes, coma las de futbol, para añadir connotaciones y contextos
-Multiplica, además, el número de acciones simultaneas en una misma escena. Lleva siempre la acción y las expresiones al límite. Recurre a gestos y posturas provocativas. Provoca reacciones con elementos inesperados y aparentemente inconexos.
-Digna de destacar la labor encomendada a los intérpretes. Deben reconstruir la grandeza y la profundidad de los personajes, a pesar de estar vestidos con ropas actuales, ir en pantalón corto o llevar la corbata desabrochada. En cada expresión o gesto, incluso en las que parecen colaterales, deben reforzar la expresividad sin decaer en ningún momento.
-¡Ah! Debo añadir otro aspecto destacado. He acudido acompañado con alguien que domina el euskera. Es profesor y experto en el tratamiento de este idioma en el teatro, con experiencia en ambos ejercicios. A la salida, todo han sido alabanzas al tratamiento lingüístico y al trabajo realizado por Bernardo Atxaga en su traducción y adaptación.
-Más arriba, he prometido ampliar la lista de adjetivos que pueden definir este proyecto. Ya he puesto innovador, impactante, violento. Debo añadir valiente, atrevido, transgresor, aproximador, moderno, intrigante, provocador, atractivo, cautivador, polémico, lleno de sorpresas, muy cuidado, nada convencional, …
-Mantengo mi compromiso de exponer aquí, la próxima semana, mis impresiones tras asistir al estreno en castellano de ‘Erresuma-Kingdom-Reino’. Espero tener una visión más completa de este interesante y ambicioso espectáculo.

David Barbero
-He asistido esta mañana, en teatro Arriaga de Bilbao, a la presentación a la prensa de su producción teatral ‘Erresuma-Kingdom-Reino’.
-Acudo siempre a estas presentaciones. Me ayuda a tener más datos e impresiones más precisas sobre los proyectos teatrales que se anuncian. Incluso corro el riesgo de ser un poco impertinente y preguntar más detalles a los presentadores.
-Esta vez, he acudido con un interés y una curiosidad añadidas. Hasta he dejado otras ocupaciones a esa misma hora para acudir. Desde que se anunció el proyecto, encuentro que hay indicios de que se trata de una propuesta especial y preparada con mucho cuidado.
-Calixto Bieito, director del Teatro Arriaga, es, además, el autor, director y promotor de ‘Erresuma-Kingdom-Reino’. Ha asegurado esta mañana que éste es su proyecto más destacado desde que asumió este cargo y que así desea incidir directamente en los objetivos de su misión.
-Calixto ha dirigido ya muchos Shakespeare. Y de muchas maneras. Pero ahora desea hacerlo de una forma innovadora y más completa. Una forma muy potente, además de fiel al espíritu y la profundidad del extraordinario autor isabelino. Incluyendo y potenciando la épica, los hechos violentos y la poesía en ellos existente.
-No ha elegido una obra. Ha incluido cinco de los dramas históricos de Shakespeare. Los más emblemáticos. Los significados más directamente en los reyes implicados en ‘La guerra de las dos rosas’; Enfrentamientos que duraron un largo periodo de tiempo muy decisivo en la construcción nacional de Inglaterra.
-Shakespeare escribió estas piezas históricas en el proceso de configuración ideológica e imaginaria de Inglaterra como nación. Para conseguir ese objetivo, era fundamental el ‘relato’ de lo sucedido en los siglos anteriores.
-Por todo ello, este propósito teatral, difícil y meritorio, adquiere unas características especiales. Incluso, se podría decir que es un reto, ya que se añade la intención novedosa de realizar una interpretación distinta y muy actual de esos textos clásicos. Desde el planteamiento escénico a la encarnación de los numerosos personajes.
-Otro dato de la importancia de este empeño es el número y calidad de teatros que están detrás de esta producción. El Teatro Arriaga de Bilbao, líder del proyecto, está acompañado del Teatro Español de Madrid. Del Teatro Principal de Vitoria, el teatro Victoria Eugenia de San Sebastián y Muxikebarri de Getxo.
-Una manifestación más del cuidado puesto en este proyecto está en los intérpretes elegidos. Destaca la presencia del catalán José María Pou, con proyección en todo el estado. Calixto Bieito ya ha trabajado con él en otros proyectos. También ha trabajado con los actores y actrices vascos seleccionados. Joseba Apaolaza, Lucía Astigarraga, Ylenia Baglieto, Ainhoa Etxebarría, Miren Gastañaga, Iñaki Maruri, Koldo Olabarri, Lander Otaola y Eneko Sagardoy. Su labor también va a ser muy significativa en este proceso.
-Tampoco hay que minusvalorar la presencia de Bernardo Atxaga como responsable de la versión en euskera. Es otra muestra de que también se desea añadir un valor lingüístico. Se pretende aportar una renovación de las traducciones a este idioma de las obras de Shakespeare.
-Por todas estas razones, os comento, después de haber asistido a la presentación, mi convencimiento de que este proyecto de ‘Erresuma-Kingdom-Reino’ es digno de ser seguido con atención. El viernes de esta semana será el estreno en euskera, y la próxima semana en castellano.

David Barbero
-En este espacio, normalmente hago comentarios sobre las obras de teatro que veo esa misma tarde. Hoy voy a aludir a una película, ‘Belfast’, que he ido a ver a primera hora de esta tarde, por un motivo muy personal.
-He tratado de reflejarlo en el título de este comentario, con la alusión de la doble nostalgia.
-La primera nostalgia es la del guionista y director de esta película, Kenneth Branagh. Ha escrito y dirigido esta película sobre sus propios recuerdos infantiles. Nació y vivió en Belfast sus diez primeros años de vida. La acción la centra en su calle durante los años 1969 y 1970.
-La segunda nostalgia es mía. En esos años, exactamente, yo vivía en Belfast. Trabajaba como corresponsal de la agencia efe y como profesor de español. Hacía poco que había acabado la universidad. Y era mi primer destino profesional fuera.
-Así que esta tarde he acudido a ver esta película con una actitud y especiación muy especial. Algo parecido a reverdecer mis recuerdos; a complementar los matices de mi memoria; a revivir mi vida pasada.
-Y esa es la sensación que he tenido al verla. Me ha vuelto a sorprender la violencia de las bombas y las explosiones. He tenido la sensación de que, al vivir allí tantos meses, me había acostumbrado a aquella situación.
-Pero en mi memoria, quedaba los cacheos diarios de los soldados británicos. Las interrupciones de las reuniones por los avisos de bombas. O las vigilancias en los cruces de calles. Las entrevistas periodísticas clandestinas a los líderes, Bernadette Devlin, o con el emergente, entonces, Gerry Adams.
-¡Ah! En la película no aparece la calle en la que yo vivía. Era Antrim Road. Ni el parque que tenía enfrente. Pero efectivamente, el autobús hacia el aeropuerto era el número 42.
-La acción de la película se desarrolla en una calle de mayoría protestante. Yo daba clases en una High School católica y en otra protestante. Además de las prácticas en la Queens University. Tenía posibilidad de conocer in situ los dos ‘frentes’. Era curioso contrastar las interpretaciones opuestas de un mismo acontecimiento.
-Ya entonces, yo era muy aficionado a ver teatro. En la película, aparece EL Globe theater, en el centro de la ciudad. Yo era más asiduo al Lyric Theater, en la universidad. No era sólo de estudiantes. Venían compañías profesionales de todo Irlanda y de Inglaterra. Vi cosas muy interesantes.
-También iba a cine. Por cierto, la mayoría de las películas debían ser interrumpidas por los avisos de bombas. También Kenneth, de niño, según su narración, iba bastante al cine. Pero alude sólo a películas clásicas. Yo recuerdo haber visto allí películas modernas y polémicas en aquel momento.
-Así que, entre mi trabajo periodístico, las clases, el cine y el teatro, al anochecer, todos los días, me pillaban los controles del ejercito británico. Al verlos, me colocaba directamente en la pared para que me cachearan. Era cuestión de perder el menos tiempo posible.
-En definitiva. Me ha resultado una experiencia curiosa esto de reverdecer mi propio pasado a través de la ficción creada por otro sobre sus propios recuerdos.

David Barbero
-La verdad es que esta tarde he ido, al Teatro Barakaldo, con gran curiosidad para ver lo que han hecho los irreverentes y atrevidos integrantes de la Calórica con ‘Las aves’ de Aristófanes.
-Os presento a las dos partes.
-La Calórica es una compañía teatral catalana creada hace una docena de años por jóvenes recién salidos del Institut del teatre. Estaban deseosos de hacer el teatro que deseaban, sin trabas ni condicionamientos de las compañías establecidas. Querían unir las nuevas formas de interpretación, con la comedia y la critica social.
-Durante esta década larga de existencia, han presentado numerosos espectáculos, con notable éxito y han definido un estilo propio rompedor y crítico. En la actualidad, se mueven ya con colaboraciones con grandes compañías oficiales y actúan en los teatros más reconocidos. Lo más importante: han logrado salvar su independencia para seguir realizando lo que desean hacer a su gusto.
-‘Las aves’, de Aristófanes, hay que colocarla dentro de la comedia antigua en el teatro clásico griego. Es una muestra, quizá la más destacada, de crítica social, en un momento en que los griegos estaban muy afectados por sus guerras intestinas.
-El objeto concreto de las críticas de Aristófanes eran las corruptelas que ya estaban apareciendo en la recién inaugurada democracia griega. Toma como argumento la rivalidad entre los pájaros, de ahí el título, y los humanos para organizar del ‘mejor’ (¿) modo posible sus respectivas sociedades.
-Los integrantes de La Calórica han llevado su adaptación de ‘Las aves’ de un modo directo y decidido a la crítica de las corruptelas sociales de la actualidad, todavía más grandes que las de entonces. Todo ello manteniendo, aunque libremente, el argumento y las peripecias tomadas del cómico griego.
-Sobre el escenario del Teatro Barakaldo esta tarde, se ha podido ver una denuncia implacable, mordaz, directísima, irreverente, sin ninguna vergüenza, políticamente nada correcta, exagerada pero exacta, casi esperpéntica pero ajustada, valiente, llamando a las ‘cosas’ por su nombre actual, sin cortarse un pelo, de todas las lacras existentes en la sociedad actual, sin dejar un ‘gremio’ libre de culpa, pero reflejando los diferentes niveles de irresponsabilidad, corrupción, ambiciones y manipulación.
-Ellos lo han definido como ‘un disparo contra los achaques de la democracia en tiempos de populismo neoliberal’.
-Los miembros de la compañía La Calórica han realizado una demostración de sus cualidades y de su trabajo en los diversos campos y elementos escénicos. Todos esos elementos, texto, dirección e interpretación, han estado coordinados en la dirección de conseguir el resultado antes descrito.
-La mínima correspondencia exige exponer sus nombres como reconocimiento. La dramaturgia está firmada por Joan Yago. La dirección ha sido responsabilidad de Israel Solá. En la interpretación, todavía más meritoria por el vertiginoso ritmo de cambios de personajes, hay que citar a Xavi Francés, Aitor Galisteo-Recher, Esther López y Marc Rius.
-Por mi parte, deseo elogiar y también agradecer, el trabajo realizado. Me reitero en decir que esa es la misión del teatro.

David Barbero
-Hoy he acudido a Pabellón 6 con el ánimo abierto al reconocimiento. En plural. Reconocimientos.
-Comenzaré por Emily Dickinson. Para mí, ‘la’ poeta norteamericana. Sus extraordinarios, sencillos y expresivos poemas. También su frágil, delicada y angustiosa vida. Lo que otros consideraban ‘rarezas’. El simbolismo de vestir siempre de blanco. Su encierro voluntario. Su confinamiento.
-¡Ah! Debo aclarar que esta tarde en Pabellón 6 se representaba la obra ‘La dama de blanco’. Dedicada a ella, por supuesto. A Emily Dickinson. A su recuerdo, a su análisis, a su descubrimiento, a su interpretación.
-La actriz que ha encarnado a Emily Dickinson en ‘La dama de blanco’ ha sido María Pastor. En la representación, ha realizado una demostración de su dominio de las técnicas expresivas. En las tonalidades y modulaciones de su voz. En los gestos. En las expresiones. En los movimientos. Ha existido un plus en el proceso de recuerdo y hasta de identificación.
-Otro de los motivos de reconocimiento al ir hoy a Pabellón 6 va dedicado a ella. Me niego a repetir aquí referencias a los numerosos y arriesgados personajes que ha asumido. E incluso, a los premios y distinciones conseguidos. Si alguien está en ese estado de ignorancia, debe remediarlo con urgencia.
-También ha estado en Pabellón 6 Juan Pastor, padre de María. Ha realizado los trabajos de dirección, dramaturgia y escenografía de esta obra. Además, va a dejar una muestra de su destacada trayectoria como pedagogo teatral.
-Padre, hija y el resto de la familia llevan tiempo implicados, con entrega y valentía, a la muy destable labor de crear y desarrollar la aventura, artística y también vital, del teatro en la compañía Guindalera.
-No sé si corren buenos tiempos para ese tipo de lírica. Pero ahí queda mi reconocimiento. Yo no suelo llevar sombrero. Pero chapeau por ellos.