-¡A ver! Explica ese enigmático titular.
-Ayer fui a ver, en el Teatro Arriaga, la representación de la obra teatral titulada ‘El nombre’. Salí con la sensación de que esa representación, ese espectáculo se había preparado con toda meticulosidad, atendiendo a todos los detalles para que gustara.
-Voy a puntualizar esa última expresión. En lugar de poner ‘para que gustara’ voy a decir ‘para que tuviera éxito’.
-Advertiré que no es, precisamente, el teatro que yo prefiero. Pero reconozco esa meticulosidad en la planificación y ese trabajo en la realización para conseguir una pieza de relojería encaminada a lograr ese objetivo.
-No sé si la película que yo me he montado responde exactamente a la cronología de los hechos. Pero me la he montado de la siguiente manera. La empresa de productores teatrales de Pedro Larrañaga adquirió los derechos de la obra ‘El nombre’ que había triunfado en Francia y que fue también objeto de una adaptación al cine. Sin embargo, comprendieron pronto que esta obra, tal como estaba, no podía triunfar en España. Así que decidieron contratar al que consideran el mejor adaptador teatral, Jordi Galcerán, acreditado por su gran habilidad como ‘carpintero’ teatral en el buen sentido de la expresión. Y además contrataron a un director, Gabriel Olivares, muy hábil para lograr el efecto deseado de transformar ese texto en un espectáculo de éxito. También lógicamente, se buscó un elenco de actores y actrices que además de ser famosos se adaptaran a esa operación. Al frente de ese elenco, está Amparo Larrañaga, que forma parte del equipo productor.
-La labor del adaptador Jordi Galcerán es muy eficaz. Monta nuevos gags verbales. Sobre todo, acerca el texto a los mecanismos que funcionan entre el público teatral de aquí. Incorpora pequeños, pero eficaces, juegos que funcionan en sus obras.
-La habilidad de Gabriel Olivares, como director, queda también demostrada en todo el montaje de la obra. Dos ejemplos concretos, ‘El nombre’ es una pieza donde se habla mucho, pero hay muy poca acción. El director consigue que los actores no estén quietos ni un momento, aunque no tengan que hacer nada. El texto literal pide a gritos la creación de atmosferas que lo hagan eficaz. De eso se encarga también Olivares. Sobre todo tiene cuidado en ir logrando un incremento emocional y una tensión progresiva, añadida a las palabras. Ésa es la clave para que el público salga contento.
-En eso, es emblemático el tratamiento del último monólogo dicho, a su peculiar manera, por Amparo Larrañaga. Arranca el aplauso abierto en el único mutis galardonado de esa manera en toda la obra.
-En consecuencia, no es de extrañar que el teatro estuviera lleno y que los actores se vieran obligados a salir a recibir aplausos numerosas veces. Son las demostraciones de un éxito conseguido con ese trabajo y esa habilidad.
-En definitiva, un trabajo bien planificado y bien realizado.

La oferta teatral en Bizkaia sigue manteniendo este fin de semana toda su variedad. Se pueden encontrar todos los géneros escénicos. En teatro de texto, es posible elegir entre una comedia romana, una adaptación de Shakespeare o el último experimento dramatúrgico. En danza, se incluye un flamenco junto a Vivaldi.
NOMBRE
El Teatro Arriaga es el que apuesta a mayor número de representaciones con ‘El nombre’. Viene precedido de un gran éxito en Francia. Aquí se han puesto todos los medios para que esté a la misma altura. Se ha buscado un adaptador de éxito como es Jordi Galcerán, un director eficaz, como Gabriel Olivares, y se ha añadido un elenco con actores y actrices famosos.
GRECIA, ROMA Y GALICIA
La adaptación de ‘El eunuco’, que llega al Teatro Serantes, tiene también el éxito contrastado. Han sabido seleccionar los elementos más graciosos de la comedia romana y han añadido intérpretes reconocidos. En ese mismo teatro se presenta ‘Edipo’ por la compañía portuguesa Don Chapito, que siempre ofrece calidad. En este caso, se promete humor con una teatralidad original e impactante. Para ello, utiliza todos los lenguajes. El autor Juan Cavestany y el director Andrés Lima se atreven a llevar ‘Los Mácbez’ de Shakespeare hasta Galicia. Ven parecidos no sólo por las meigas, sino también por la corrupción y la ambición. Han creado polémica. Lo pueden comprobar en Barakaldo.
TITZINA
La compañía formada por Diego Lorca y Pako Merino tiene acostumbrado al público a sus atractivos espectáculos. En esta ocasión, aterriza en Leioa y Durando con ‘Distancia siete minutos’. Ponen en cuestión temas que afectan tanto como la felicidad, el destino o la justicia.
En Galdakao, Se presenta ‘Fa en cuarta’. Es un viaje hacia el interior de la persona. Utiliza como metáfora el cuerpo del violonchelo y el de la mujer. En La Fundición, El gallego Diego Anido ofrece ‘Symon Pedicri’. Es un juego escénico con mucho humor, bastante locura y una notable originalidad.
MÁS
Enrique San Francisco, se presenta en solitario en el Teatro Campos Elíseos con el espectáculo ‘Enriquecido’. Expone sus reflexiones personales con su peculiar estilo. En ese mismos teatro, se puede presenciar el espectáculo ‘Ratas’. Pretende reflejar la vida de tres mujeres condensada en situaciones extremas.
En Pabellón 6, Hay otra oportunidad para presenciar el curioso e interesante espectáculo ‘Trastornos literarios’ de Flavia Company, bajo la dirección de Itziar Lazkano. La autora participará activamente.
ÓPERA
‘La traviata’, que es la ópera más representada mundialmente, llega a Arrigorriaga y a Muskiz de la mano de Camerata lírica. Un espectáculo musical diferente se muestra en el Teatro Barakaldo. Lleva el nombre de ‘Cabaret elegance’. Viene precedido de premios internacionales. Reúne casi todos los géneros habituales sobre el escenario.
DANTZALDIA
El festival Dantzaldia sigue desarrollando su edición número 15, con ‘Afectos’ de la sevillana Rocío Molina. Es una nueva muestra de su investigación artística sobre la perfección de lo imperfecto y fragilidad del dolor.
La compañía de danza Fueradeleje presenta en Barakaldo una versión vanguardista de ‘4 estaciones’ de Antonio Vivaldi. Va dedicado a toda la familia. Juega con elementos plásticos y audiovisuales. En Leioa, la compañía manchega Enámbar Danza, presenta ‘Babaol’. Es la historia de una amapola y un caracol. Juega con un mundo tricolor: rojo, verde y negro.
Tampoco los más pequeños están olvidados. En la sala cúpula, la temporada de títeres ofrece ‘Los viajes de Petit’ por la compañía Miriñake.

-Josep María Miró ganó el prestigioso premio Born de teatro por esta obra en el año 2011. El propio Josep María ha confesado que inicialmente el texto tenía otro título, que él consideraba mucho peor. Cuando un amigo le sugirió éste, lo cambió inmediatamente.
-Asegura que es un título metafórico. El principio del viejo Arquímedes explica cómo un cuerpo sumergido en un líquido desaloja tanta cantidad de líquido como el volumen del objeto introducido. Esa ley física (si es que es una ley física) es aplicada ahora a nivel social sobre los efectos de los rumores, las intervenciones en los medios de comunicación y el miedo colectivo que provocan.
-Otra cosa es que, como atractivo para publicitar una obra de teatro, funcione.
-Es de suponer que el premio Born se lo dieron por la calidad del texto. Es un premio serio. A mí, no me lo han dado nunca.
-Quizá los dos aspectos más destacados son: La actualidad del tema en la sociedad y el tratamiento espacio – temporal que se hace.
-Si hace tres años, cuando le dieron el premio, el asunto de las redes sociales y de los miedos colectivos estaba muy extendido, ahora lo es muchísimo más.
-Es una de las funciones del teatro, tratar los temas que están presentes en la sociedad.
-El otro aspecto novedoso es el tratamiento espacio temporal. No se utiliza una narración lineal. Las escenas pares deberían ir por delante de las impares precedentes. Por ejemplo: lo que sucede en la escena dos ha tenido lugar antes de lo que se expone en la uno. Además, cada una de estas escenas es tratada desde un punto de vista diferente en el escenario.
-Es un buen ejercicio. ¡Interesante!
-Como todo aspecto interesante, también tiene sus riesgos. El espectador debe entrar en el juego. Si no sabe previamente que el orden de las escenas cambia o no lo percibe en el desarrollo de la obra, se puede armar un pequeño lío.
-Pero el experimento hecho está.

-Me habían recomendado ver la obra teatral ‘La Venus de las pieles’. Me habían insistido en que viera a la actriz Clara Lago, que últimamente se ha hecho famosa por una película de eco sobredimensionado. Yo por mi cuenta había leído ‘cosas’ sobre la obra y me había interesado un prometido juego sobre el poder y la dominación entre las personas. Así que fui al Teatro de Santurtzi con interés.
-Te corrijo. Fuiste con muchos intereses. También tenías curiosidad por ver el trabajo del director y adaptador David Serrano.
-Comenzando por Clara Lago, hay que decir que es la primera vez que trabaja en teatro profesionalmente. Sale bastante bien parada. Se nota que tiene una especial preocupación por triunfar. Ha escuchado muy atentamente al director y desea gustar. Se lo curra.
-Diego Martín, a su lado, quizá brilla menos.
-Para exponer otros aspectos de la obra, voy a copiar un párrafo del programa de mano. Pertenece a lo escrito por el adaptador y director. Dice: ‘Nada es lo que parece a primera vista en esta función. Casi en cada página, nos topamos con una nueva sorpresa, con un nuevo giro que hace que el espectador nunca sepa qué es verdad y qué es mentira, qué ocultan los personajes y quiénes son en realidad’. A mi juicio, David Serrano tiene un juicio exacto y completo de la obra,
-Efectivamente, en el desarrollo de la pieza hay mucho de lo que Serrano llama sorpresas. Hay muchos giros. Sobre todo hay muchos saltos de los personajes a los intérpretes, convertidos también en personajes, para hacer similares u opuestas sus trayectorias.
-Insisto en que son muchos esos saltos. Y los actores lo salvan con dignidad.
-Serrano exagera cuando dice que el espectador nunca sabe dónde está. Los espectadores ahora son (somos) medianamente inteligentes.
-Lo que sucede es que todos esos saltos, esos giros, lo que él llama sorpresas, son demasiados y no siempre está claro en qué dirección van. En bastantes ocasiones, no sólo no son necesarios sino que son perjudiciales y añaden confusión.
-Todo eso lleva a que la obra parezca larga, se haga pesada y su desarrollo termine resultando confuso.
-Pero, insisto. Me pareció un intento interesante.

-Tuve especial interés en ver en el Teatro Serantes de Santurtzi la versión teatral del director y autor argentino Daniel Veronese sobre la película de Igmar Bergman ‘Sonata de otoño’.
-Veronese es un creador teatral al que hay que seguir. Tiene un estilo muy propio.
-Para mí, sobre todo, es un director de actores. Quizá hay que precisar diciendo que logra mejores resultados con las actrices.
-No se pueden descuidar sus adaptaciones de obras de otros autores.
-En su trabajo sobre ‘Sonata de otoño’ de Bergman están todos esos elementos. En lo referente a la adaptación, logra concentrar todavía más todo el enfrentamiento entre la madre y la hija. En cuanto a la dirección de los actores, es preciso aceptar que cuida todos los detalles. La hija pequeña sólo aparece en una escena, pero está marcada muy puntualmente. Pero sobre todo se centra en la labor de las actrices principales: Cristina Banegas y María Onetto.
-En ese sentido, hay que alabar ese tratamiento medido y concentrado del conflicto central.
-Sin embargo …
-Sí. Dilo.
-Tengo la sensación como si hubiera un distanciamiento en los trabajos de Veronese. Como si él mismo dijera a los espectadores: ¡Tomad! Ahí tenéis eso, mirad qué bien lo hemos hecho y con tan pocos medios.
-No sé. Será una apreciación tuya.