-Ayer volví a ver, en el Teatro Barakaldo, ‘Calígula’ de Albert Camus en la versión de Joaquín Vida. Me volví a ratificar en la profundidad de esa obra.
-Profundidad ideológica y profundidad de los personajes.
-Los locos siempre han sido buenos personajes teatrales.
-La locura o falsa locura es uno de los aspectos fundamentales.
-Joaquín Vida opta por la tesis de que es una locura adoptada cuerdamente. Es un hacerse el loco en un sentido profundo de la expresión.
-Tras descubrir que los hombres mueren y no son felices, intenta alcanzar la felicidad completa, decide buscar lo imposible, pedir la luna. De esa manera, a la vez va a intentar ser libre. Totalmente libre. Más libre que los dioses.
-También descubre que la perversa, la loca es la sociedad, el sistema de gobierno de la sociedad, el orden social, el tinglado económico y social. Lo importante es el tesoro público. Tiene una prioridad absoluta. Ahora se habla del déficit público. Por lo tanto, las personas son menos importantes que el dinero. Todo es menos importante.
-Desde esas premisas, va cometiendo atropellos que son calificados como locuras, pero que podrían entenderse como deducciones lógicas de ese planteamiento.
-La sociedad romana, representada en la obra por poetas, filósofos, economistas y militares, con una lógica distinta o contraria, llega también a la conclusión de que hay que dejarle hacer, para matarle después. ¿Por qué a esa conducta no se le aplica el concepto de locura?
– Al final, Calígula no alcanza la luna. Tampoco logra ser feliz. No cree que esa libertad merezca la pena. En consecuencia, se deja matar haciendo triunfar el complot contra él.
-Tiene unos diálogos absolutamente cuerdos con el filósofo oficial, Quereas.
-También se puede pensar que esos diálogos son totalmente locos.
-El momento final, cuando Calígula se levanta para decir que sigue vivo, es una declaración de principios.
-En definitiva. ¡Que grande es Albert Camus!

-¡Ojo! A ver cómo lo tratas. Esta obra ha obtenido el premio nacional de dramaturgia de México.
-Conocía ese dato.
-¿Tú se lo hubieras dado?
-Hace tiempo que he renunciado a tomar parte en ningún jurado. Tengo muchas más dudas que certezas. Para saber si algo es mejor que otra cosa, hace falta tener más clarividencia de la que yo tengo.
-¿Qué pasa? ¿Te vas a operar de cataratas?
-Fui a ver esta obra ayer en el Teatro Serantes de Santurtzi. Mucha gente, a mi alrededor, se rió con ganas. Otros me dijeron que se lo habían pasado muy bien. Algunos la valoraron positivamente. Poco más tengo que decir.
-Destacaría el uso del leguaje: Vivo, directo, coloquial, espontáneo.
-Esos mimos adjetivos los aplicaría a la relación de loso actores y el público.
-Hay que destacar sobre todo el humor.
-La construcción dramatúrgica une partes dialogadas entres los personajes con parlamentos dirigidos al público para agilizar la narración.
-Eso ahora se estima mucho. Se considera uno de los elemento de la modernidad teatral.
-Por lo tanto, lo tiene todo.
-No nos has dicho si te ha gustado.
-¿No ha quedado dicho en las frases anteriores?

-Atreverse con ‘La voz humana’ de Jean Cocteau ya es digno de alabanza. Es un reto para valientes.
-Por la intensidad de las emociones que hay dentro y por las dificultades que acarrea su montaje.
-Ayer vi la versión hecha por la nueva compañía Moon Produkzioak en el Teatro Barakaldo, con la bailarina Meritxell Checa como protagonista bajo la dirección de Fer Montoya.
-¿Reiteras esa opinión positiva sobre ese montaje?
-Por supuesto. Además, comenzar la andadura de una compañía con esa obra es una declaración de principios.
-Es una buena idea, a mi juicio, añadir medios expresivos para comunicar las emociones y los sentimientos. Además de la palabra, los gestos, los movimientos de la danza contemporánea, la música, las iluminación, las imágenes proyectadas.
-Cuantos más elementos haya para reforzar la comunicación, mejor.
-¡No siempre es así!
-Los sentimientos principales de ‘La voz humana’ yo creo que son el abandono y la incomunicación. Son unas emociones muy profundas.
-Has dicho que acumular medios para comunicar los sentimientos es bueno. Pero añade retos. Hay que coordinar muy bien esos medios. Tienen que ir todos en la misma dirección. Deben sumar. Tienen que ir unidos. Si cada uno va por un lado, puede ser perjudicial. Se puede crear confusión o no comunicar nada.
-La danza contemporánea es muy traicionera a la hora de comunicar sentimientos concretos. Cada espectador puede entender o sentir una emoción diferente. Si se pone el énfasis en ese tipo de danza para definir, en una dirección, el carácter emocional de una pieza, se corren muchos riesgos.
-La palabra y la música funcionan mejor como comunicadores de emociones concretas.
-En este espectáculo, la palabra, que es lo fundamental en Cocteau, queda en segundo lugar.
-La protagonista es una bailarina. Esa era la elección. Si hubiera sido una actriz, la expresión del texto habría tenido más fuerza en la definición global del espectáculo.
-Otra decisión fue sacar a escena la presencia masculina. También pudo comunicar sensaciones encontradas.
-Es decir. ¡Asumir riesgos es de valientes!
-En el riesgo, está el arte. ¿No?

-Yo hubiera puesto como título de esta conversación ‘Naturaleza viva sobre un escenario’.
-¿Qué pasa? ¿No te gusta el título de la obra?
-No es lo que más destacaría de la producción.
-Cuento una anécdota personal. Cuando leí por primera vez el texto original de ‘naturaleza muerta en una cuneta’, me dije ¿Qué se puede hacer con este texto sobre un escenario? Estaba sorprendido aunque ya entonces sabia que le habían dado el prestigioso premio ‘Vittiorio Gassman’ y que estaba siendo un éxito en media Europa. Me desconcertaron los largos párrafos de las declaraciones policiales sobre los que se basa la narración de esta historia.
-Además, los privilegiados amigos que ya habían tenido ocasión de verla, decían maravillas de la obra y de la puesta en escena.
-Después, me interesé en conocer las adaptaciones del texto realizadas para la representación y en los pasos dados progresivamente hasta el resultado final.
-Buen trabajo el de Adolfo Fernández y Ángel Solo en la adaptación y dirección.
-Los dos están metidos en las dos labores. Un ejemplo de cómo llevar a cabo con profesionalidad un buen trabajo escénico.
-No te olvides de Ikerne Giménez, en el diseño de la escenografía y del vestuario. El juego que dan los elementos del escenario. La atmósfera que se crea.
-Te corrijo. En plural. Las atmósferas que se crean.
-Uso la misma palabra en la música. Las atmósferas sonorazas que crea Mariano Marín.
-No olvides la iluminación de Pedro Yagüe.
-No me olvido.
-¿Has dejado la interpretación intencionadamente para el final?
-Jabi Calle, apunta el nombre de Susana Abaitua para el premio revelación de la tertulia de Larrutz.
-No solamente ella. Habría que premiar a todos.
-¡A casi todos!
-Un buen trabajo de un buen equipo.

-Vamos a puntualizar desde el primer momento que el título es más largo. ‘Para lo que hay que vivir … mejor no morirse nunca’. Largo, pero ingenioso.
-Curioso, diría yo.
-Vi ayer la obra en el Teatro Social de Basauri.
-El texto es de Borja Fano, un joven profesional del teatro. Polifacético. Trabajador. ¡Y de Bilbao!
-Con muchas ganas de salir adelante en el teatro como sea.
-Como sea, no. ¡Trabajándoselo!
-Me refiero a que, al menos inicialmente, no parece que sea un ideólogo del teatro o que enfoque su vida teatral en una orientación concreta. De momento, lo que quiere es salir adelante en el teatro.
-¿Te parece poco?
-Ganó un premio literario con el texto. Convenció esforzadamente a un productor. Convenció a un actor y una actriz con cierto tirón popular. Ahora va de plaza en plaza, con aceptable eco.
-Hay que alegrarse de que el esfuerzo tenga su compensación.
-No me has dicho si te gustó o no.
-Yo estoy con el que se esfuerza y lucha. Terminará consiguiéndolo. Seguro.