David Barbero

-El actor, director, autor y otras varias cosas más como teatrero integral, Ramón Barea, ha demostrado ya que tiene cogido el aire a este tipo de teatro. Recientemente, lo demostró con ‘Viaje a ninguna parte’ y con ‘Luces de bohemia’. Antes ya lo había evidenciado con interpretaciones del propio Valle Inclán bajo otras direcciones.

-Ahora lo vuelve a demostrar con el montaje de ‘La lucha por la vida’ de don Pío Baroja, donde asume la dirección y un curioso papel protagonista. Es todavía un reto mayor, con mayores dificultades y un riesgo superior. Todo incluido en la nueva y muy destacada propuesta y producción del Teatro Arriaga de Bilbao.

-‘La lucha por la vida’ es una trilogía. Escrita en los primeros años del siglo XX y trata sobre una problemática muy pegada a lo que sucedía entonces. Incluye tres de sus novelas más emblemáticas. ‘La busca’,  ‘Mala hierba’ y ‘Aurora roja’. En ella recorre la intensa evolución vital e ideológica de un muchacho soriano , Manuel Alcaraz, hasta su desenlace, no precisamente feliz, en el marco de una gran ciudad como Madrid en esos años especialmente convulsos social y políticamente.

-Toda la acción se desarrolla en el mundo de los marginados. Hay mucha pobreza, mucho hampa y también mucha rebeldía. Se vincula con el desarrollo de movimiento anarquista. El propio autor, Baroja, acentúa su estilo descarnado y tremendista, a la vez que muy directo. Lo une a una jerga barriobajera, que le coloca como un autor muy destacado del realismo literario español.

-Para afrontar este reto, Barea ha contado, con los que, a efectos prácticos, viene a ser su compañía casi estable, de la que se ha rodeado, con algunas entradas y otras salidas, respecto a los proyectos anteriores citados. En el aparado interpretativo ahí están, junto a él, Itziar Lazkano, Olatz Gamboa, Diego Pérez, Ione Irazabal, Aitor Fernandino, Sandra Martín, Alfonso Torregrosa, Leire Ormazabal o Arnatz Puertas. Todos realizan un muy buen trabajo. Muy meritorio, Y también arduo. Cada uno interpreta a numerosos personajes. Estos cambios de rol se deben realizar en un el mínimo tiempo, dado el ritmo vertiginoso de la pieza.  Estar a tope de expresividad en todos los momentos. Ah! Y el sentido del conjunto, la complicidad del grupo. ¡Menudo trabajo el que han realizado todos ellos! Enhorabuena.

-Ramón Barea interpreta a Pío Baroja, el autor. No es un personaje implicado directamente en la acción. Es una especie de demiurgo, organizador y matizador de lo que sucede sobre el escenario. A muchos veteranos  seguidores del teatro, nos ha recordado a aquel mítico director de escena y pintor Tadeusr Kantor.

-El equipo llamado técnico también está integrado por personas de su confianza. En la escenografía, José Ibarrola. En iluminación, David Alkorta. En atrezzo, María Casanueva. Especial acierto hay que atribuir a la concepción y el simbolismo del muro de ladrillos, con mucho simbolismo y, a la vez, con habilidad para la configuración de diferentes atmósferas y escenas. Destaca la presencia de Adrián García de los Ojos como responsable del espacio sonoro. Decisivo para la creación de tonos y atmósferas.

-Especial dificultad hay que atribuir a la labor de José Ramón Fernández, en su trabajo de adaptar las tres s como texto teatral. Un esfuerzo arduo por la necesidad de reducir el volumen de paginas y conservar la viveza de la acción sin desvirtuar las peculiares connotaciones del lenguaje.

-Creo que he cometido un  error al decir al principio que Ramón Barea ha cogido el aire a este tipo de obras. Quizá alguien haya interpretado que aplica en todas ellas una receta similar. Nada más lejos de la realidad. Cada una tiene su tratamiento específico. En ésta, establece una atmósfera de distancia, de intento directo de búsqueda. Muy curiosa la división de realidades con el muro. El juego de escenas breves y rápidas, pero intensas y potentes.

-Una nueva demostración de la solidez, la calidad y la fuerza de la infraestructura humana y técnica de la profesión teatral en Bilbao.

David Barbero

-Antes de empezar, voy a completar el título del espectáculo que he visto hoy en la sala la Fundación de Bilbao. Este taranto es calificado como aleatorio. Hay que  decir que también es original, imaginativo, impactante, libre, diferente, va en progreso, atrae la atención.

-Vamos a dejar algún adjetivo más para el final. Comenzamos.

-Hace unos días, aludí en uno de estos comentarios al espectáculo  ‘Taranto aleatorio’. Fue en relación con la trilogía preparada por la sala la Fundición sobre los cambios en los roles masculinos y femeninos.

-Las dos primeras obras, ‘Entrañas con patatas’ y ‘Mientras tanto’ trataban sobre lo que se llama ahora masculinidad. Este fin de semana, se ha completado el panorama con esta pieza, ‘Taranto aleatorio’, creada y protagonizada por María del Mar  Suarez, la Chachi, acompañada, con el mismo protagonismo, de Lola Dolores.

-En lo personal, María del Mar mantiene una actitud vital que da prioridad a su propia manera de entender la vida basada en decisiones propias y la libertad para llevarlas a cabo. Todo esto no es de ahora. De joven, interrumpió los estudios. Se fue a Londres para vivir experiencias nuevas. Estudió. Buscó. Estuvo de okupa. Asistió a muchas ‘raves’. Aprendió mucho.

-Cuando recuperó los estudios. Se tituló como actriz y como bailaora. Se especializó en teatro gestual. , en nuevas dramaturgias. Se inició en danza contemporánea. Cuando sabía todo eso, decidió mezclarlo y fusionarlo. A continuación, comenzó a distorsionar, en el buen sentido, tanto el gesto como el baile flamenco. Buscaba su estilo propio en la hibridación.

-Ahora sigue llevando esa misma actitud en su actividad profesional como  flamenca integral. Ah! Poco después, incorporó una enriquecedora  experiencia de improvisación con un saxofonista. Además, utiliza los gestos y las expresiones para añadir ironías, argumentos, críticas e intenciones.

-Trabaja también como flamenca ortodoxa. Conoce y domina las normas y las reglas. Pero no las considera un dogma absoluto ni una obligación irrenunciable. Dedica especial ilusión a sus espectáculos de iniciativa propia. Sobre todo, ha triunfado y ganado numerosos premios con sus piezas ‘La gramática de los mamíferos’ y ‘La espera’.

-Ahora anda con este ‘Taranto Aleatorio’ en unión con Lola Dolores. Se siente más libre que nunca. El taranto es el palo del flamenco primitivo, sencillo y sin guitarra. Nació precisamente de la necesidad de cantar y bailar por libre.

-Es lo que ha demostrado este fin de semana en la sala la Fundición de Bilbao. Por todas estas razones, ya desde el título os he recomendado, sin más intención, que prestéis atención a esta María del Mar Suárez, conocida como La Chachi.  Y no olvidéis a su compañera Lola Dolores.

–Había prometido añadir algunos adjetivos más. Potente, intencionado, firme, irónico… Cerrémoslo como imprescindible, en el sentido de que, a mi juicio, no os lo deberíais perder.

David Barbero

-El estreno que, esta tarde, ha tenido lugar en el Teatro Barakaldo es una muestra de que las artes escénicas pueden servir para contagiar optimismo, para provocar fantasías, fabricar sueños imaginativos y animar a llevarlo a la realidad.

-He tenido espacial cuidado en referirme, en plural, a las artes escénicas, en lugar de aludir, en singular y por separado, a la danza o al teatro. La compañía teatral Marie de Jongh y el colectivo Doos de danza han estrenado la pieza ‘Esna’, que se mueve en la simbiosis de ambos géneros, disciplinas artísticas, o como quieran llamarse.

-Una de las características de los tiempos escénicos que corren está en la ruptura de los géneros exclusivos y de las reglas fijas. Se camina por fusiones y sumas, por caminos polivalentes, por encrucijadas enriquecedoras.

-Esta propuesta se presenta premeditadamente como un ‘experimento que se convierte en experiencia’. Con el deseo de contagiar. Con la voluntad de abrir, en los asistentes, las ganas de imitar, de poner en práctica lo que han visto y sentido que sucede sobre el escenario.

-Tiene mucho de juego y de transformación. Es importante la decisión y la valentía de asumir el riego de cambiar. Colocarse en otro lugar. Y en el lugar del otro. Adoptar un postura diferente. Intentar ser otra u otro. Buscar varias cosas a la vez. Abrir múltiples ventanas, entrar por unas, salir por otras o quedarse en todas. Aprender que recorrer un camino no establecido, no significa equivocarse sino un enriquecimiento.

-Además, sobre el escenario se ha visto que todo eso es posible. Y divertido. Los que allí se han atrevido a hacerlo se lo han pasado bien. Lo han conseguido y han gozado en ese juego gratificante.

–Esto es lo que propone, comunica y contagia ‘Esna’. Hay muchas fusiones. Ya hemos aludido al maridaje Marie de Jongh y Doos colectivo. Lo dirigen Jokin Oregi y Eva Guerrero.  Por el resultado, se ve que ambos caminan en la misma dirección y con los mismos parámetros. Por separado, funcionan a muy alto nivel. La suma se convierte en multiplicación.

-Hay actores que a la vez son bailarines. O al revés. Se llaman Denis Martínez y Olaia Valle. Sus movimientos transmiten emociones y sus expresiones están coordinados a la intención de conmover.

-También se ha visto que la música de Nerea Alberdi se fusionaba con movimientos, saltos, piruetas y expresiones. Sin restar importancia a las luces creadas por Arantza Heredia. También ellas saltaban, acompañaban y se detenían para crear matices y subrayar intenciones.

-Todo lo escrito hasta aquí hace más referencia a la participación desde el escenario. En el otro lado, en el patio de butacas, esta tarde ha quedado demostrado, en el Teatro Barakaldo, que el público tampoco tiene un papel pasivo en esta nueva aventura. El tránsito de las emociones y el contagio de la intención sólo funcionan si lo que se lanza desde un lado con todas las precisiones se recibe abiertamente y con deseo en el otro.

-Tengo la sensación de que a muy pocos seguidores de las respectivas trayectorias de el colectivo Doos y de la compañía Marie de Jongh les habrá sorprendido este encuentro de ambos. Y todavía serán menos, -en el caso de que haya alguno-, que no lo esté ya celebrando.

David Barbero

-Aunque no sirva de precedente, adelantaré mi opinión. La obra ‘Lectura fácil’ que he visto esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao, me ha parecido muy interesante, diferente, valiente, denunciadora, arriesgada, con personajes impactantes, discutible en el buen sentido,  agresiva, llamativa… Ya lo he dicho, pero repito que me ha interesado muy especialmente.

-Como ya he dado mi opinión, ahora puedo tratar de explicar o mejor exponer lo que he visto, oído y sentido, cosa que no considero ni mucho menos sencilla, pero es lo que puedo aportar de más interés.

-Inicialmente, ‘Lectura fácil’ es una novela que se iba a publicar en la editorial Seix Barral. Esos editores piden algunos cambios. La autora, Cristina Morales, se niega. La presenta a la editorial Anagrama. Se la aceptan como está. Le dan el premio Herralde. La publican. 2018. Al año siguiente, también le conceden el premio nacional de narrativa. Ah! En la publicación, se añade el siguiente subtitulo: ‘Ni amo, ni dios, ni marido, ni partido, ni de fútbol’. Este añadido da muchas pistas sobre el propósito subyacente.

-El texto tiene un estilo original y diferente. No responde a los cánones habituales. Es poliédrico. Incluye actas judiciales, mensajes de whatsaap, diálogos, disquisiciones políticas, monólogos. Trata sobre la situación y trato a personas, chicas, con discapacidades. Lo hace con toda crudeza. Hay un trasfondo de fuerte denuncia sobre la opresión y despotismo hacia esas personas por parte de los monitores y autoridades; en general desde la sociedad machista dominante.

-El tono es de brusco impacto en el lector con un planteamiento de choque físico y emocional. Tiene un lenguaje duro, sin censuras, muy expresivo. Para algunos, puede parecer demasiado descarnado. Lo mismo sucede con la descripción de las acciones narradas o mostradas. Se hace con toda crudeza, fuerza y verosimilitud.

-Posteriormente, la productora  Movistar + compra los derechos para realizar una serie, que se presentó en el festival de San Sebastián antes de su lanzamiento comercial. A la autora, no le gustó la adaptación y lo criticó en un artículo.

-El actor y director teatral Alberto San Juan leyó la novela. Le gustó y decidió llevarla al teatro. Deseaba dirigirla. Propuso hacer la adaptación a la autora. Ésta no pudo en ese momento. Así que la hizo él, aunque consultándola en todo momento. Desde las 400 paginas de la novela, se ha ido a un libreto de unas cuarenta. Digamos aquí que Cristina Morales ha participado en el proceso de puesta en escena. En la parte de coreografía de la danza. De todos modos, tampoco ha manifestado públicamente su acuerdo o sus discrepancias con esta adaptación.

-En la puesta en escena, hay un intento de ser fiel al espíritu y al propósito del texto original. Aunque dura dos horas, ha tendido que prescindir de muchas cosas. Hay quien opina que la propuesta teatral es algo menos radical, contundente y explicita. De todos modos, el lenguaje es igual de directo, directo e impactante. Tampoco existen cortes para suavizar las acciones. Por ejemplo, hay escenas de fuerte contenido erótico, una felación en directo, duras críticas a los responsables, incluso burlas, y se mantiene todo el proceso de denuncia hasta la esterilización de una de las víctimas.

-Se ha tenido especial cuidado en conservar la idea central. El objetivo de la denuncia no va sólo en las discapacidades y el trato que se tiene hacia las personas afectadas. La mayoría estamos de alguna manera con alguna de esas deficiencias. Todos somos tratados despóticamente por el poder, entendido como dominio y como explotación.

-Seguramente faltan muchas cosas para lograr una descripción lo más fiel posible de lo presenciado esta tarde sobre el escenario del teatro Arriaga. Pero creo que se acerca. Ah! Puede ser significativo decir que para la interpretación se han escogido a tres actrices profesionales, y a otros cuatro intérpretes que tienen las  discapacidades aludidas.

-Como al principio he dado mi opinión sobre el espectáculo, aunque con la advertencia de que esa subjetividad tiene  sólo un interés subjetivo, únicamente me queda decir que creo que esta pieza cumple la función del teatro de ser un espejo, no sé si cóncavo o convexo, de la sociedad en la que vivimos.

David Barbero

-Casi acabo de llegar a casa desde el Pabellón 6 de Bilbao. Allí he visto el estreno en castellano de su última producción. Adelantaré que me ha interesado mucho. Durante todo el trayecto y todavía, ando buscando una definición  de ese espectáculo. Desde luego tienen que aparecer los adjetivos  novedoso e impactante. También irreverente. Y atrevido. Osado. Podría ser un auto anti-sacramental. O una farsa ácrata. O una bufa meta-crítica. No sé si me gustan. Tengo que seguir pensando

-El título de la versión en castellano es ‘Divina tragedia’. La pieza se ha estrenado en euskera la semana pasada. Entonces el  título era ‘Komedia madarikatua’. En una traducción literal, sería ‘Comedia maldita’. Podrían funcionar también como definiciones afortunadas. Por eso, las he colocado en el título

-En la muy breve síntesis de la página web y el programa de mano, se indica que la intención del autor camina ‘entre el drama y la comedia’ y que se trata de ‘un juego del absurdo’. También da una pista al aludir al ancestral enfrentamiento ente el cielo y el infierno. Y otra alusión destacada al referirse a la estupidez humana.

-El autor, a cuya intención he aludido, es Tomás Afán Muñoz. Se trata de un tipo muy prolífico. Muy variado. Polifacético. Trabaja en la escritura de diversos géneros. Para adultos, para jóvenes y para el publico infantil. Tiene una desarrollada habilidad en los certámenes de escritura dramática. La habilidad es una cualidad importante en él. También es actor, director y productor. Co-dirige una compañía de teatro, en la que ha estrenado varias se sus obras. Ha publicado numerosos textos.

-Entre sus temas recurrentes, están la muerte, el sexo, el fútbol o la religión. Suele unir o fusionar lo cotidiano con lo absurdo. El humor aparece en todos sus proyectos. En este estreno de Pabellón 6 de Bilbao, el objeto de su critica o de su burla es la guerra. En general, las guerras. O quizá  directamente a la madre de todas las guerras.

-Todas esas cualidades expresada se hallan en este texto, original, impactante, diferente, agresivo, provocador, atractivo, sugerente. Ágil en su mayor parte. Es posible que en algún momento se pierda el ritmo. Alguna escena innecesariamente larga, y además colocada al final, que es el lugar menos indicado. Una pena. Pero eso no empaña lo señalado antes.

-Es de justicia hacer referencia inmediata a los creadores que participan en este interesante acontecimiento teatral. La dirección escénica es responsabilidad de Saioa Iribarren. Realiza un gran trabajo. Original y llamativo. Te capta la atención y no te la suelta. Los coordinados movimientos. Las agrupaciones y las individualidades. Las caracterizaciones. Los tonos. Las expresiones. El ritmo. (Hasta esa dichosa escena larga) Las coreografías.

-De la escenografía, se ha responsabilizado María Casanueva. De la iluminación, Fernando Alcauzar y Edu Berga.  El vestuario ha sido diseñado por Mirari Aramburu. A mí, me gustaría exponer una gran alabanza al trabajo realizado en la ambientación musical, en todo el espacio sonoro. Las canciones. Pero, en el programa de mano, no he encontrado a quién debo dirigirla.

-La interpretación es un punto y aparte. Destacadísimo todo el elenco numeroso. Lo componen Silvia Larrauri, Luix Mitxelena, Andrea Mora, Uxue Fuentes, Ziggy Docherty, y Aitzol Villaoz. La multiplicación de personales, los cambios rápidos, la asunción de los nuevos roles, las exageraciones medidas e impactantes. ¡Y son las nuevas incorporaciones de la compañía joven! Extraordinario nivel. Y entrega total.

-Ah! Sigo dándole vueltas a lo de la definición. La palabra esperpento debería estar por algún sitio. Quizá pueda ser un retablo de las contra maravillas. Seguiré pensando.