David Barbero

-Esta tarde he acudido al teatro Arriaga de Bilbao para ver el estreno de la obra titulada ‘Lovesong’ con mucha curiosidad y he encontrado en ella especiales aspectos de interés y motivos de reflexión escénica.

-Narra una historia sobre las relaciones personales y sobre el paso del tiempo. Realiza un repaso a la convivencia y las trayectorias individuales de una pareja. Va desde la pasión en su juventud hasta los silencios tras cuarenta años juntos. El pasado y el presente se entrelazan y se contraponen, con lo que ambos son colocados frente a sí mismos.

Vamos con esos motivos de interés y de reflexión.

La autora es la británica Abi Morgan. Se trata de una reconocida dramaturga y guionista. Viene acreditada por haber ganado premios de prestigio. Ha escrito numerosas obras teatrales y también guiones de cine. Ha presentado trabajos en la televisión y en las plataformas. Un dato significativo.  La autora quiso narrar esa historia de amor, tomando para ello como inspiración el poema de T. S. Eliot “La canción de amor de J. Alfred Prufrock”.

Otro destacado motivo de interés se halla en la interpretación. El elenco está integrado por dos actrices y dos actores. Dos veteranos  y dos jóvenes. Todos ellos vinculados al proyecto de Pabellón 6 de Bilbao y a su compañía joven. Itziar Lazkano y Felipe Loza encarnan las versiones maduras de los protagonistas, mientras Kepa Alesso e Itxaso Sánchez se meten en la piel de esos mismos personajes en sus etapas anteriores.

Los cuatro intérpretes desarrollan un trabajo muy meticuloso, medido al detalle. Mejor en plural. Medido a muchos detalles. Todos ellos evidencian sus muchas cualidades en unos roles de especial dificultad. Me permito aquí una cita de la directora de escena, Sandra Maturana. ‘Un aspecto a destacar  en el trabajo interpretativo es que se nutre del teatro físico. Los actores han fijado sus actuaciones partiendo del cuerpo,  a través de los movimientos y de una expresividad coreografiada”. 

De esta manera entramos en la dirección de escena y la adaptación, ambas responsabilidad de Sandra´Maturana. Se trata de una joven profesional que ha adquirido conocimientos y experiencia teatral durante su estancia en Londres. Ha hecho un Máster de dirección en The Royal Academy of Dramatic Art yen  King´s  College London. Ha formado parte de The Directors Lab (Lincoln Center, NY),  del programa de directores “Springboard” del teatro Young Vic (UK) y ha  realizado investigación en el Odin Teatret (Dinamarca). También ha desarrollado trabajos escénicos en The  National Theatre, Royal Shakespeare Company, Royal Court, Young Vic y  The Royal Opera House.

Me he extendido intencionadamente en esta biografía, porque ha influirdo en este montaje. Éstas también son sus palabras: «Las secuencias han surgido respetando los cuerpos de los intérpretes. Yo les daba impulsos, ideas, ejercicios… y a partir de ahí se han construido todas las coreografías». 

Hay un concepto muy destacado aplicado a la puesta en escena de este trabajo. Es la construcción de una ‘partitura física’ que es interpretada en escena. Quizá se podía cambiar el verbo y utilizar la expresión ‘ejecutar’ que su suele utilizar con las partituras musicales. Aquí aplicada a los movimientos y expresiones corporales. A modo de una coreografía prefijada.

Más elementos de interés y reflexión. La escenografía está diseñada por Betitxe Saitua, que también es la responsable del vestuario. Con destacada influencia en este montaje. Lo mismo sucede Con la iluminación de Fernando Alcauzar y Quique Gago. Idéntica afirmación hay que hacer del ambiente sonoro, muy cuidado. Todo ello camina hacia un realismo no realista (contradicción intencionada) en el que se fusionan diferentes tiempos y distintos espacios. Otro aspecto que también pide atención.

Termino adelantando mis intenciones. Tras ver con gran curiosidad el estreno de hoy en el teatro Arriaga, acudiré también a alguna representación en Pabellón 6, para seguir reflexionando y despejar dudas sobre si ese esquema prefijado de partitura física o corporal resta fuerza y consistencia a la acción, los significados y la coherencia de los personajes. Allí nos veremos. Espero.

David Barbero

-Hace ya algún tiempo una persona, muy entendida en danza contemporanea y de cuyo criterio me fío, me dio el siguiente consejo. ‘Si tienes la suerte de que la compañía belga Peeping Tom se cruce en tu camino, no la dejes escapar. Y si no la tienes, ve en su busca y sé tú el que se cruce con ella. No te arrepentirás’

Así que esta tarde me he ido a verla en el Teatro Arriaga de Bilbao. Allí han presentado su programa doble titulado ‘Díptico: La puerta que falta y la habitación perdida’. Peeping Tom reincorpora estas dos piezas cortas y las actualiza de los montajes originales creados hace una década por Gabriela Carrizo y Franck Chartier con el Nederlands Dans Theatre.

-En Díptico los personajes, dan la sensación de estar perdidos en el tiempo y el espacio. Se alejan y se acercan, mientras se buscan unos a otros. Cuando comienzan este viaje vital en busca de un ideal estaban llenos de esperanza. Pero la realidad los ha llevado por caminos extraños hacia un destino confuso. Ahora intentan encontrar un camino propio mientras reviven sus recuerdos, o crean nuevas versiones de ellos, abiertas a distorsiones.

-Ésta puede ser una sinopsis provisional de una pieza poliédrica que se desarrolla en un mundo inquietante, oscuro y cerrado, característico de esta compañía y de sus creadores. Hasta los cambios entre escenas se realizan a plena vista y constituyen parte de la representación, como si se tratara de un montaje en construcción. Juega con atmósferas que crean tensiones en escena y en el patio de butacas, los bailarines deleitan con movimientos espasmódicos y solos virtuosos. Durante la pieza asoman sutiles toques de humor que ofrecen un soplo de aire, o quizá más bien viento, en el ambiente, surrealista, enigmático y asequible a interpretaciones diversas..

-Esta compañía, creada a principios de este siglo por la argentina Gabriela Carrizo y el belga Frank Chartier, se enmarca en los nuevos modelos de la dramaturgia y escenografía centroeuropea. Los bailarines son también actores y cantantes. Juegan con llegar a todos los sentidos del espectador.

El escenario resulta para el espectador un laberinto, lleno de puertas y habitaciones que permiten transitar por mundos simbólicos y   compartir vivencias no siempre comprensibles. La escenografía se concibió, al parecer, como sets de filmación sucesivos, en los que los personajes intentan crear una nueva versión de su realidad ilusoria.  Esa es la sensación que se comunica al espectador y al que se le introduce en esa atmósfera. Ese mismo aspecto fílmico ,y en evolución, se manifiesta en el paisaje sonoro, que está salpicado de efectos: un vaso que cae, un portazo, un corazón que late, un metrónomo, los chirridos  de un barco, el llanto de un niño y otros muchos más.

-Gabriela Carrizo y Franck Chartier, los fundadores de la compañía, han fusionado la danza contemporánea con una impactante narrativa visual y emocional que desafía la imaginación. A lo largo de estos cinco lustros , han creado un lenguaje propio que se nutre de cuerpos entrenados, capaces de llevar la danza acrobática y los movimientos extremos al escenario con una agilidad asombrosa. Crean atmósferas perturbadoras que inyectan intriga a sus propuestas y las rodean de un humor ácido, muy cercano al absurdo.

-Os he comentado más arriba que quien me dio el consejo de buscar a este grupo creador, me aseguró que no me arrepentiría de haberme encontrado con  los Peeping Tom. Después de haberlos disfrutado en el teatro Arriaga de Bilbao, puedo asegurar que ha sido una gran satisfacción. Así queos transmito la misma recomendación.

David Barbero

-Hay quien piensa que, en el ballet y la danza, se debe atender sólo a los aspectos estéticos. La pieza ‘Paraíso de los negros’ de María Pagés y El Arbi El-Harti demuestra que siendo en ella la estética extraordinariamente muy cuidada, hay además otros aspectos de gran interés junto a ella.

-La obra, que se ha presentado esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao, se nutre de infinidad de fuentes creativas. Ahí están Federico García Lorca, Carl Van Vechten, Léopold Sédar Senghor, o Nina Simone, entre otras personalidades del mundo del arte. Son referencias a artistas que han tratado la ‘negritud’ en sus obras como una base filosófica, emocional y también de reivindicación, con la que ha ido construyéndose este   espectáculo.

Es una obra sobre la continua búsqueda de la felicidad. Explora los límites y las limitaciones humanas que limitan y obstruyen el camino hacia la libertad y el deseo. Consigue adentrar al espectador, en un universo sensorial de luces y sombras, de sonidos y de imágenes. Un mundo donde la nada y el perfección conviven dentro de unos límites del individuo.

A través de la danza, el cante, el texto y la música, es decir a través de todas las artes escénicas, la obra coloca de cara contra el abismo interno del que no nos atrevemos a salir y trascender por miedos o por perezas. También hay catarsis emocional para terminar llegando a la libertad. Este paso se ve y se vive en una escena final de un impacto extraordinario y de una belleza total.  Del vació y las sombras, se pasa a una visión más ferviente y luminosa.

La  figura de María Pagés resulta hipnótica y absorbente, llenando con su única presencia todo el escenario. Todo aquello que se veía comprimido al comienzo de la obra, va saltando por los aires. Toda esa marabunta de emociones,  propias del mundo flamenco, hacen que el público entre en trance con los  movimientos, los sonidos y la palabra.

La última parte del espectáculo ha resultado todavía más poética y conmovedora, en la que la lucha y el conflicto interno da paso a una serenidad, como un nuevo resurgir, como la manera de romper las cadenas, con su caída material de manera totalmente impactante y llena de emoción. Esa sensación final ha dejado un sabor de optimismo y esperanza en relación con nuestra condición humana esencial.

Es preciso y de total justicia destacar los grandes valores en todos los sentidos de María Pagés, como una gran artista. En idea, la dirección, la coreografía, la escenografía y el diseño integral. Junto a ella, como complemento importante en casi todos esos aspectos, hay que citar a El Arbi El Harti, autor también de las letras..

También es de justicia y como reconocimiento citar al resto de integrantes de su compañía. En el cante están Ana Ramón y Cristina Pedrosa. En la guitarra, Rubén Levaniegos. En el chelo, Sergio Menem, En el violín, Graci dce Saz. Y en la percusión, Txema Uriarte.

-En la sesión de esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao, durante toda la representación, se ha producido una manifiesta, palpable, comunicación, reconocida con aplausos reiterados, que al final han sido emocionados y muy prolongados. Además, tras la función, se ha producido un muy gratificante y entrañable coloquio entre la propia María Pagés y una gran parte del público que se ha mantenido en sus butacas.

David Barbero

-Esta tarde he acudido al teatro campos Elíseos de Bilbao con el propósito de comprobar si esta vez son ciertas las alabanzas que he leído en la documentación previa sobre ‘El cabaret de los hombres perdidos’, ya que no me las suelo creer.

-Después de salir del teatro, acabo de tomar la decisión de no volver a creer en la propaganda ni ser ingenuo con las informaciones previas.

David Barbero

-Tenía ya ganas de ver, por aquí, sobre el escenario a los de Kamikaze Teatro, después de una prolongada ausencia. Así que esta tarde he caminado ‘raudo y veloz’, bajo la lluvia, hasta el Teatro Arriaga de Bilbao para ver ‘La patética’, pieza teatral, producida por esta compañía en unión del Centro  Dramático Nacional; escrita y dirigida por Miguel del Arco, e interpretado por un amplio elenco encabezado por Israel Elejalde. 

-Adelanto mi impresión de que la oportunidad, aplazada, ha sido gratificante por la sensación de haber asistido a una pieza teatral potente, profunda, exagerada, con intenciones rupturistas e innovadoras, trabajada con cuidado, matizada con detalle, intencionadamente disonante, interpretada con precisión y desarrollada artísticamente en todos sus aspectos. Sin tiempo todavía de haber reflexionado sobre ella, cabe una lectura cercana a una sensata, y a la vez cínica, catarsis colectiva,  o balance temporal tanto de grupo como personal.

-Recordadme que, antes de terminar el comentario, ponga un pero.

-El título hace alusión evidente a la famosa Sinfonía Nº 6 de Chaikovski, que además está toda la representación presente sobre el escenario. En esta ficción teatral, su figura constituye una obsesión para el director de orquesta interpretado por Israel Elejalde. A caballo entre la comedia y la tragedia, entre la ironía y la intención crítica, sufre una enfermedad mortal y está metido en la grabación de una nueva versión de la pieza de Chaikovski, que, como él, era también homosexual y, por tanto, comparte las mismas presiones familiares, sociales y mediáticas.

El tema de la muerte, mirado desde muy diferentes prismas, se convierte en motivo reiterado de reflexión. Tragedia y comedia se funden en ‘La Patética’ ante un tema como el de la muerte. Bebe tanto de la realidad como de la ficción, de la burla como de admiración. A la vez se reflexiona, se ridiculiza, se imita  y se vive entre la música, la filosofía, la política y la muerte. La concepción del arte en relación a la inmortalidad o no a la posteridad, la hipocresía ideológica, la vulnerabilidad del creador ante la crítica son algunos de los temas que toca.

-Ya se ha hecho alusión a que  Miguel del Arco se responsabiliza de la autoría y de la dirección escénica. Quizá se le nota mejor mano en lo segundo que en lo primero. Y en ello con un notable mérito. Recordadme después lo del pero posterior, aunque el equilibrio entre lo cómico y lo trágico ya está en el texto. Ah! No hay que olvidarse de la escenografía de Paco Azorín . Ayuda a que la acción se desarrolle con el ritmo que necesita.

-En lo que hay unanimidad absoluta es en la gran calidad y el gran mérito de la interpretación. Sería difícil encontrar el menor reproche. Y eso a pesar de que tanto la acción como la caracterización de los personajes es muy especial y de gran exigencia para todos ellos. Ahí van los nombres como reconocimiento. Junto al protagonista Israel Elejalde . Hay que citar a Jesús Noguero, Jimmy Castro, Francisco Reyes, Inma Cuevas, Juan Paños Y Manuel Pico. ¡Muy destacado trabajo individual y de conjunto!.

-Es el momento del ‘pero’. La duración excesiva y las dimensiones estiradas de una buena parte de las escenas. A pesar de ello, algunas de ellas son memorables. Pero me voy a meter donde no me llaman. Creo que si Miguel del Arco, como director, recibe este texto sin estar escrito por él, habría utilizado bastante las tijeras.

-Como conclusión, es de justicia dejar claro, y reiterarlo, el reconocimiento, el cuidado, valentía, y la calidad de esta muestra escénica realizada en todos los aspectos, incluyendo la manifiesta intención de avanzar por caminos poco transitados.