DAVID BARBERO

-Con este título un tanto enrevesado he querido expresar la  buena impresión que he sacado sobre la obra que acabo de ver esta tarde en Pabellón 6 de Bilbao. Lleva el título de ‘La tuerta’. Su autor y director es el reconocido actor Jorge Usón, que esta vez no interviene. Todo el peso de la interpretación lo lleva María Jáimez.

-Por concretar, diría que me ha parecido una pieza original, diferente, sugerente, atractiva, peculiar, cuidada al detalle, divertida, interesante. Voy a repetir lo de original y lo de sugerente.

-Como ya he adelantado esa buena opinión, ahora mi obligación es justificar tales aseveraciones. Vamos a ello.

-Un primer motivo puede ser la originalidad del tema elegido por Usón. Parte de una doncella del barroco español sufre un accidente que la deja tuerta de un ojo en su primer encuentro de coqueteo amoroso. Llena de rencor por este percance, jura vengarse del amor eternamente. Si ella no puede amar nadie lo hará. Y esa  maldición se hace patente en Lucía, una bailarina del momento actual, además de otras cuantas jóvenes, curiosamente caracterizadas. Diría otra vez, originalmente caracterizadas.

-La originalidad, perdón por volver a repetirme, no está sólo en el tema elegido. Se halla sobre todo en el modo de tratarlo. La perdida de un ojo conlleva la incapacidad de ser amada. Se siente cómo el cuerpo entero se aja con el tiempo, y en su interior se abre una incertidumbre dolorosa, que da trascendencia al incidente y arruina toda la vida.

-Usón, en su texto, hace numerosas referencias a García Lorca, con lo que logra un tono poético que también engrandece esa ausencia y esa herida de amor. Así  el mensaje lírico y la desesperada añoranza llegan con más fuerza hasta el público. El texto tiene, además, una estructura fragmentada,que coloca la expresividad en cada uno de los sonidos.

-La actriz y también bailarina, María Jáimez, demuestra una potente energía, que encarna con una vitalidad inasequible al desaliento los reveses incesantes que sufre en las varias vidas que va encarnando. Realiza una exhibición de sus cualidades, su fuerza expresiva y su versatilidad.

-Durante la obra da vida a varios personajes, demostrando un gran  dominio expresivo y gestual, además de sumar la complejidad de tener que enfrentarse a un espacio teatral completamente vacío, sin más ‘escenografía’ que una  simple venda. El resto de los elementos son creados por el imaginario de la propia  actriz y por la ilusión que genera o provoca en el espectador. Sin lugar a dudas lo más destacable de la  obra es su capacidad interpretativa, así como la minuciosidad y el cuidado de cada uno  de sus movimientos, de los gestos, de las expresiones, de los tonos de voz que, en ocasiones, parecían intencionadamente propios de una marioneta.

-Expresamente deseo señalar también todos esos adjetivos que he colocado al principio, se los atribuyo a Ana Bruned, responsable de la caracterización; A Alejandro Andújar, que ha diseñado el vestuario y ha idea ideado la escenografía limpia; a Juan Gómez Cornejo, por su iluminación, También a Mariano Marín y a Torsten Weber, por la música.

-Hay que hacer también alusión a compañía productora de este espectaculo. Nueve de Nueve Teatro es de origen aragonés fundada en el 2010. En ese mismo año, obtuvieron su primer éxito  con Cabaré de Caricia y Puntapié. En 2016 produjeron La Extinta Poética de Eusebio Calonge.  En 2018, estrenaron el esperpento musical multipremiado Con lo Bien que Estábamos (Ferretería Esteban) dirigida y escrita por José Troncoso y música original de Mariano Marín. Y en la actualidad están con este su último trabajo La Tuerta, ópera prima como autor y director de Jorge Usón.

-En consecuencia, si alguien todavía no está siguiendo las propuestas escénicas de este grupo, creo que debería pensárselo y comenzar a hacerlo cuanto antes.

DAVID BARBERO

-He señalado intencionadamente, en el título de este comentario, que ‘Chicago’, el musical que he visto esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao, tiene todas las características, las formas, las cualidades y el mismo montaje de las representaciones que se realizan en Broadway de Nueva York en los mismísimos Estados Unidos de América del Norte.

-Lo dice la publicidad que anuncia el espectáculo y es cierto. La productora española SOM, que lo mueve aquí, garantiza con toda seguridad esa fidelidad.

-Incluso puedo contar la anécdota que he presenciado al salir esta tarde noche del teatro. Estaba comentando yo con un amigo la buena impresión recibida en este montaje y él me ha contestado que le ha parecido tan auténtico que se iba a frotar los ojos para comprobar si se hallaba en la plaza del Arriaga o en el mismo New York.

-Esta fidelidad y esta garantía de calidad viene garantizada por la obligatoriedad de que todas las representaciones, fuera y dentro de Estados Unidos, se realicen imitando las producciones originales hasta en los más mínimos detalles.

-Esto sin duda es muy bien recibido por la práctica totalidad de los espectadores. Prueba de ello, es que se destaca en la publicidad para conseguir más audiencia. Hay que reconocer también que esa exigencia es una garantía de autenticidad.

-Pero tampoco faltan algunos curiosos que preferirían que se dejara libertad a los directores y artistas locales para realizar sus propias versiones en bien de una mayor variedad.

-Quizá también se pueda encontrar otro inconveniente a esa uniformidad de los montajes en las diferentes condiciones y dimensiones de los escenarios en los que se representa. Lo que es posible motivo de algunos desajustes.

-Tres de los grandes nombres del teatro musical norteamericano están en la base de esta enérgica, ácida y, al tiempo, divertida propuesta: John Kander (música), Fred Ebb (letras y libreto) y Bob Fosse (coreógrafo original, director y guionista, y autor del libreto). La representación que aquí se representa, tiene como director residente a Victor Conde, y la dirección musical corresponde a Andreu Gallen. A ellos, hay que reconocerles, por lo tanto, las destacadas cualidades de la misma.

-El argumento, como es sabido, cuenta con más protagonistas femeninas, gira en torno a los problemas, reivindicaciones y aventuras de Roxie Hart, una cantante y bailarina de cabaret, y ama de casa, que hasta tiene tiempo de buscarse un amante. Apasionada hasta la médula, cuando éste decide abandonarla, Roxie acaba dándole muerte y, como consecuencia de ese delito, da con sus huesos en la cárcel.

-Una oportuna elección de abogado defensor, marrullero y manipulador sin escrúpulos, va a ayudarle a desviar el asunto ante la opinión pública y a hacer que los medios de comunicación busquen en los más recónditos resquicios del suceso para dar titulares que sigan poniendo a la acusada en el ojo de todo el mundo que, finalmente, acabará viéndola como  una víctima.

-Cambiando nombres y algunos matices, podría considerarse de plena actualidad, donde abundan los casos de tales corrupciones, engaños y abusos. Eso puede ayudar a trasladar al patio de butacas el aire canallesco, corrupto y, a pesar de todo, también humorístico de cuanto sucede en escena y en la realidad.

-Es preciso destacar la excelente calidad de las protagonistas, actrices, cantantes y bailarinas Silvia Álvarez (la atrevida Roxie Hart), Ela Ruiz (Velma Kelly, su compañera de celda). Pero el mismo elogio se puede ampliar al resto del amplio elenco, que destaca por su versatilidad y por un intenso trabajo durante toda la representación.

-En consecuencia, se puede definir este ‘Chicago’ como un excelente, interesante y divertido musical, al estilo Broadway, quizá con algunas deficiencias en el planteamiento escénico y en el vestuario.

DAVID BARBERO

-Os confieso un sentimiento personal. Esta tarde, me ha disgustado no saber euskera. Os explico porqué. He acudido al Teatro Arriaga para ver el estreno de la obra ‘Heisenber’, que, al menos de momento, sólo se representa en euskera. Tenía interés en entenderla de modo completo. Pero me ha sido imposible.

-Así que sólo os puedo contar los motivos de mi interés. Sabéis que Werner Karl Heisenberg fue un muy famoso físico teórico alemán, pionero de la mecánica cuántica, por lo que recibió el premio nobel. En 1927, formuló el también famoso principio de incertidumbre.

-Este principio, en esas abstracciones de lo cuántico, habla de la imposibilidad de medir con exactitud la posición y los movimientos de las partículas. Lo que, metafóricamente, crea en ellas una incertidumbres, que, siguiendo la metáfora, podría ocasionar angustias vitales, ademas de ocasionar relaciones impredecibles.

-No voy a dar más explicaciones, porque se notaría todavía más mi ignorancia, también en este tema.

-De esto va la obra de teatro que se ha estrenado hoy en el teatro Arriaga, escrita por Simon Stephens, dirigida ahora por Fernando Bernués e interpretada por Naiara Arnedo y Ramón Aguirre, que han realizado un muy cuidado trabajo.

-He dicho que de esto va la obra. Pero con una notable diferencia.

-Esta notable diferencia es , en lugar de aplicar el principio de incertidumbre a las moléculas en el plano cuántico, lo hace, metafóricamente, en la vida cotidiana de las relaciones entre las personas de carne y hueso.

-Ese proceso de incertidumbres y de falta de control sobre lo que pueda suceder arranca con una equivocación. Una mujer, en el comienzo de los cuarenta años, confunde a un señor, septuagenario, con su padre, que había ya fallecido. Dada la imposibilidad de predecir los caminos de la vida, según ese principio, los derroteros de esa relación pueden ir por caminos insospechados.

-No me digáis que no es un planteamiento apasionante para un texto teatral. Así que os explicáis, supongo, mi disgusto al no haber podido descubrirlo en su plenitud por mi desconocimiento del euskera.

DAVID BARBERO

-No voy a exagerar. No diré que he ido esta tarde de domingo a ver el espectáculo ‘Alice’ de Momix, en el teatro Arriaga de Bilbao, sólo para analizar la adaptación del texto. He ido a divertirme, a sorprenderme, a pasarlo bien, a maravillarme por este sorprendente montaje de una compañía internacional tan acreditada como esta.

-Es de dominio público que los espectáculos de Momix son extraordinariamente atractivos. Son una magnífica mezcla, o mejor simbiosis, de teatro, música, danza, acrobacia, magia, fantasía e ilusión. Todo ello se confirma en este espectáculo bajo la dirección artistica de Moses Pendleton, con la maestra de ballet, Victoria Mazzarelli, y las marionetas de Michael Curry.

Todos los integrantes de Momix logran que sus espectáculos se conviertan en una aventura artística apasionante en la que te puedes encontrar con las sorpresas menos esperadas y las imágenes más atractivas.

Pero permitidme comentar el aspecto concreto de la adaptación. Tengo ese interés quizá por deformación profesional. La función está basada en la famosa obra ‘Alicia en el País de las Maravillas’ de Lewis Carroll, Pendleton, adaptador además de director artístico,  ha ideado un espectáculo polifacético que combina todos los elementos escénicos, además de ilusión, acrobacia y fantasía, y que recuerda los momentos más imaginativos de esa mágica y deslumbrante historia.

Sus palabras textuales: «No pretendo volver a contar toda la historia de Alicia, sino utilizarla como punto de partida para la invención». «Quiero respetar su esencia, pero la quiero llevar a términos que permitan la fusión de danza, iluminación, música, vestuario e imágenes proyectadas.»

Esta personal y libre adaptación presenta a una Alicia en permanente transformación, un cuerpo sin límites definidos que crece, se encoge, y vuelve a crecer, en un original montaje de danza repleto de magia y efectos visuales. Las bailarines, ilusionistas y gimnastas, todo a la vez, hombres y mujeres, expanden sus cuerpos por medio de apoyos, cuerdas, arropados por un impresionante despliegue de imágenes, espejismos, música y artefactos, además del sugerente vestuario.

El resultado es una producción de gran impacto visual y movimiento creativo, en la que en ningún momento se sabe con exactitud lo que va a pasar a continuación. Otras palabras textuales «Mi curiosidad no dejaba de crecer a medida que iba estudiando a Lewis Carroll, que fue un apasionado fotógrafo como yo mismo».

-Soy consciente de que hay entendidos y expertos teatrales, a los que respeto mucho, que opinan que las adaptaciones deben respetar los textos originales, incluso en detalles tan nimios como la época o la vestimenta. No pretendo convencerles de lo contrario. Pero…

–Pero, a mí, esta adaptación de Momix, hoy en el Teatro Arriaga de Bilbao, me ha entusiasmado, sorprendido y maravillado.

DAVID BARBERO

-La verdad es que tenía ya nostalgia de ver representada alguna pieza de un autor, tan añorado por mí, como es el gran Carla Goldoni. He echado mucho de menos su ironía, su sabiduría teatral, su humor intencionado, su universalidad, y en consecuencia su actualidad.

-Así que en cuanto vi el anuncio de una de sus obras en la cuidada programación del Teatro Barakaldo, apunté la fecha y he estado atento a que se cumpliera. Justamente esta tarde se ha representado ‘Las locuras por el veraneo’. Es la primera pieza de la trilogía que dedicó a ironizar sobre este tema, allá por el siglo XVIII.

-Eduardo Vasco versiona y dirige esta pieza al frente de su Compañía, Noviembre Teatro, en coproducción con el Teatro Español, del que ahora es  director artístico.

-He tenido especial interés en reseñar que esta pieza ha sido una producción de la compañía Noviembre Teatro. Durante la representación, me ha venido a la mente, con positivo recuerdo, el teatro realizado por las compañías estables. Las que han ido perfilando su estilo propio a fuego lento, durante mucho tiempo. También han ido creando una notable complicidad entre los actores. Y de ellos con el director o directores de la compañía.

-Lo que me ha venido a la mente, en concreto, es la consideración de que la perfección que estaba viendo sobre el escenario no hubiera sido posible sin ese estilo propio y esa complicidad.

-He aludido antes a la actualidad de Goldoni. A través de esta pieza, se puede comprobar que, tres siglos después, la sociedad de ahora se rige por los mismos mecanismos que los venecianos de entonces. Siguen presentes las apariencias, el qué dirán, la ostentación a toda costa, incluso empeñarse económicamente para figurar en unos días de vacaciones.

-El amplio elenco de nueve actores y actrices representa una especie de competición entre dos familias empeñadas a toda costa en pasar unas semanas en el campo de La Toscana, lo que les lleva a lanzarse a una carrera de apariencias que les conducen a ver quién luce los mejores vestidos, organiza las fiestas más aparentes, sirve las comidas más aparatosas o atrae a la créme de la créme a las mismas, aunque en realidad están arruinados y no tengan ninguna clase.

-Vasco, el director, ha introducido también canciones que el elenco interpreta con soltura y efectividad, para dotar a la comedia de un aire frívolo, juguetón, inconsistente, ligero, casquivano, superficial y liviano a la vez, donde casi nada importa el ser sino unicamente el aparentar. Unido todo a una intención crítica que sigue resultando eficaz.

-La acción es trasladada a los felices años 20 del siglo pasado, para acercar el paralelismo con la actualidad. En ese ambiente, para que la comedia sea más jugosa, Goldoni, y con él esta compañía de cómicos actuales, entrecruza a dos galanes enamorados de la misma mujer, dos jovencitas que están obsesionadas por vestir a la última , unos padres que se ven sobrepasados por las circunstancias, unos criados que no salen de su asombro al ver la falta de principios de sus amos, una sofisticada viuda y algún que otro espabilado que se aprovecha de esas vanidades. Para que no falte nada en la representación, hasta se hace una exhibición de un colorista y vistoso vestuario, diseñado del famoso televisivo Lorenzo Caprile.

-Como los integrantes de estas compañías estables suelen renunciar al nombre individual en beneficio del conjunto, dado su especial calidad interpretativa, voy a recoger los nombres de los nueve intérpretes. Rafael Ortiz, Elena Rayos, José Ramón Iglesias, Mar Calvo, Alberto Gómez Taboada, Jesús Calvo, Celia Pérez, Manuel Pico y Anna Nacher.

-Reconocimiento a todos por su buen trabajo.