David Barbero

-Para continuar con el tono laudatorio del título de este comentario es preciso decir que el espectáculo ‘ Titizé, un sueño veneciano’ que ha comenzado esta tarde a presentarse en el Teatro Arriaga de Bilbao es una muestra fantástica, visual, poética y emocionante, que invita al público a viajar a un universo de ensueño y acrobacias increibles.

Está creado por la prestigiosa Compagnia Finzi Pasca y por su visionario director que le da el nombre. Reúne a once artistas en una puesta en escena fascinante donde el clown, el lenguaje corporal, la música, las acrobacias y sorprendentes máquinas escénicas dan vida a una imaginada Venecia mágica y onírica.

Además, se da la circunstancia de que su gira por la península ibérica  comienza en este teatro y en esta villa. Está escrito y dirigido por Daniele Finzi Pasca y realizado en colaboración con el Teatro Stabile del Veneto. Titizé es un homenaje a la ciudad de los canales y, al mismo tiempo, una celebración de la capacidad humana de soñar y maravillarse.

El propio título, «Titizé», nace de un juego fonético con «tu sei» —«tú eres» en italiano—. Una palabra inventada, rítmica y abierta que, según explica el creador de la obra, pone el acento en la identidad,  en la esencia  y en una experiencia pensada para públicos de todas las edades.

Artistas multidisciplinares dan forma al espectáculo a través de un repertorio de todas las técnicas circenses integrado en una dramaturgia eminentemente visual. Resulta una muestra completa y variada, que además se desarrolla rodeada de humor y de momentos musicales también de indudable calidad y gusto. 

El mástil chino de Luca Morrocchi abre paso a las acrobacias aéreas. A partir de ahí, despliega una sucesión de imágenes de una delicadeza casi onírica. Destacan los malabares de luz, protagonizados por arlequines y Polichinelas que convierten la escena en un divertido juego cómico. Si hay otra imagen, entre muchas. que define ese universo fantástico, es la de su sirena, con una espectacular cola de varios metros, qye se junta en un firmamento imaginario con los más sorprendentes objetos y seres voladores.

Venecia aparece envuelta en una luz y una atmósfera tan real como irreal. La magia comienza antes incluso de que se levante el telón: el público entra en la sala acompañado por el canto de las cigarras. Entre humo y reflejos cambiantes, la escenografía transforma el escenario en un paisaje imaginario que dialoga con la historia de la ciudad: desde el rinoceronte de los mosaicos de San Marcos hasta los elefantes que, en distintas épocas, recorrieron sus calles.

En definitiva, se trata de un espectáculo muy difícilmente explicable con palabras. Es preciso asistir para vivirlo y dejarse llevar por sus imágenes, sus colores, su ambiente y sus atmósferas. Es una placentera experiencia de la que estos día se puede participar, ya que, como decía arriba, el circo es maravilloso.

David Barbero

-He acudido esta tarde al auditorio de Azkuna Zentroa de Bilbao para presenciar la versión teatral de «Teoría King Kong» de Virginie Despentes, que es  una referencia del feminismo y la teoría de género. Ha estado representada por la compañía catalana La Virguería. 

Tengo interés en señalar, desde el principio, que el espectáculo ha sido escuchado con gran atención y al finalizar ha sido reconocido por aplausos  unánimes y entusiastas. Deseo dejar constancia de ese dato, por si en este comentario, no me muestro tan entusiasta en sus aspectos estrictamente teatrales.

‘Teoría King Kong’ es un ensayo que se publicó, en forma de libro, hace ahora veinte años. La autora expone sus experiencias para hablar sin tapujos, en forma autiobiográfica, sobre la prostitución, la violación, la represión del deseo, la maternidad y la pornografía. Su intención es criticar o poner en duda los presupuestos y principios patriarcales de la sociedad actual. El texto invita al cambio y a la evolución. Habla de explotación, de violencia, de libertad y de capitalismo. 

De justicia es reconocer que su estilo es ágil, atractivo y dinámico. Asimismo demuestra valentía en la exposición de los hechos, perspicacia en el análisis de las situaciones y sus causas, así como en la exposición de las características sociales de la situación en que se encontraban las mujeres en las décadas aludidas y continúa en la actualidad.

Esta versión teatral está firmada M. Àngels Cabré, interpretada por Maria Pau Pigem y dirigida por Isis Martín. Esta versión mantiene el texto del ensayo en su literalidad y su estructura expositiva o narrativa, por lo que convierte en un recitado del texto con tonos y gesticulación dramatizada.

Se introducen breves movimientos o efectos, sin correspondencia de acciones acciones efectivas. Pero lo que destaca negativamente es el mantenimiento de un texto sin estructura dramática, sin que existe un objetivo escénico ni una curiosidad dinámica, ni acciones en favor y en contra, que se considera propio del texto dramático.

De justicia es señalar, en este punto, que todo esto no resta mérito al trabajo interpretativo de la actriz que encarna el papel de la autora del libro, ni la labor de la directora que se esfuerza por llenar esos vacíos.

La compañía La Virgueria da un paso más hacia la utilización de los elementos escénicos para reivindicar el feminismo como revolución, maximizando efectos teatrales como la cámara en directo, el vestuario, la iluminación, los ambientes sonoros o las  proyecciones.

Ha quedado dicho arriba que el público asistente ha aplaudido generosamente el trabajo presentado.

David Barbero

-Esta tarde he conocido, en el teatro Barakaldo, a dos cómicas descaradas, diferentes,y eficaces. Se llaman Elena Donzel y Mari Marcos. Forman parte del grupo, o de la compañía o del dúo ‘Las couchers’.

-Lo fundaron durante la todavía reciente pandemia en el año 2021. Eso seguramente imprime carácter. Se dedican al descarado género de teatro auto llamado sanador. Trabajan sobre las preocupaciones y problemas cotidianos. Se basan en las técnicas de clown, en el lenguaje corporal, sobre el concepto de juego y con mucha improvisación, además de un evidente criterio circense.

Su espectáculo, titulado ‘Charlas de azucarillo’, tiene el formato, de charla motivacional. Se muestran como personajes excéntricos, vulnerables y divertidos. El objetivo manifiesto es hacer feliz al público. Desarrollan técnicas hilarantes para conseguir la paz mental y el amor, haciendo participes a los asistentes de dichas técnicas.

Esta obra ha recibido, entre otros, el premio a Mejor Intérprete de Circo de las Artes Escénicas Valencianas y ha estado nominada a Mejor Espectáculo de Circo. Saben que el público ha sido afectado por una sucesión de accidentes en la vida, y le aplican su fórmula cómica curativa. Este remedio es una mezcla entre la posmodernidad y la más antigua tradición, en clave de humor desparramado.  

La propuesta juega con personajes excéntricos, vulnerables y divertidos, que hablan de paz mental, amor y felicidad desde un discurso en el que aparecen contradicciones que también resultan curativas además de humorísticas. A través de esa mirada cómica, cuestionan lo agotadora que resulta esa búsqueda de bienestar. Lo hacen desde una puesta en escena que mezcla palabra, presencia física y ritmo teatral acelerado.

  Desde el primer momento, el público se convierte en partícipe de lo que vaya a suceder en escena. Las dos actrices son expertas entrenadoras de lo emocional, acompañadas por  el invisible aunque presente Salvador, van a mostrar la salida a esas crisis que arrastran todos y todas, pero que no se atreven a reconocer.

Con una comicidad disparatada, se va caminando entre la ironía, el chascarrillo y el chiste fácil, la sátira y el humor de todos los colores. Las dos ‘payasas’ van poniendo al descubierto la fragilidad del ser humano, con su grandeza y su miseria, sus contradicciones, sus deseos,  sus sueños y sus fracasos. También van jugando con las exageraciones, las repeticiones, los juegos de palabras, las comparaciones, las metáforas de andar por casa. Desmontan esos universos artificiales de la autoayuda.

Como os decía al principio, éste ha sido el descubrimiento de esta tarde en el Teatro Barakaldo, hasta donde he acudido a presenciar, o participar, en su espectáculo titulado ‘Charlas de azucarillo’. Ha sido un hallazgo gratificante. Y seguramente útil.

¡Ah! Según mis cortos conocimientos de francés, la expresión ‘coucher’ puede tener diversas acepciones. Y no sé con cual quedarme.

David Barbero

-Tengo interés en explicaros la situación. Hace casi dos semanas presencié, en el teatro Arriaga, el estreno de la obra de teatro ‘Bizipoza’, escrita en euskera por Patxo Tellería que también realiza la puesta en escena , e interpretada por Olatz Ganboa, Josu Angulo, Jone Irazabal, Itxaso Gil y Aioa Sedano. Tiene música original de Adrián García de los Ojos, y vestuario de Betitxe Saitua.

-Dada mi falta de conocimiento del euskera, pude lograr un conocimiento muy reducido del contenido y las características formales de esta pieza cómica, aparte de aspectos concretos sobre buen buen ritmo, su cuidada interpretación y otras circunstancias más exteriores.

-Esta tarde, he acudido a Pabellón 6 de Bilbao, donde ahora se sigue representando con el mismo texto también en euskera, con la misma dirección y los mismos intérpretes. Yo estaba en una disposición distinta no sólo porque contaba con mi muy escaso conocimiento previo. Sino sobre todo porque he tenido ocasión de leer el texto en castellano de la obra, lo que me ha permitido tener una compresión total y también un disfrute completo. ¡Ah! Debo añadir otra diferencia. En pabellón 6, la distancia entre el público y el escenario es más reducida, lo que también influye en la percepción, aunque no lo parezca.

-Todo esto me ha llevado a la sensación que he expresado ya en título de este comentario de relacionar esta pieza con el buen arte de la comedia que ya había percibido en otras obras de Patxo Tellería e interpretada por estos actores. 

-En el fondo está un juego inteligente de un autor y unos intérpretes con las percepciones y los datos que se van dando sobre la acción. Se basa en ir sorprendiendo, en hacer creer que la acción por un camino, cuando la realidad es muy otra. En el momento en que el espectador se da cuenta e intenta ir por el camino que cree correcto, se le vuelve a ‘engañar’ escénicamente, sorprendiéndole con otra novedad y haciéndole creer que esta ver ha descubierto la verdad de los hechos, hasta que el siguiente giro de la trama le vuelve a sorprender.

-He utilizado el calificativo de inteligente para este engranaje de elementos escénicos, porque todos deben encajar a la perfección, a un ritmo endiablado, sin que existan errores y sobre todo sin que parezca que los hay. Lo importante es que el espectador se mantenga enganchado constantemente ya que en cada descubrimiento sorpresivo, debe arrancar otro interés que mantenga el interés hasta una nueva sorpresa. Y así sucesivamente hasta el momento final.

-Otro elemento fundamental, también usado con habilidad por Tellería, es el lenguaje. Siempre rápido, intencionado, comprensible a la primera, con frases y parlamentos breves. Sin momentos de relajo, sin riesgo de confusión o motivos para distraerse. En todo este ejercicio, importan los contenidos de las expresiones. Pero también la manera de decirlas, especialmente el ritmo. A veces, enfatizando un silencio anterior, para terminar con la palabra deseada y con el tono adecuado para provocar el efecto cómico.

-Todo esto es lo que he percibido en esta hábil pieza cómica que tiene como fondo la persecución de la felicidad y el deseo encontrar satisfacción en la vida propia y en las de los seres cercanos. Para ello, ha habido una conjunción de calidad y esfuerzo, en la misma dirección, de todos los elementos implicados, todavía más visibles en buena sintonía de la autoría, la dirección y la interpretación. En este último aspecto, ya he señalado arriba el buen trabajo realizado por las cuatro actrices y el actor citados. De justicia es reiterarlo.

-Debo insistir en que no sólo lo he percibido yo, sino que todo el público, tanto en el estreno del teatro Arriaga como el que ha acudido a Pabellón 6, ha respondido de modo unánime con sus sonoros y cálidos aplausos.

David Barbero

-He acudido a ver esta obra pensando precisamente en  doble título que incluye esa, por lo menos aparente, contradicción de un pesimismo que sea a la vez alegre y que termine en suicidio. Son los dos títulos que el propio autor,  Henri Roorda,  puso a su texto original. Además respondía a lo que hizo en su vida real. No se quitó la vida dominado por la tristeza o la desesperación, sino por una decisión meditada y racional, aunque también apasionada y llena de rechazo y protesta, ante el destino irremediablemente materialista que auguraba al ser humano y, por ende, a la sociedad.

Desde su concepción, era un relato testimonial, una epístola cínica, un ensayo crít5ico y hasta sarcástico, un autorretrato poético o quizá un experimento literario vanguardista y macabro, que ahora se traslada al escenario para ser vivido de forma más directa. De la interpretación se responsabiliza Mario Gas, quién también ha participado en la dramaturgia en unión con Vicky Peña y Fernando Bernués, que a su vez se ha responsabilizado de la dirección escénica y la escenografía.

El autor era profesor de matemáticas en Suiza y lo escribió como epitafio antes de cometer la promesa: quitarse la vida. En contra de lo que parece en la superficie,  puede entenderse como un canto a la vida digna, sin cuentas pendientes ni reproches a lo vivido, y también como un lúcido análisis humanista sobre la sociedad en la que seguimos viviendo

El suicidio que propone Roorda es un final ético que la sociedad prohíbe. Abre la puerta a una reflexión moral sobre la ancianidad, el irse antes de la enfermedad insoportable, o de las circunstancias de la sociedad capitalista que limitan la dignidad humana. Habla del trabajo como máquinas, de la educación, de la sensualidad, de la previsión social, de la riqueza, y del amor entendido como ternura, para completar su balance también emocional.

El acierto de este planteamiento con su sencilla y bonita propuesta es evitar las proclamas facilonas y superficiales para mantenerse fiel al espíritu vitalista y descreído que tiene el texto, dejando que aflore el ingenio del autor y la belleza literaria que hay en muchas de sus reflexiones. Ese “vitalismo” podría resultar inesperado en alguien que planea quitarse la vida; pero que está inequívocamente presente en el texto original.

El autor, y también el personaje escénico, es un profesor suizo de matemáticas. Escribió ese texto como un epitafio antes de cometer la promesa: quitarse la vida. Muy consciente de las difíciles connotaciones del tema, el suicidio, propone un final ético que la sociedad prohíbe. Es una reflexión moral sobre la ancianidad, el irse antes de la enfermedad insoportable, o de las circunstancias imposibles.

Fernando Bernués está a cargo de la dirección de esta producción en la que ya trabajaron juntos él y Gas con Tanttaka Teatroa en el año 2002. Más de veinte años después, vuelven sobre esta obra. 

En la interpretación de Mario Gas, destaca su contención cercana al tono académico, carente de emoción, planteado y ejecutado con innegable corrección, demostrando las cualidades que ha ejercitado en su prolongada carrera con actor, unida a la quizá más reconocida labor como director de escena.

Desde luego no seré yo quien tenga la osadía de discrepar de los planteamientos escénicos de los profesionales tan cualificados y reconocidos como los que intervienen y han preparado este montaje. Pero sí que diré que yo había imaginado a este personaje no tan correcto ni tan contenido sino con más fuerza emotiva, con más pasión y hasta con un punto de rebeldía y de denuncia en la toma de esa decisión tan radical. Sin embargo, acepto aquel dicho de que doctores existen y saben lo que debe hacerse.