David Barbero

-Acabo de ver en el palacio Euskalduna de Bilbao y dentro del festival Música-Música, la representación de la mini ópera ‘El teléfono:L’amour a trois’. Adelantaré mi buena impresión y mi valoración positiva de su montaje en la búsqueda de nuevos caminos para las representaciones operísticas.

-Intencionadamente, he aludido a la representación y al montaje. La endeblez del argumento y las limitaciones musicales, ambas del italoamericano Gian Carlo Melotti, son generalmente atribuidas a ser primerizas, ligeras y de escasa ambición.

-Es muy posible que estas debilidades den todavía más mérito a la originalidad, la sorpresa, la modernidad y la valentía de la puesta en escena, la escenografía y también en la programación de este espectáculo.

-La programación de la ópera ‘El teléfono’ dentro del festival Música-Música’ de Bilbao tiene ya numerosos alicientes. Es la primera vez que se presenta una opera en este festival. Otro valor es haber elegido una composición moderna dentro de los criterios operísticos. Además, trata un tema de absoluta actualidad, incluso mayor que en el momento que fue compuesta.

-La incorporación de la ópera en la muy intensa y variada programación de Música-Música es una muestra de su propósito, mejorado año tras año, de convertir este festival en una fiesta sonora total. Este año, con el titulo genérico de ‘Notac & Letrac’ se ha tomado como objetivo el dialogo de compositores y escritores de diversas épocas y estilos, contrastando, a la vez. la diversidad y la unidad de todas las artes.

-Esta ópera, cómo se sugiere en el título, hace referencia a la adicción al teléfono que ya existía hace casi ocho décadas y ahora se ha convertido en pandemia. Es una pieza de carácter cómico en un acto. Tiene como protagonistas a una pareja cuyas relaciones sentimentales se ven afectadas por el abuso de ese dichoso aparato.

-En esta ocasión, la dirección musical ha correspondido a Iván Martín. Los protagonistas han sido la soprano Ruth Gómez y el barítono Jan Antem, que han estado acompañados instrumentalmente por el Ensamble Galdós. Todos han realizado un trabajo muy meritorio, que ha sido reconocido con cálidos aplausos por los asistentes.

-La dirección de María Goiricelaya ha puesto especial énfasis en acercar esta ópera a la actualidad y al público de este momento. De modo más concreto a los jóvenes. Ha prestado una cuidada atención a crear un espacio escénico contemporáneo y cercano, así como al movimiento interpretativo. Con el apoyo del muy reconocido escenógrafo José Luis Raymond, ha convertido todo el teatro, incluido el escenario y el patio de butacas, en un inmenso gimnasio. Ha planteado la acción mientras los clientes realizaban sus ejercicios.

-Ese original e innovador planteamiento ha proporcionado al espectáculo operístico una cualidad de cercanía, de actualidad, eliminando las habituales rigideces, distanciamientos e inmovilismos utilizados en ese género.

-Así que es merecido el reconocimiento de la originalidad, innovación, valentía y buen hacer de los citados María Goiricelaya, como directora escénica, José Luis Raymond, por la escenografía, Iker Olabe por el espacio sonoro, David Alkorta, por la iluminación y  Nerea Torrijos por el vestuario. También a los entrenadores y gimnastas participantes.

-Por los comentarios escuchados al terminar la representación, este montaje de ‘El teléfono’ ha sido muy bien recibido por los asistentes y por quienes buscan nuevos caminos en la representación de la ópera.

David Barbero

-Acabo de llegar a casa desde el Azkuna Zentroa de Bilbao. Allí he visto un espectáculo de difícil clasificación, para mí, titulado ‘One night al te golden bar’. Todavía se mantiene el impacto por la novedad y la sorpresa sorpresa de lo presenciado.

-Se trata de la ultima creación del andaluz Alberto Costés. Es una dramaturgo, director de escena y performer. Desarrolla un lenguaje artístico propio, sutil, atractivo y hasta seductor. Lo une a una escenificación en la que mezcla texto, movimiento, canción e interrelación con el público de forma llena también de sutileza e intención seductora en el mismo tono. Todos estos elementos van aderezados con una suave y a la vez provocativa libertad. Incluso sugiere un contenido teórico de reflexión a veces autobiográfica. Asimismo incorpora un sentido poético muy particular.

-En esta ocasión, presenta lo que llama una declaración (semi)cantada. Ya el título del espectáculo hace referencia a una canción del mítico grupo Mecano. Plantea la situación del encuentro ocasional de una pareja en un bar íntimo, misterioso y sugiere las relaciones que allí pueden nacer o desarrollarse.

-El espectáculo habla sobre la fragilidad del cuerpo que se halla en permanente tensión entre el discurso quuer y el amor romántico. Parte de la imagen de un ángel para, desde ella, plantear cuestiones como la masculinidad no habitual, la identidad interior, la contradicciones personales y las fragilidades mentales. Sin necesidad de una manifestación explícita, se trasmite la reivindicación de libertad y la denuncia de los reproches y las condenas.

-Ya desde el principio he aludido a la dificultad para clasificar y definir el espectáculo. Quizá en el intencionado apoyo sobre ese intencionado misterio y esa (sólo) aparente fragilidad puede basarse el sutil y, a la vez, potente atractivo de ‘One night at golden bar’ y también del propio Alberto Cortés, cada vez con más recursos expresivos.

-Sería una injusticia terminar el comentario sin valorar muy positivamente el muy cuidado ambiente sonoro y la ejecución musical, y al resto del llamado equipo técnico, que colaboran en la muy buena factura del espectáculo.

David Barbero

-Comienzo con un apunte personal. En varias de las conversaciones que hemos mantenido, ya que nos conocemos de que coincidimos en nuestros años universitarios, le he oído decir al actor Josep María Pou que él se ha ido preparando durante toda su trayectoria para ser el actor que es ahora. Que ha ido acumulando experiencias, aprendizajes, detalles, correcciones, descubrimientos, dudas, incluso equivocaciones, para ir mejorando. Y que, en este momento de madurez, nota esa acumulación de recursos. Incluso, ha concretado que estaba teniendo esa sensación al encarnar estos pasados meses el muy rico y complejo personaje central de ‘El pare’ en el teatro Romea de Barcelona.

-Este fin de semana, con ocasión de un viaje familiar a Barcelona, he tenido ocasión de ver una de las ultimas representaciones programadas, por ahora, de ‘El pare’  en este teatro barcelonés. He escrito ‘por ahora’, ya que existen planes de próximas giras.

-El texto, como es sabido, pertenece al escritor, dramaturgo y guionista parisino Florian Zeller. Esta función está dirigida por Josep María Mestres. En el reparto, Pou está acompañado por Rosa Renom, Victoria Pagés, Josep Julien, Pep Pla y Miireia Illamola.

-Como el título indica, trata sobre un padre ya mayor, que afronta su proceso de decadencia física y mental. Su memoria comienza a hacerse líquida. Los recuerdos, de confusos pasan a estar vacíos. Tiene dificultades para conocer a los que le rodean e incluso para reconocerse a sí mismo, en un proceso de deterioro y retroceso que le devuelve hasta el seno materno.

-Es este anciano Andreu un personaje lleno de matices, de cambios, de dudas. Pide diferentes registros interpretativos cada muy poco tiempo. Sus falsos o débiles recuerdos chocan con la realidad a cada paso. Está lleno de incertidumbres y es incapaz de afrontarlas. Él se opone, se resiste, se enfada. Pero tiene ya la batalla perdida.

-Un personaje con esa variada riqueza en lo físico y en lo psicológico es una oportunidad y también un grandísimo reto. Es preciso haber acumulado mucha cantidad y mucha precisión de recursos para poder matizar todas sus reacciones. Y es también necesaria una gran agilidad física y mental, una especial rapidez en los reflejos para utilizarlos en el momento exacto, en la medida precisa, en la dimensión ajustada.

-Con todas esas cualidades, Pou encarna un padre frágil, vulnerable, superado por la realidad. Pero también, deseoso de no terminar vencido, con la valentía que le queda, hasta con una buena dosis de rebeldía. Habría que añadir un aspecto creo que destacado en la interpretación. Andreu no es un gran héroe lleno de grandiosidad teatral. Pero tiene su dignidad, su grandeza, su fuerza dentro de la evidente decadencia. En esos matices intermedios, ambiguos, polivalentes, también de detalle, es donde Pou está absolutamente exacto y preciso.

-Ah¡ Hay otro aspecto digno de destacar que está muy matizado en la interpretación de Pou y también en la dirección de Mestres. Es el humor. La obra es definida como farsa trágica. Con muchos elementos cómicos. Desde luego, no de carcajada sonora. Pero sí de media sonrisa. A veces, aderezada de ironía o de amarga nostalgia. También cuestión de matiz, de equilibro en el tono, de medida en el gesto, de precisión en las expresiones.

-Es de justicia decir también que José María Pou está bien rodeado en esta función. Ya he aludido a la sutileza en la dirección de Mestres. El tono interpretativo es muy elevado. Además, muy encajado en un conjunto cómplice. Es preciso destacar en el grupo a Rosa Renom, en el papel de hija.

-Os cuento todo esto con el fin de que vayáis anotando en vuestro disco duro el título de ‘El padre’, con José María Pou, que estará dentro de unos meses en vuestro teatro cercano. A mi juicio, sería un error dejarlo pasar sin verlo.

David Barbero

-Tengo interés en explicar lo que se sintoniza en el título de este comentario de modo un tanto enigmático. Pero, antes, es preciso situarlo. Esta noche he asistido en el Palacio Euskalduna de Bilbao a la representación de la ópera ‘Tosca’ de Giacomo Puccini, dentro de temporada numero 71 de la ABAO.

-Ha sido un espectáculo de muy notable calidad en todos los aspectos. Ha tenido una puesta en escena especialmente cuidada, expresiva, ágil e impactante para el publico. Pedro Halffter ha demostrado todas sus cualidades como director, al frente de una muy entonada Orquesta sinfónica de Bilbao. Los coros participantes han sido muy aplaudidos. Los cantantes solistas, especialmente Oksana Dyka, como Tosca; Roberto Aronica, como Cavaradossi, y Gabriele Viviani, como Scarpia, han recibido ovaciones al terminar.

-Dicho esto, paso a la argumentación sobre el título.

-Tosca’ es una de las óperas más reconocida y valorada. También está entre las más queridas por los aficionados. Y es de las que más veces se sigue representando.

-Los expertos alaban las muchas cualidades de la composición musical de Giacomo Puccini. Destacan la perfección de sus armonías , las mezclas de los tonos y la variedad de sus notas. Valoran de un modo especial su contribución, en la composición musical, a la narración de la historia, la definición psicológica de los personajes y al aumento de la intriga del argumento, las tensiones dramáticas y las atmósferas emocionales.

-También son bastante unánimes las alabanzas sobre el libreto. Fue escrito por Luigi IIlica y Giuseppe Giacosa. Desarrolla una historia bien construida con elementos de intriga y con numerosos momentos dramáticos. Las emociones están muy bien expresadas, y los personajes poseen una consistencia psicológica potente.

-No en vano se basaba en una obra teatral del mismo nombre escrita por Victorien Sardou e interpretada, con mucho éxito, por Sarah Bernartd. Pucinni asistió al estreno en Milán  e inmediatamente pidió a su editor que comprara los derechos.

-Tanto la obra teatral como la ópera tienen un fuerte contenido melodramático. La acción va, en buena parte, de amores y deseos eróticos dentro de un trío con dos varones rivales.

-También expone lacras y realidades sociales muy parecidas a las que suceden en el momento actual. Hay denuncia de la corrupción política. Se muestra el autoritarismo que se ejerce desde el poder. Hay violencia machista. Hay guerras. Enfrentamientos entre los políticos. Aparece, incluso, algo tan actual como las ‘fake news’.

-La acción se sitúa en las guerras de Napoleón contra los regímenes autoritarios de Austria en Italia. El auto proclamado emperador había vencido a esos regímenes dictatoriales y había colocado gobiernos liberales. Pero cuando Napoleón se va, vuelven los autoritarios al poder y establecen de nuevo la dictadura.

-Así que hay que dar una  nueva batalla para restablecer al gobierno liberal. Al terminar esta segunda batalla, llega hasta Roma la falsa noticia de que Napoleón ha sido derrotado. Los ultras lo celebran y toman sangrientas represalias contra los enemigos. Sin embargo, pronto se sabe que ellos han sido los verdaderos perdedores, con lo que se establece un gobierno contrario a lo que parecía. Todos los puestos de mando y los sillones de poder cambian de nuevo.

-Hay críticos que piensan que es una pena que no se haya dado importancia a esta parte de la historia para añadirlo a los atractivos del melodrama, de la crítica o la bufa política. En una visión de aquí y ahora, esos aspectos podrían tener gran valor. De todos modos, ahí queda el perverso personaje de Skarpia, el malo tanto en la agresión sexual como en violencia política ultra.

-También han existido opiniones en el sentido de que una representación cultural, musical y teatral en vivo, con todos estos elementos sociales tan potentes y tan actuales, se enfoque en una orientación dirigida exclusivamente, a su juicio, a destacar los valores vocales y a las interpretaciones de los cantantes. En lugar de considerar y valorar estos elementos como instrumentos de una representación artística total dirigida a la sociedad de este momento en toda su plenitud.

-Estas consideraciones son las que se pretendía reflejar en el título al describir ‘Tosca’ como una ópera (que podría ser) actual.

David Barbero

-Comenzaré, otra vez, por la conclusión: Lo que he visto esta tarde noche en el teatro Barakaldo con ‘El diablo cojuelo’ ha sido una excelente muestra de lo mucho y muy original que se puede lograr en la interpretación de una obra clásica por una compañía de payasos, teniendo por medio una adaptación inteligente como la realizada por Juan Mayorga.

-La compañía catalana de circo ‘Rhum & Cia’, integrada por payasos, está a punto de cumplir sus diez años de existencia y se ha convertido ya en un grupo de referencia en su género. Su trabajo ha recibido el reconocimiento de varios premios. Sobre todo el signo de su consagración está en la extraordinaria aceptación por parte del público.

-Destacan por su calidad y su innovación. Se atreven con todos los géneros y han logrado renovar el espectáculo circense con decisión y valentía en los temas y en las formas. Quizá sus elementos más destacados sean humor, la magia y la música, manteniendo la fama de atreverse con todo lo imaginable.

-Esta tarde han estado en el Teatro Barakaldo. Han traído una pieza clásica española del siglo XVII, aunque no se trata de un texto originariamente teatral: ‘El diablo cojuelo’ de Luis Vélez de Guevara. En una coproducción de la muy seria compañía de teatro Clásico de España y de la muy payasa compañía Rhum & Cia.

-Otro dato a destacar: Para adaptar este texto clásico se han buscado nada menos que a Juan Mayorga, el autor teatral de más éxito en la actualidad, aquí y fuera, así como miembro de la real academia de la lengua.

-El propio Mayorga ha dicho, sobre este proyecto, que ha realizado la adaptación con total libertad pero también con todo respeto; que ha tenido muy en cuenta que los interpretes iban a ser payasos; y que ha sido ‘una de las aventuras más bellas en que me he metido desde que estoy en el teatro’.

-El resultado de todo esto ya lo he sintetizado arriba. Pero añado algo más. En primer lugar, es de justicia destacar el excelente trabajo realizado por todos los componentes  de la citada compañía de clowns: Juan Arqué, Jordi Martínez, Roger Juliá, Piero Steiner, Mauro Paganini y Xavi Lozano.

-Es indudable que quien desee lograr un análisis académico del aludido texto clásico no es esta pieza el mejor sitio para encontrarlo. Pero como espectáculo teatral, incluyendo diversos géneros escénicos, hay que destacar su originalidad, su comicidad, el enfoque novedoso, la suma de estímulos artísticos, la excelente interpretación, la buena comunicación con el público, la agilidad …  Además, hay que agradecer la necesaria falta de respeto hacia los demasiado reverenciados clásicos y la siempre recomendable libertad.

-Así que ¡Viva los payasos cojuelos!