DAVID BARBERO

-Me voy a aventurar a arrancar el comentario sobre el estreno, en castellano, de ‘El zoo de cristal‘ en el teatro Arriaga de Bilbao con  una apreciación valorativa personal.

-La clave, el desencadenante, los condicionantes están en que se ha dado un nuevo enfoque, una visión diferente por la adaptadora y directora de escena Natalia Menendez cambiando la concepción que tradicionalmente se ha hecho de esta obra de Tennesse Willians.

-No sólo esta obra, ‘El zoo de cristal’, sino también otras suyas como ‘Un tranvía llamado deseo’ o ‘la gata sobre el tejado de zinc’, han sido colocadas  habitualmente dentro del teatro realista y social. En esa línea, han sido entendidas, interpretadas y representadas. Se ha considerado que ésa era la idea, el planteamiento y la intención  del autor.

-Sin embargo, la lectura presentada hoy es mucho más poética. Quizá con puntos de humor y con exageraciones intencionadas. La propia Natalia Menendez, la directora y adaptadora, ya lo explicó en la rueda de prensa de presentación. Allí dijo que, desde el primer momento en que se enfrentó al texto para preparar este espectáculo, percibió este nuevo enfoque poético como el más apropiado, aunque no se hubiera desarrollado hasta ahora.

-Esta obra y su autor han sido elegidos expresamente por los responsables del teatro Arriaga de Bilbao para realizar su principal producción teatral de la presente temporada. Natalia Menéndez también ha sido seleccionada de modo expreso para realizar la adaptación y la dirección escénica. Con es mismo cuidado, se ha completado el elenco de actores y actrices, integrado por Mikel Losada, Ione Irazabal, Miren Gaztañaga y Arnatz Puertas. Los cuatro han puesto también en escena la versión en euskera realizada por Kepa Errasti.

-Con esta nueva producción, el Teatro Arriaga recupera a Tennessee Williams, uno de los grandes escritores y dramaturgos norteamericanos del siglo XX, Representa  la obra que cambió su vida, le dio popularidad y lanzó su trayectoria: El zoo de cristal. Escrita en 1944 y estrenada al año siguiente, fue su primera gran obra, con la que sacudió al público por su fuerza realista en la descripción de la sociedad y del momento de crisis que se estaba viviendo.  Fue un éxito rotundo y marcó el inicio de su carrera como uno de los dramaturgos y escritores más destacados del siglo XX en Estados Unidos, convirtiéndose en un referente a nivel mundial , gracias a las versiones cinematográficas de sus obras emblemáticas como ‘Un tranvía llamado deseo’ o ‘La gata sobre el tejado de zinc’. Todas ellas en ese mismo tono de reflejo, crítica y denuncia social a través de personajes colocados en situación de crisis personal.

-Tennessee Williams revolucionó el panorama teatral estadounidense al combinar lo íntimo con lo universal, lo realista y lo emocional con lo simbólico, para transcender de los problemas individuales y darles un valor universal. Aborda temas como el deseo, la frustración, la sexualidad, la fantasía frente a la realidad, la alienación, el aislamiento, las insatisfacciones, el descontento, los problemas familiares y la lucha interna de los individuos. Los lleva a una dimensión más elevada.

-En esta ocasión, Natalia Menéndez crea un montaje que habla de los años treinta americanos y establece connotaciones con la actualidad de hoy mismo  y con la proximidad geográfica. Pero cambia esa intención de descripción realista y de descripción matizada, para llevar a los personajes a exagerar y añadir otras connotaciones. De esa manera, seguramente la acción y los protagonistas pierden fuerza o coherencia y el impacto disminuye. Incluso el simbolismo es más difícil que surja en el espectador.

-Una consideración positiva a destacar en esta nueva producción del Teatro Arriaga de Bilbao es el elevado nivel desarrollado en la interpretación por parte de las dos actrices y los dos actores locales. Ya lo habían demostrado en la versión en euskera. Repito sus nombres para que conste. Ione Irazabal, Miren Gaztañaga. Mikel Losada y Arnatz Puertas. Incluso su labor tiene más mérito, dado que los personajes que deben interpretar han sufrido variaciones de enfoque que mantienen su consistencia original.

–Ya he indicado al principio que este comentario, recién salido de la representación, iba a ser muy personal y, sin duda, discutible.

DAVID BARBERO

-Esta tarde he acudido al Teatro Social de Basauri para ver, de nuevo. a la compañía Ron Lalá y tratar de descubrir su fórmula secreta para desarrollar un humor inconfundible y de eficacia ya contrastada.

-En realidad, esta compañía lleva ya más de dos décadas divirtiendo y divirtiéndose a su manera, con estilo propio, uniendo la comicidad a la ironía y a la crítica sutil. Ahora, lo hace otra vez llevando en gira su obra ‘4×4’. Lo hace como siempre, sin nostalgia, con el mismo aire fresco, divertido y bastante iconoclasta.

-‘4×4’ es un intenso y desinhibido viaje por sus cuatro primeros montajes, realizados entre 2005 y 2012. Según reconocen ellos mismos, los que ‘un día nos dieron fama y dinero…, cuando el dinero existía”. En este espectáculo renovado, abordan aspectos de todo tipo referidos al pasado inmediato y también al presente. Se meten con el amor propio, el tiempo, la época de internet y la informática que nos ha tocado vivir. Sin que falte tampoco el tratamiento cómico de los clásicos, pretendidamente serios.

-El equipo también tiene continuidad. La dramaturgia y las letras son de Álvaro Tato. La dirección de escena la realiza Yayo Cáceres. La dirección musical es responsabilidad de Miguel Magdalena.  Éste  último forma parte del quinteto de intérpretes en unión de Juan Cañas, Diego Morales, Luis Retana  y Daniel Rovalher.

-Los cuatro espectáculos a los que hace referencia el título  fueron ‘Mi misniterio del interior’, ‘Mundo y final’, ‘Time al tiempo’ y ‘Siglo de Oro, siglo de ahora’. Sirvieron para configurar un estilo propio de concebir el teatro y de definir una forma singular que ha seguido manteniendo sus señas de identidad a lo largo del tiempo.

-Se parte de unas letras ingeniosas. Se añade una dirección muy dinámica. Y los intérpretes no paran de declamar,  tocar, cantar y de hacer las delicias de un público que logran ganar desde el comienzo del espectáculo. Los elementos , por tanto, que incluyen en su receta personal, son mucho ingenio, un ritmo endiablado, el dominio de todos los géneros escénicos, la comicidad directa y sin filtros, letras muy cómplices, canciones impactantes y mucha complicidad con el público. Incluso. Hay también otras salsas para lograr un sabor más variado.

-Esta fórmula secreta sigue sirviendo para que todo tipo de públicos salga gratificado de una función fresca, alegre, desinhibida, de un ritmo trepidante, irónica, satírica, filosófica, poética, musical, sociológica y muy ajustada para acaparar la atención y el interés general.

-Eso es lo que ha sucedido otra vez esta tarde en el teatro Social de Basauri.

DAVID BARBERO

-Algunas de vosotras me habéis comentado, como reproche, que, en estos comentarios sobre teatro, insisto, con demasiada frecuencia, en la importancia de los contenidos potentes, innovadores, polémicos, profundos. Lo reconozco. Pero no es el único valor teatral que estimo.

-Por ejemplo, esta tarde he acudido al Teatro Campos Elíseos de Bilbao con la intención de disfrutar, de divertirme, de emocionarme, de pasarlo bien. Incluso de sonreir. Contemplar la interpretación distendida y cómplice de un texto entretenido y una dirección eficaz.

-He ido a ver la la pieza “Una madre de película”, en la que la actriz Toni Acosta da vida a un texto de Juan Carlos Rubio, dirigido por el propio autor,  que mezcla el humor y la emoción con muchas referencias cinematográficas, como se anuncia en el título, y también musicales, incluido el nombre de la protagonista.

-Se trata de un monólogo que convierte lo cotidiano en una aventura. Un emotivo homenaje a las pequeñas historias que habitan en los vínculos familiares. Con humor, ternura y una pizca de nostalgia, invita a sumergirse en una experiencia teatral, donde la maternidad se convierte en el guion de una posible película.

-El texto construye un relato que, partiendo de una premisa sencilla, se despliega con una mayor profundidad emocional y una riqueza narrativa capaces de capturar la atención y el interés desde el principio. Narra los dilemas que emergen cuando los hijos emprenden su camino. Se introduce en la esencia del vínculo maternofilial, mostrándonos a una protagonista que no solo lidia con la ausencia de su hijo, también reflexiona sobre su identidad, sus sueños pospuestos, sus miedos y sus incertidumbres. Así se convierte en un viaje donde la protagonista aprende a redescubrirse. Todo ello envuelto en el humor.

-La protagonista, una apasionada cinéfila, encuentra en su pasión por el séptimo arte una manera de expresar su mundo interior y dar sentido a su vida cotidiana. El autor introduce referencias cinematográficas y alusiones musicales que enriquecen el relato. Estos paralelismos entre escenas cinematográficas y vivencias personales crean un atractivo diálogo entre ficción y realidad. También todo rodeado de comicidad.

-Gracias a la plasticidad de la puesta en escena y de la expresiva interpretación, se convierte en un espectáculo imaginativo y cautivador. Consigue imprimir a la representación un ritmo ágil y dinámico. A través de los rápidos cambios, el escenario se convierte en un lugar donde cada rincón cuenta una historia y permite que la protagonista revele diferentes facetas de su mundo personal.

-La interpretación de Toni Acosta transita con fluidez entre el humor y la introspección. El ritmo está calculado con precisión para mantener la atención, mientras se desarrolla una narrativa que se escucha y también se siente. Los cambios de tono y perspectiva se asemejan a un montaje cinematográfico. Destaca la manera en que logra hacer creíble cada emoción, desde el humor más desenfadado hasta los momentos de mayor vulnerabilidad. Además, demuestra su versatilidad al encarnar a múltiples personajes que aparecen en los recuerdos y las reflexiones.

-Los recursos técnicos y escenográficos son también dignos de destacar por su riqueza. La escenografía, diseñada por Leticia Gañán y Curt Allen Wilmer, transforma una habitación en un espacio cargado de simbolismo. Desde los objetos cotidianos hasta los rincones aparentemente insignificantes, se convierten en espejos de la vida interior de la protagonista. La música y el espacio sonoro, a cargo de Mariano Marín, juegan un papel crucial para marcar el tono y el ritmo de la obra. Lo mismo que la iluminación de Nicolás Fischtel.

-Así que esta tarde, en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao, ‘Una madre de película’ se ha convertido en un buen motivo teatral para disfrutar, emocionarse y sonreir con una buena demostración del buen hacer escénico.

DAVID BARBERO

-Comencemos destacando un aspecto positivo. El teatro Arriaga de Bilbao se ha llenado hoy completamente para presenciar la obra ‘14.4’. Insisto. Ha sido un lleno completo. Y otro dato positivo. Al terminar la obra, los aplausos han sido muy sonoros, largos y entusiastas.

-Ahora vamos a ponernos en situación. Juan Diego Botto y Sergio Peris. Mencheta, o al revés, habían despertado, con todo merecimiento, una muy gran expectación a causa de sus dos espectáculos anteriores: ‘Un trozo invisible de este mundo’ y ‘Una noche sin luna’.

-Quiero reiterar los dos aspectos: lo de con todo merecimiento y lo de una gran expectación. Tanto por el contenido como por la forma de presentarlo. Ambas cosas suelen ser inseparables.

-Eso ha hecho que su nueva creación, ‘14,4’, en unión de Ahmed Younoussi, haya sido esperada y recibida de una manera destacadísima en todos los lugares de la península. Con colas muy largas para conseguir entradas, que se agotaban inmediatamente. Y desplazamientos hasta localidades lejanas para tener posibilidades de verla, no siempre satisfechas.

-Ésta es la obra que hoy se ha presentado en el teatro Arriaga. Además por un solo día. Ya antes de que se anunciara la fecha de la representación, había peticiones para reservar entradas. Así que el aforo del teatro se completó a las pocas horas de abrir las taquillas.

-En ’14.4’, se cuenta el duro periplo personal que Ahmed Younoussi, marroquí de origen ahora nacionalizado español de 35 años, tuvo que recorrer entre los seis y los nueve años. Lo realizó después de escapar de su casa en un pueblo del interior de Marruecos huyendo de las palizas diarias de su padre y de su madrastra. Desde allí, sus pasos le llevaron a Tánger, luego a Ceuta, y vuelta a Tánger. Desde ese punto, oculto en un camión, dio el salto hasta la península.

-En un tono entre pedagógico, poético y realista, rodeado de cierta emotividad sobre todo en los últimos momentos, el espectáculo pone en evidencia cómo es posible que entre una distancia tan corta, ‘14.4 kilómetros’, puedan existir tantas y tan profundas diferencias sociales y económicas que provoquen situaciones infranqueables, aún más lacerantes cuando de quienes se trata es de los menores. Más que dos mundos separados por una distancia abismal en lo social, lo político y lo económico parece que se trate de dos universos antagónicos.

-Juan Diego Botto y Sergio Peris-Mencheta, responsables de la dramaturgia y la dirección, en colaboración directa con el propio Ahmed Younoussi, estrenaron 14.4, en las Naves del Teatro Español de Madrid. También han contado con la colaboración de otros destacados profesionales para la configuración de este aparentemente sencillo montaje.

-Cuenta con un sencillo pero eficaz diseño de espacio escénico de Alessio Meloni. El diseño de iluminación lo firma Javier Alegría. El diseño de vestuario, Elda Noriega. La videoescena ha sido realizada por Ezequiel Romero. La composición de música original la ha compuesto  Joan Miquel Pérez, y el diseño artístico Eva Ramón.

-Hay otro aspecto de carácter personal que es obligatorio señalar al hablar de este montaje. La labor de dirección de este montaje ha sido realizada por  Sergio Peris-Mencheta a través de videoconferencias, ya que el actor, director y dramaturgo ha tenido que afrontar, durante ese periodo de tiempo, una grave enfermedad, una leucemia.

-Soy consciente de que, en los párrafos anteriores, he eludido dar mi opinión personal sobre este espectáculo. Lo he hecho intencionadamente. Me parece más interesante que conozcáis la gran expectación que ha despertado la obra. Y también la calurosa acogida y los aplausos del público.

-Sin embargo, por mi parte, ya he insistido más arriba en el muy elevado nivel dejado merecidamente con sus espectáculos anteriores. Sobre éste, sólo puedo decir que he salido con dudas sobre su desarrollo en cuanto al texto, a la dramaturgia, la dirección, la interpretación y también la escenografía. Pero, dada la reacción del público, sin duda es que yo no he sabido verlo.

DAVID BARBERO

-Voy a explicar con sinceridad la interesante aventura teatral que he vivido esta tarde en la sala la Fundición de Bilbao. Me voy a referir ahora exclusivamente a la obra teatral que he presenciado.

-Realizo esta advertencia, porque dentro de la aventura ha tenido lugar también la despedida personal de Laura Etxebarría y Luque Tagua por parte de los más fieles al proyecto desarrollado en esta sala durante las últimas cuatro décadas. Pero este aspecto os lo comento otro día.

-He acudido esta tarde a ver la obra ‘La Carn’ con gran interés. Debo añadir que junto a ese interés, había un elevado porcentaje de curiosidad. Pero también una cierta duda.

-Este punto de duda o de suspicacia nacía de que recientemente he asistido a algún espectáculo teatral que se presentaba como innovador, pero se quedaba en mera exhibición pornográfica. Veía ese peligro, porque esta obra también tiene un tema relacionado con al sexo. Pero adelanto que ese peligro ha quedado descartado muy pronto.

-Ha resultado ser una propuesta novedosa e incluso rompedora de clichés que han regido hasta ahora en el teatro y que todavía se mantienen vigentes, reacios a entrar en una nueva etapa.

-El espectáculo está escrito, dirigido y protagonizado por el joven mallorquín Lluis Garau, pero residente en Barcelona. Lo creó hace ya dos años como una performance justo al salir del Institut del teatre de Barcelona. Pero ha ido creciendo durante una larga gira internacional por teatros y festivales. Es una mezcla de teatro, danza y manejo de las nuevas tecnologías, a la vez que utiliza, como fondo, músicas tan variadas como Gustav Mahler Bad Bunny o Daddy Yankee.

-El objetivo fundamental de la pieza es exponer de modo directo, casi sin filtros dramáticos y escénicos, como si fuera una realidad, la manera en la que una buena parte de la juventud actual se inicia en sus relaciones sexuales a través de las redes sociales de modo clandestino y solitario. Al parecer este punto tiene un elevado porcentaje de autobiográfico.

La obra se centra en la historia de un joven que vive en un chalet de una urbanización situada cerca de Tarrasa . Se llama Ferrán. Convive con sus padres, propietarios de una carnicería a los que engaña al decirles que pasa las horas en el sótano ganando algo de dinero como ‘gamer’, En realidad, vende su cuerpo a través de las redes sociales y de esa manera realiza la iniciación en la vida de relación íntima. Sin otras connotaciones de emotividad, afecto o relación personal.

-La propuesta le permite a su creador hablar de «brecha generacional», abordando la construcción de esa identidad en personas que, desde muy pronto, han manejado redes sociales, frente a aquellas que hacen usos distintos de Internet por motivos profesionales o académicos. También permite reflexionar sobre la creación de la sexualidad, y sobre de qué manera condiciona el universo virtual las relaciones generales con el resto de las personas.

-En la obra, se muestra una utilización detallada de las nuevas tecnologías. Se trabaja con el dispositivo webcam, la representación del cuerpo virtual y las relaciones entre desconocidos. Se realizan conexiones en directo con otras personas que en ese momento realizan la misma experiencia. Por lo tanto, se presenta un hecho real. No una elaboración dramática preparada para ser representada ante y para un público. Los asistentes en realidad no son espectadores. Son más bien voyers, que miran clandestinamente una realidad intima ajena.

-Desde su estreno en 2022, el espectáculo “La carn” se ha podido ver en Madrid, Barcelona, Málaga, Sevilla, Palma…, así como en Portugal, Rumanía, Colombia o Irlanda, donde ganó el Premio Oscar Wilde en el International Dublin Theatre Festival. Ahora, se estrena por fin en Euskadi gracias a esta sala bilbaína.

-Así que tengo la sensación de haber asistido esta tarde, en la sala La Fundición de Bilbao, a un espectáculo innovador, que puede abrir brecha en la escena hacia el futuro.