DAVID BARBERO

-Es difícil de entender cuáles han podido ser las razones  por las que profesionales con tanta experiencia como Emilio Aragón y Antonio Banderas han elegido el veterano musical ‘Goldspell’ para intentar resucitarlo en la actualidad.

-Este musical se estrenó allá por el comienzo de la década de los setenta del siglo pasado. Ni siquiera entonces consiguió un éxito destacado, a causa de su poquísima acción, su carácter discursivo, la carencia de argumento y la reiteración de explicaciones de las parábolas evangélicas, recogidas en el evangelio de San Mateo.

-Tampoco Emilio Aragón, que se ha responsabilizado de la adaptación, la actualización y la dirección escénica, ha logrado efectos positivos en esos terrenos, a pesar de mostrar un gran entusiasmo teórico y emocional por esta obra. Ni han colaborado mucho en esa dirección los planteamientos técnicos ni lumínicos y escénicos de la puesta en escena.

-Hay que reconocer, sin embargo, que, en la presentación de esta obra estar tarde en el teatro Campos Elíseos de Bilbao, el numeroso público asistente ha aplaudido con entusiasmo al finalizar la representación  y también ha interrumpido con aplausos en varias ocasiones. Lo que quiere decir que mayoritariamente no comparte la opinión negativa expuesta en los párrafos anteriores.

-En esta representación, han intervenido diez intérpretes de ambos sexos, todos ellos muy jóvenes, que han demostrado una entrega incondicional y entusiasta a su labor. También han evidenciado una notable preparación y capacidad interpretativa. Quizá mayor en los aspectos de voz y movimiento que en el desarrollo de los diálogos.

-Esta subjetiva valoración me ha llevado a pensar, mientras caminaba tras la representación hacia mi domicilio, en la siguiente reflexión, que expongo como mera impresión sin haber profundizado lo suficiente sobre ello. Lo hago por si puede provocar algún intercambio de opiniones con quienes tengan una opinión más madura y más elaborada.

-Lo expongo a modo de pregunta, aunque sea demasiado extensa. ¿Está pasando ya con los musicales lo que viene sucediendo, desde hace mucho más tiempo, con las óperas, que se repiten y se repiten a lo largo de los años, a pesar de responder a sensibilidades de un tiempo pasado, hechas con la mentalidad, los gustos, las ideas y los problemas de entonces, en lugar de presentar propuestas actuales, creadas ahora que respondan a los problemas, los gustos, las inquietudes, las técnicas y las preocupaciones de este momento?

-Pido de nuevo disculpas por las dimensiones de la interrogación.

DAVID BARBERO

-Sé que lo voy a tener que explicar. Pero comenzaré diciendo que esta tarde he descubierto, de nuevo, la importancia del vacío. Lo he hecho en la sala La fundición de Bilbao donde la compañía de la coreógrafa y bailarina Matxalen Bilbao ha estrenado el espectáculo de danza ‘Hustu, elogio al vacío’.

-El objetivo de esta creadora, en esta pieza de danza contemporánea, no era descubrir el vacío existencial, o emocional o afectivo. Ha buscado visibilizar el vacío como objeto, como elemento de creación artística. Hacerlo presente. Sentirlo. Verlo. Darle cuerpo. Otorgar realidad al concepto de vacío. Concretar la vaciedad. Y además, entenderlo como fundamental, como importante, como próximo a la esencia. Al núcleo.

-No es un descubrimiento menor. Hay muchos prejuicios sobre el vacío. Incluso hasta ese organismo que pomposamente se autodenomina Real Academia de la Lengua, coloca la vaciedad como sinónimo de necedad, sandez, simpleza, tontería, bobada o nimiedad. Peor para ellos, tan ilustres, si lo definen así.

-Además, esta materialización, esta creación se ha realizado de una manera netamente artística, visual, sugerente, en movimientos rítmicos y atractivos. Esa es la manera como los asistentes a este estreno hemos podido conectar artísticamente con el vacío, darnos cuenta de su presencia, de su importancia, de su consistencia, aunque rodeada de su fragilidad, también de su inconsistencia, al ser móvil y etéreo.

-Esta pieza muestra el vacío como un elemento primordial, dinámico y activo, un lugar donde se operan las transformaciones, donde lo lleno alcanza su plenitud, donde encuentra sentido. El vacío está asociado a la fugacidad del movimiento y a la profundidad oculta de lo no desvelado. Un elemento que tiende a evocar más que a revelar.

-‘Hustu: elogio al vacío’ Ha sido esrenado esta tarde en la sala La Fundicion de Bilbao. Se trata de un dúo coreografiado e interpretado por Matxalen Bilbao y Natalia García Muro. Ha sido definida como una pieza austera, sin adornos ni elementos superfluos.

-Las creadoras han evidenciado también una intención político-poética como denuncia de la tendencia actual a llenarlo todo con un consumo rápido, con exceso de ruido y con ausencia de de contenido. Es decir, lo contrario del auténtico vacío.

-El equipo creador completo de esta pieza ha estado formado por las siguientes personas: En la dirección, Matxalen Bilbao; En la coreografía e interpretación, Natalia García Muro, Matxalen Bilbao. El espacio sonoro es de Mikel R Nieto; el diseño de iluminación, David Alcorta. Los textos de Aintza Uriarte. La fotografía y el video de Jesús Robisco y los audiovisuales de María Etxaide.

-Con esta pieza, Matxalen Bilbao, que está de aniversario en su destacada trayectoria artística, se consolida como una profesional con ideas y estilo propio, como una creadora que posee su universo artístico y coreográfico, que sigue desarrollando un camino coherente de investigación y auto-exploración del cuerpo y el movimiento, y que sigue desarrollando también una importante labor educativa y de difusión.

-Añado una nota un tanto colateralmente. He dicho al principio, que he vuelto a descubrir el vacío. Me refería a que hace ya unas cuantas décadas lo encontré también en otra disciplina artística. Fue con la obra, y las explicaciones directas, del inolvidable Jorge Oteiza. Él lo llamaba desocupación.

-Por esa razón, me ha hecho especial ilusión el hallazgo de esta tarde en danza contemporánea, en la sala de La Fundición.

DAVID BARBERO

-Esta tarde noche, es decir hace muy poco, he asistido en el teatro Arriaga de Bilbao a uno de los acontecimientos teatrales que más interés ha provocado en los últimos tiempos en todo el territorio español. No es sólo que las entradas aquí se habían agotado hace mucho tiempo. Eso mismo está sucediendo en todas las ciudades.

-El contenido de la pieza queda reflejado en el simbólico título. Analizar lo sucedido alrededor de esa emblemática fecha del año 1936, el comienzo de la guerra civil española. Hacer una revisión histórica sobre el episodio de la Guerra Civil Española y su época precedente, el levantamiento militar del general Franco, el periodo anterior de la II República y las consecuencias posteriores.

-Desde un punto de vista formal, la pieza es abrumadora. Yo he puesto impresionante. Durante cuatro horas, van apareciendo numerosas escenas, variadas, complementarias, relacionadas, quizá suplementarias, has completar el buscado puzle. Yo lo he llamado mosaico. Hay tanto cuidado en la elaboración de esas piezas, o escenas, como en relacionarlas o completarlas o llenar sus significados.

-Son 8 los infatigables actores en escena para presentar a más de cuarenta los personajes. A quienes tienen que dar vida, cambiando de rol, de situación y de circunstancia en tiempo récord. Los interpretes son los siguientes: Antonio Durán «Morris», Alba Flores, Natalia Hernández, María Morales, Paco Ochoa, Blanca Portillo, Guillermo Toledo y Juan Vinuesa. Todos ellos interpretes de primera línea. Y todos demostrando una calidad, una entrega y una calidad de muy alto nivel.

-Todos ellos dirigidos, con mucho detalle, por Andrés Lima, que además de la dirección escénica ha estado presente en el equipo de autores y dramaturgos compuesto por Albert Boronat, Juan Cabestany y Juan Mayorga. Importante la labor de este grupo y su coordinación para realizar esta ópera de grupo.

-A todos ellos, hay que sumar los integrantes del Coro de Jóvenes, unas veinte voces y figuras conjuntadas, en un espectáculo coral hecho con los espectadores rodeando el escenario a cuatro bandas y muy cerca de los artistas.

-Hay que señalar que este trabajo ha estado precedido y camina en la misma dirección que otras dos piezas precedentes, dirigidas también por Andrés Lima, Shock 1 (El cóndor y el puma) y Shock 2 (La tormenta y la guerra). En todas ellas, se parte del propósito de analizar en profundidad destacados acontecimientos políticos y sociales para descubrir cómo hay oscuros intereses que los desencadenan, dentro del desarrollo del capitalismo más inhumano.

-Por el escenario desfilan, nde este espectáculo-investigación, personajes históricos como Franco, Queipo deLlano, Azaña, La Pasionaria, Miaja, Vicente Rojo, Calvo Sotelo, Clara Campoamor, Ramiro de Maeztu, George Orwell, Largo Caballero, Mola, Yagüe, Juan March, José Antonio Primo de Rivera además de numerosos trabajadores anónimos, terratenientes, milicianos y falangistas.

-La recreación del ambiente de la guerra civil y de los tiempos próximos se realiza a través de la escenografía y el vestuario de Beatriz San Juan; la iluminación de Pedro Yagüe; la videocreación de Miquel Àngel Raió; la composición musical de Jaume Manresa; el espacio sonoro de Kike Mingo, y la caracterización de Cécile Kretschmar.

-Según la intención manifestada por los creadores, no se trata de insistir ‘en la dicotomía de los vencedores y los vencidos, de los amigos y enemigos”, sino en la búsqueda de “que el espectador reflexione, que lo adolescentes y jóvenes comprendan, y que todos podamos ponernos en el lugar del otro”. Sin embargo, en el aspecto ideológico el análisis histórico ha provocado polémica. Al referirse a acontecimientos históricos todavía recientes, ha provocado la aparición de opiniones que los valoran de forma diferente e incluso antagónica.

En el aspecto teatral y escénico, el planteamiento se puede considerar innovador, arriesgado, provocador, en momentos lleno de humor e ironía. La obra tiene hallazgos dramatúrgicos memorables. Está cuidadamente dirigida desde el punto de vista formal y cuenta con interpretaciones destacadas. Se disfruta por su vistosidad, su sentido de la composición y del movimiento, su fantasía en el planteamiento de las escenas y sus soluciones interpretativas.

-Se trata de un proyecto artístico fruto del compromiso artístico, de la investigación y del riesgo. Surge de un complejo proceso de creación colectiva e investigación larga, promovido por un amplio equipo artístico y técnico, integrado por dramaturgos, intérpretes, diseñadores de iluminación, vestuario, escenografía, música, sonido, videocreadores, quienes ha realizado talleres de investigación con historiadores y con testimonios reales.

-Una muestra de lo que se puede conseguir con el teatro.

DAVID BARBERO

-Esta tarde-noche, he asistido a una manifestación cultural que me ha hecho pensar en la evolución de la cultura. En los cambios. En la transformación. En las distintas perspectivas y valoraciones artísticas o sociales.

-He asistido a una representación emblemática, potente, absoluta, ambiciosa, basada en propósitos de totalidad, en planteamientos sólidos, con aspiraciones de eternidad. Diferente a las muestras artísticas y culturales directas, inmediatas, ligeras, hábiles, atractivas, multicolores y efímeras de la actualidad.

-Esta tarde-noche, hasta bastante avanzada, es decir, hasta hace un momento, he asistido a la representación de  ‘Tristán e Isolda’, en el palacio Euskalduna de Bilbao, dentro de la programación de la temporada número 73 de la ABAO.

-Tristán e Isolda’ está considerada, por muchos entendidos, como la cumbre de las composiciones de este músico alemán. Y Richard Wagner, también para muchos, es el más grande de todos ellos. Ambos son símbolos de un tiempo y una concepción, cultural e ideológica, distinta a la actual.  Así que permitidme realizar un panegírico de este acontecimiento.

-‘Tristán e Isolda’ es una gran obra maestra en todos esos sentidos señalados. En el contenido y en las formas. Creada de acuerdo con las rigurosas normas que el propio autor había estudiado y concebido con una exigencia máxima y con criterios de eternidad. También con elevadas ambiciones sinfónicas y musicales. Las voces las concibe como instrumentos solistas unidas a la orquesta en un torrente musical incesante, para completar un resultado artístico global. En cuanto a la historia, también todo es llevado al límite. El amor imposible de Tristán e Isolda se recrea en términos que rompen moldes hacia lo absoluto y llegan a la tragedia más memorable.

-La Orquesta Sinfónica de Bilbao ha estado en esta ocasión dirigida por Erik Nielsen. De la dirección de escena se ha encargado Allex Aguilera. Los interpretes principales han sido Oksana Dyka, Gywn Hughes, Marko Mimica y Daniela Barcellona.

Wagner, con esta obra y con el resto de sus composiciones, puso en practica sus profundos análisis teóricos en el campo musical, que se extienden a la concepción de la cultura en general con consideraciones filosóficas y sociales. Su reflexión incluía una crítica al pasado junto a la visión de lo que podría ser un nuevo tipo de espectáculo teatral total.

-No debo meterme en más disquisiciones abstractas para exponer mi satisfacción y mi gratificación artística por haber disfrutado de esta representación, construida según cánones que ahora no se ejercitan con esos mismos criterios.

-Ya he indicado más arriba que deseaba dejar constancia de haber asistido a un muy destacado acontecimiento musical y cultural esta tarde noche al presenciar y disfrutar de la interpretación de ‘Tristán e Isolda’ de Richard Wagner en el palacio Euskalduna dentro de la programación de la 73 temporada de opera de la ABAO.

-Un acontecimiento por el que hay que estar agradecido a quienes nos han precedido.

DAVID BARBERO

-En el título de este comentario, no me ha cabido más que el título de la obra cuyo estreno en castellano he presenciado esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao. Así que me veo obligado a utilizar este primer párrafo para dar, desde el principio, alguna pista sobre la buena impresión que he sacado de este estreno.

-Adelantaré los tres motivos principales en que se basa esa buena valoración. Existe una extraordinariamente eficaz comunicación sobre el tema tratado, el de la muerte. Hay un desarrollo narrativo itinerante, ágil y dinámico, muy apropiado para el carácter de la historia y el ambiente que se expone. Destaca también la interpretación, que en esta pieza no lo tiene fácil a causa del ritmo ya aludido y de la intencionada ‘indefinición’ de los personajes, para conseguir una generalización  del tratamiento.

-Aclararé que ayer la obra se estrenó en euskera. A ese idioma, corresponde el breve título de ‘Adiorik ez’. En castellano, en cambio se alarga hasta. ‘Ni flores, ni funeral, ni cenizas, ni tantán’.

-Me ha parecido que esta pieza y su puesta en escena demuestran la calidad y la madurez adquirida por María Goiricelaya, que es la autora y la directora de la misma. Por una parte, se evidencia su capacidad para tratar teatralmente asuntos importantes y de interés para la gente. Además, queda clara su habilidad para exponerlos teatralmente.

-En este punto, deseo destacar el carácter innovador de su trabajo en el tratamiento escénico. La acción de esta pieza se desarrolla a lo largo del camino de Santiago. Eso es reflejado, por las localizaciones, por las proyecciones, y también por un original planteamiento narrativo, que podíamos calificar de itinerante continuo. Además, cuida de uno modo especial la relación de las proyecciones y lo que sucede sobre el escenario.

-El asunto elegido tiene profundidad y gran interés humano. La enfermedad, la cercanía de la muerte, la despedida, la manera de irse, las atenciones paliativas. Es un asunto difícil de tratar. En este aspecto, ya he destacado cómo se logra transmitir la emotividad. Con gran mérito, porque las escenas son muy variadas en todos los sentidos. También contribuya el muy cuidado ritmo y la eficacia de los diálogos.

-Tienen especial incidencia las circunstancias cronológicas en las que esta pieza fue ideada y escrita. Tuvo lugar dentro de las Residencias del Centro Dramático Nacional en Madrid durante la temporada 2021-2022. Recordad las fechas de la pandemia para entender la situación con exactitud.

-Buen recurso narrativo el de llevar este grave asunto a desarrollarlo a través de un viaje emblemático como es el recorrido del camino de Santiago. Propicio a la reflexión, al pensamiento introspectivo, también a la comunicación cercana y cómplice. Lo sé por experiencia de haber gastado bastantes botas en ese recorrido. En ese sentido, he apreciado un tratamiento adecuado, con reconocibles alusiones humorísticas e irónicas.

-El viaje, el recorrido, la caminata de un padre y una hija, en esas complicadas circunstancias, dan consistencia a esa historia íntima de dificultad, de conflicto interno, de lucha, de superación, también de tristeza, de afecto, de compañía solidaria.

-Quizá en un tratamiento teatral ortodoxo, se pueda echar en falta una profundización del conflicto dramático. Pero está compensado con otros muchos elementos escénicos.

-Especialmente destacable la labor interpretativa, el viaje dramático, poliédrico y multiforme que realizan Ane Picaza y Pacho Tellería. Ellos asumen la interpretación de los dos personajes protagonistas. También es de justicia alabar el trabajo, múltiple y con cambios rapidísimos, de Aitor Borobia, Loli Astoreka, Egoitz Sánchez e Idoia Merodio. Ya he señalado más arriba el especial mérito interpretativo que tiene esta pieza.

-En esta representación, tienen especial importancia las proyecciones elaboradas por el estudio Gheada, la escenografía eficaz y dinámica de David Pascual, la iluminación de David Alkorta, el espacio sonoro de Ibon Aguirre y el vestuario de Daniel F. Carrasco. En una cuidada producción de la compañía La Dramática Errante, con la colaboración del propio Teatro Arriaga.

-Con todo esto, ratifico la muy buena valoración que he sacado de este estreno. Además, he comprobado que esa impresión ha sido compartida, ya que el público, muy numeroso, lo ha manifestado con los aplausos, entusiastas, puesto de pie.