DAVID BARBERO

-Complejo espectáculo el que he presenciado esta tarde noche en el Pabellón 6 de Bilbao, en el sentido de que mezcla elementos de carácter muy diferente y quizá de naturaleza incompatible.

-Comenzando por este último aspecto, hay que señalar que aparecen personajes del teatro clásico griego más antiguo junto a una especie de show televisivo populachero, con monólogos intencionadamente cómicos, lecciones sobre mitología griega y técnicas que algunos califican de inmersivas, al interpelar al público para que tenga la sensación de que participa en el desarrollo de la acción.

-El argumento, destinado a denunciar la violencia como se indica en el título, es situado artificialmente en relación con los llamados trabajos de Hércules, que se realizan bajo la dirección de Zeus, el dios máximo del Olimpo, y en presencia del resto de las deidades, situadas en el patio de butacas.

-Con ese planteamiento, el espectáculo trata de cuestionar el  mito griego y relacionarlo con la actualidad, concretada principalmente en la referencia a la violencia en sus distintas manifestaciones. Se habla sobre todo de la  violencia machista y de la violencia política.

-La compañía responsable de este espectáculo es Indubio. La dirección es responsabilidad de Iñigo Santacana, quien también participa en la dramaturgia en unión de Manuel Pico y Luis Maesso, quienes participan en la interpretación al lado de Juan Maroto, Mar P. Soler y Nagore Andrés.

DAVID BARBERO

-Esta tarde he acudido a Pabellón 6 con gran curiosidad. Incluso con intriga. No sabía lo que me podía encontrar en ‘Sadad-Mare’, la obra que iba a ver. Dirigida por el muy estimado, director e investigador teatral, Borja Ruiz, e interpretado por un elenco donde predominan sus alumnos.

-Mi referencia, a causa de la edad y las experiencias teatrales vividas, es el todavía vivo recuerdo de ‘Marat Sade’ de Peter Weiss, vivido al final de los años 60 del siglo pasado. Años en los que creíamos (ilusos) en la revolución. Aquel montaje, con versión de Alfonso Sastre y dirección de Adolfo Marsillach tuvo una vida muy corta, por las prohibiciones administrativas y policiales, pero una repercusión muy intensa, por circunstancias sociales en que vivíamos.

-Puedo presumir de haber estado entre los que asistieron  a la primera representación en el Teatro Español de Madrid antes, de que fuera prohibido por la  autoridad (in)competente.

-Después, ha habido otras representaciones por estos lares. También he podido asistir a ellas.  Así a bote-pronto, cabe recordar la versión dirigida por Miguel Narros, en 1994; Antes, en el 82, Pere Planella presentó la versión catalana. Ya en este siglo, nos podemos acordar del montaje protagonizado por la compañía Animalario en el 2007, y otro, unos años después, de la compañía Atalaya, dirigido por por Ricardo Iniesta.

-Esta referencia explica, creo, la curiosidad con que he acudido a ver esta tarde, en Pabellón 6, esta nueva versión,  presentada ya en la terminación de este año, par y bisiesto, de 2024.

-Voy a citar, como reconocimiento, los nombres de los participantes en este acontecimiento, que se puede calificar de destacado. La producción es de la compañía Alopargo. Ya he citado que la versión y la dirección escénica ha sido responsabilidad de Borja Ruiz. El elenco ha estado integrado por Ioritz Benito, Nagore Cenizo-Arroyo, Elvira Dieguez, Aitor Guisasola, Iñigo Martín, Rita Martín e Iraia Urraca.

-Esta versión es la más libre de todas respecto al texto original. Ya se advierte, en la información sobre ella, que se focaliza hacia una reflexión sobre los ideales y las contradicciones  inherentes a los movimientos políticos y sociales que pretende cambiar la sociedad.

-También confiesa la intención de colocar a los espectadores a confrontar las verdades incómodas sobre el poder, la  moralidad y la naturaleza humana. Se podría entender como una propuesta explicativa de ese texto inicial, con el añadido de un prólogo y un epílogo. Una re-construcción o quizá una de-construcción. Incluso no está lejos de ser una disección de la que se sacan conclusiones y consideraciones analíticas.

-Permitidme completar mi repaso de las visiones de esta emblemática obra con la sensación personal de que las distintas versiones y adaptaciones han servido también para reflejar las diferentes momentos de la sociedad en que se han presentado. Y también han evidenciado las distintas maneras escénicas con las que profesionales del teatro se han dirigido a la sociedad sobre tema tan importantes. Incluso alguien  capacitado podría sacar conclusiones sobre las reacciones del público en cada uno de esos momentos.

-Lo dejo aquí. Que hay peligro de ponerse solemne.

DAVID BARBERO

-Acabo de asistir esta tarde-noche a un espectáculo escénico novedoso. Como puede ser desconocido para algunas de vosotras, creo que debo exponéroslo en sus diversos aspectos para que lo conozcáis.

-Comienzo por los aspectos exteriores. El sitio. Ha tenido lugar en la ‘sala’ La sinsorga. Lo he puesto entre comillas, porque no se trata de un local teatral. Tiene muchas utilidades y características. Es un lugar de reunión, bar, cafetería, tetería, restaurante. En él se desarrollan actividades culturales de muy diverso tipo. Se halla en el arranque del casco viejo de Bilbao.

-El título completo del espectáculo es ‘Hertz. Desde lo más profundo de la patata’. Ha sido producido por la compañía teatral Madame Señorita, fundada por la actriz y performer gasteiztarra Paula Valluerca, en unión con la directora Roisin O’Mahony y Betitxe Saitua diseñadora de vestuario

-Es una pieza de teatro de pequeño formato, un monólogo o pieza unipersonal. Contiene elementos escénicos diversos como canciones, recitados e interpelaciones al público. Explora las expectativas, ficticias o reales, de éxito y la presión social del personaje protagonista. Utiliza diversos lenguajes escénicos, combinando el clown contemporáneo con la crítica social y el absurdo o las escenas exageradas para provocar intencionadamente situaciones ridículas.

-Esta representación en Bilbao ha tenido el carácter de estreno en Euskadi. La obra se ha presentado recientemente en Londres. Ha sido también interpretada en Logroño. Y tras Bilbao, tiene ya fecha para su presentación en Vitoria.

-Se enmarca dentro del estilo que desarrolla Paula Valluerca, la protagonista del espectáculo.  Utiliza un lenguaje teatral que explora el concepto de lo ridículo y lo absurdo, especialmente en relación con la figura de la mujer. Va desde lo lúdico a lo caótico, que se combinan para ofrecer una experiencia reivindicativa y de denuncia. Pero siempre con un elevado porcentaje de humor y de ironía.

-Esta nueva compañía, Madame Señorita, tiene como objetivo crear la conexión con el público a través de la comicidad y la autocrítica con el fin de provocar la reflexión sobre la conducta social y la búsqueda de la realización personal en el mundo actual.

-El público, en su mayoría femenino como suele ser habitual en la mayoría de actos culturales, ha seguido el espectáculo con gran interés en su desarrollo itinerante y ha respondido con gran complicidad a las interpelaciones, el humor y las ironías de la intérprete.

-La sensación que se percibía entre las asistentes era la de estar participando en una experiencia pionera, que puede tener intención de continuidad

DAVID BARBERO

-Con este título un tanto enrevesado he querido expresar la  buena impresión que he sacado sobre la obra que acabo de ver esta tarde en Pabellón 6 de Bilbao. Lleva el título de ‘La tuerta’. Su autor y director es el reconocido actor Jorge Usón, que esta vez no interviene. Todo el peso de la interpretación lo lleva María Jáimez.

-Por concretar, diría que me ha parecido una pieza original, diferente, sugerente, atractiva, peculiar, cuidada al detalle, divertida, interesante. Voy a repetir lo de original y lo de sugerente.

-Como ya he adelantado esa buena opinión, ahora mi obligación es justificar tales aseveraciones. Vamos a ello.

-Un primer motivo puede ser la originalidad del tema elegido por Usón. Parte de una doncella del barroco español sufre un accidente que la deja tuerta de un ojo en su primer encuentro de coqueteo amoroso. Llena de rencor por este percance, jura vengarse del amor eternamente. Si ella no puede amar nadie lo hará. Y esa  maldición se hace patente en Lucía, una bailarina del momento actual, además de otras cuantas jóvenes, curiosamente caracterizadas. Diría otra vez, originalmente caracterizadas.

-La originalidad, perdón por volver a repetirme, no está sólo en el tema elegido. Se halla sobre todo en el modo de tratarlo. La perdida de un ojo conlleva la incapacidad de ser amada. Se siente cómo el cuerpo entero se aja con el tiempo, y en su interior se abre una incertidumbre dolorosa, que da trascendencia al incidente y arruina toda la vida.

-Usón, en su texto, hace numerosas referencias a García Lorca, con lo que logra un tono poético que también engrandece esa ausencia y esa herida de amor. Así  el mensaje lírico y la desesperada añoranza llegan con más fuerza hasta el público. El texto tiene, además, una estructura fragmentada,que coloca la expresividad en cada uno de los sonidos.

-La actriz y también bailarina, María Jáimez, demuestra una potente energía, que encarna con una vitalidad inasequible al desaliento los reveses incesantes que sufre en las varias vidas que va encarnando. Realiza una exhibición de sus cualidades, su fuerza expresiva y su versatilidad.

-Durante la obra da vida a varios personajes, demostrando un gran  dominio expresivo y gestual, además de sumar la complejidad de tener que enfrentarse a un espacio teatral completamente vacío, sin más ‘escenografía’ que una  simple venda. El resto de los elementos son creados por el imaginario de la propia  actriz y por la ilusión que genera o provoca en el espectador. Sin lugar a dudas lo más destacable de la  obra es su capacidad interpretativa, así como la minuciosidad y el cuidado de cada uno  de sus movimientos, de los gestos, de las expresiones, de los tonos de voz que, en ocasiones, parecían intencionadamente propios de una marioneta.

-Expresamente deseo señalar también todos esos adjetivos que he colocado al principio, se los atribuyo a Ana Bruned, responsable de la caracterización; A Alejandro Andújar, que ha diseñado el vestuario y ha idea ideado la escenografía limpia; a Juan Gómez Cornejo, por su iluminación, También a Mariano Marín y a Torsten Weber, por la música.

-Hay que hacer también alusión a compañía productora de este espectaculo. Nueve de Nueve Teatro es de origen aragonés fundada en el 2010. En ese mismo año, obtuvieron su primer éxito  con Cabaré de Caricia y Puntapié. En 2016 produjeron La Extinta Poética de Eusebio Calonge.  En 2018, estrenaron el esperpento musical multipremiado Con lo Bien que Estábamos (Ferretería Esteban) dirigida y escrita por José Troncoso y música original de Mariano Marín. Y en la actualidad están con este su último trabajo La Tuerta, ópera prima como autor y director de Jorge Usón.

-En consecuencia, si alguien todavía no está siguiendo las propuestas escénicas de este grupo, creo que debería pensárselo y comenzar a hacerlo cuanto antes.

DAVID BARBERO

-He señalado intencionadamente, en el título de este comentario, que ‘Chicago’, el musical que he visto esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao, tiene todas las características, las formas, las cualidades y el mismo montaje de las representaciones que se realizan en Broadway de Nueva York en los mismísimos Estados Unidos de América del Norte.

-Lo dice la publicidad que anuncia el espectáculo y es cierto. La productora española SOM, que lo mueve aquí, garantiza con toda seguridad esa fidelidad.

-Incluso puedo contar la anécdota que he presenciado al salir esta tarde noche del teatro. Estaba comentando yo con un amigo la buena impresión recibida en este montaje y él me ha contestado que le ha parecido tan auténtico que se iba a frotar los ojos para comprobar si se hallaba en la plaza del Arriaga o en el mismo New York.

-Esta fidelidad y esta garantía de calidad viene garantizada por la obligatoriedad de que todas las representaciones, fuera y dentro de Estados Unidos, se realicen imitando las producciones originales hasta en los más mínimos detalles.

-Esto sin duda es muy bien recibido por la práctica totalidad de los espectadores. Prueba de ello, es que se destaca en la publicidad para conseguir más audiencia. Hay que reconocer también que esa exigencia es una garantía de autenticidad.

-Pero tampoco faltan algunos curiosos que preferirían que se dejara libertad a los directores y artistas locales para realizar sus propias versiones en bien de una mayor variedad.

-Quizá también se pueda encontrar otro inconveniente a esa uniformidad de los montajes en las diferentes condiciones y dimensiones de los escenarios en los que se representa. Lo que es posible motivo de algunos desajustes.

-Tres de los grandes nombres del teatro musical norteamericano están en la base de esta enérgica, ácida y, al tiempo, divertida propuesta: John Kander (música), Fred Ebb (letras y libreto) y Bob Fosse (coreógrafo original, director y guionista, y autor del libreto). La representación que aquí se representa, tiene como director residente a Victor Conde, y la dirección musical corresponde a Andreu Gallen. A ellos, hay que reconocerles, por lo tanto, las destacadas cualidades de la misma.

-El argumento, como es sabido, cuenta con más protagonistas femeninas, gira en torno a los problemas, reivindicaciones y aventuras de Roxie Hart, una cantante y bailarina de cabaret, y ama de casa, que hasta tiene tiempo de buscarse un amante. Apasionada hasta la médula, cuando éste decide abandonarla, Roxie acaba dándole muerte y, como consecuencia de ese delito, da con sus huesos en la cárcel.

-Una oportuna elección de abogado defensor, marrullero y manipulador sin escrúpulos, va a ayudarle a desviar el asunto ante la opinión pública y a hacer que los medios de comunicación busquen en los más recónditos resquicios del suceso para dar titulares que sigan poniendo a la acusada en el ojo de todo el mundo que, finalmente, acabará viéndola como  una víctima.

-Cambiando nombres y algunos matices, podría considerarse de plena actualidad, donde abundan los casos de tales corrupciones, engaños y abusos. Eso puede ayudar a trasladar al patio de butacas el aire canallesco, corrupto y, a pesar de todo, también humorístico de cuanto sucede en escena y en la realidad.

-Es preciso destacar la excelente calidad de las protagonistas, actrices, cantantes y bailarinas Silvia Álvarez (la atrevida Roxie Hart), Ela Ruiz (Velma Kelly, su compañera de celda). Pero el mismo elogio se puede ampliar al resto del amplio elenco, que destaca por su versatilidad y por un intenso trabajo durante toda la representación.

-En consecuencia, se puede definir este ‘Chicago’ como un excelente, interesante y divertido musical, al estilo Broadway, quizá con algunas deficiencias en el planteamiento escénico y en el vestuario.