DAVID BARBERO

-Acabo de salir del Teatro Barakaldo, donde he visto la representación de la obra ‘María Luisa’ del muy reconocido y contrastado autor y director Juan Mayorga.

-Me voy a aventurar a hacer un pronóstico, aunque no tengo ningún fundamento para ello. No pasará mucho tiempo sin que este autor escriba otra obra sobre este mismo asunto de los personajes imaginarios y sobre las cortas distancias entre la realidad y la imaginación.

-Asumido ese riesgo, situémonos. El recientemente rejuvenecido filósofo José Ortega y Gasset insistía en que ‘yo soy yo y mis circunstancias’. Ese axioma debe aplicarse, creo, no sólo a las personas sino también a las obras de teatro.

-Lo aplico en esta ocasión. No es lo mismo haber visto la obra teatral ‘María Luisa’, de Juan Mayorga, el día del estreno absoluto en el Teatro de la Abadía de Madrid que verla hoy, en el Teatro Barakaldo, ya en el comienzo de la gira, después de todas las reacciones, comentarios y valoraciones que desde entonces ha habido sobre ella.

-El estreno de ‘María Luisa’ provocó una notable expectación, como ocurre con las obras del que, en estos momentos, es el más destacado representante de la autoría teatral en castellano. Incluso se añadía la circunstancia de que entonces acababa de ser nombrado director del teatro en el que tenía lugar el estreno. Y que la representación de hoy era la primera de la gira.

-Los comentarios críticos de la capital fueron, como sucede siempre, variados. Pero hasta los partidarios más entusiastas de Mayorga debemos reconocer que una buena parte de los opinadores aludían, en sus juicios subjetivos, a un desequilibrio en el desarrollo. Desde un arranque muy bueno, pasando por firmes expectativas, a caer en un periodo de flojedad y llegar a un final ambiguo.

-Así que había muchos intereses para la presentación de hoy en el Teatro Barakaldo. Con curiosidades repartidas y atenciones hacia diversos lados. Siempre, por supuesto, subjetivas y discutibles. Insisto con esa circunstancia importante, de que se ha tratado de la primera representación tras las representaciones de Madrid.

-Después de presenciarla con todas estas atenciones y curiosidades, he tenido la impresión de estar ante una obra ambiciosa, en el noble sentido de la palabra. Quizá una de las sinceramente más ambiciosas entre las suyas. Además con la circunstancia de plantearla, de modo intencionado, en el complicado terreno de la comedia.

-Creo que el verdadero tema no es la vejez, aunque también se trate. El foco está dirigido netamente a los difusos límites entre la realidad y la imaginación. Tomar como protagonista a una señora mayor es añadir un nuevo reto. Pero no lo fundamental.

-Vamos por partes. El salto inicial de la realidad a la imaginación, la mezcla, la fusión, la complicidad, a mí, me ha parecido ágil, ingeniosa, eficaz, atractiva, cómplice con el espectador, original, llena de sorpresas. Por eso, la primera parte funciona tan bien, incluso en esta ocasión,.

-Los que tienen experiencia en escribir teatro creo que saben, por experiencia, que las dificultades aparecen en lo que antes se llamaba segundo acto. Cuando hay que ir dando respuestas, acercar soluciones, recoger velas, encauzar el desenlace. Y el remate final requiere poseer un arte y una habilidad, de las que ha demostrado poseer en numerosas ocasiones Juan Mayorga.

-Un aspecto que, subjetivamente, ha llamado mi atención durante toda la pieza ha sido la construcción de los personajes. No sólo el de la señora María Luisa, que también. De todos. De los teóricamente reales y de los imaginarios. En unos tiempos como los actuales en los que se tiende a que los personajes sean devorados por la acción.

-Aprovechando este última expresión, me aventuraré a decir que quizá aquí ha sucedido lo contrario. Como si esos personajes imaginarios tuvieran una personalidad tan potente que hubieran desequilibrado las sutiles lineas que debían sustentar la acción global. Como si hubieran impedido que se viera con claridad el desarrollo del conjunto.

-En esta obra, Mayorga, además de ser el autor, asume la responsabilidad de la dirección escénica. Quiero suponer que ha sido un deseo de llevar a cabo con precisión el difícil proceso deseado, perfilando con exactitud esa línea invisible que, a la vez, separa y une la realidad y la imaginación. O al revés.

-Otra cualidad que se ha quedado marcada en mi impresión subjetiva es la interpretación. No se ha ido por un camino de sorprender, de lograr excelencias o dar clases magistrales. Se ha buscado la encarnación eficaz y completa de los personajes tan claramente diseñados.  Voy a citar los nombres de todos los interpretes. Lola Casamayor es es María Luisa. Juan Codina, Juan Paños y Juan Vinuesa interpretan a los personajes imaginarios. Marisol Ronaldi y Paco Ochoa a los supuestamente reales.

-Creo que ese propósito, esa investigación, esa lucha por el adecuado tratamiento del muy interesante y profundo intento de plasmar las invisibles líneas entre la realidad y la imaginación hay que atribuirlo también a Juan Mayorga en su calidad de director.  Quizá con la sensación de no haber llegado a la consecución definitiva.

-Por esa razón es por la que he tenido la osadía de decir al comienzo que creo que no pasará mucho tiempo antes de que haya otro intento. Pero la línea entre lo que llamamos realidad y lo que calificamos de imaginación es muy sutil.

DAVID BARBERO

-He visto esta tarde , en el teatro Arriaga de Bilbao, la obra que lleva el título tan largo que expongo en el arranque del comentario. He encontrado un significativo paralelismo entre lo que ha pasado con esta pieza y su argumento referido a los cambios de guión y de responsables que sufrió la muy famosa película aludida.

-Lo explicaré luego, porque antes deseo referirme a lo raro  y complicado que es el título aludido:‘Plátanos, cacahuetes y Lo que el viento se llevó’, aunque tiene relación con el contenido de la acción representada.

-En primer lugar, hay que señalar que éste es el título que se ha puesto a la versión española. El original en inglés, ‘Moonlight y magnolias’, resultaba notablemente más corto. . Pero no sé si más claro.

-El argumento tiene que ver con las dificultades surgidas durante el rodaje de la película norteamenicana en el año 1939, ‘Lo que el viento se llevó’. Estos problemas, de todo tipo, llevaron a intervenir al productor David O. Selznick para reconvertir el proceso, lograr cambiar el guion, buscar un nuevo director, reconducir el rodaje y conseguir salvar la carísima producción que terminó siendo un gran éxito mundial, artístico y económico.

-Para llevar a cabo esa reconversión y todo el trabajo de cambios, se impusieron un régimen alimenticio que incluía solamente plátanos y cacahuetes, además de café. Así quedan explicados todos los elementos que han sido incluídos en el titulo de su versión en castellano.

-En el desarrollo de la pieza queda reflejado el complejo mundo de la producción cinematográfica, con sus implicaciones artísticas, sociales,  económicas, morales y legales. Como metáfora y semejanzas, tiene muchas connotaciones e implicaciones con la vida misma. También se pueden ver reflejados los paralelismos y las diferencias entre el cine y el teatro.

-Es preciso advertir que este proyecto teatral, en castellano, se enfoca desde un propósito humorístico, en el que la comedia lo condiciona todo y resulta el recurso más sobresaliente, aunque no sea el exclusivo, ya que la intención original del autor Ron Hutchinson, incluía alusiones criticas a la sociedad norteamericana, la situación de los judíos o las limitaciones económicas de los procesos creativos.

-En este punto es donde he encontrado los paralelismos. Aquí también se ha producido una transformación y diversos procesos de cambio para lograr, como con la película aludida, un mayor éxito de público.

-En la adaptación al castellano de Daniel Anglés se ha fortalecido esa orientación hacia el humor. En esa misma línea camina la incorporación de Jose Troncoso, que es el responsable  de la versión y de la dirección escénica. Troncoso emplea aquí toda su habilidad cómica, demostrada ya en otras varias ocasiones con notable éxito y aceptación.

-También esta intención humorística preside las entregadas y dignas de alabar interpretaciones de los tres actores y de la actriz que encarnan a los personajes históricos que protagonizaron estos hechos en la realidad. Gonzalo de Castro encarna al mítico productor David O. Selznick. Pedro Mari Sánchez asume la personalidad del guionista Ben Hetch, al que se le encargan los cambios. José Bustos hace del director Victor Fleming. Y la actriz Carmen Barrantes interpreta a la secretaria del productor Señorita Poppenghul.

-No habría que olvidarse de ninguno de los participantes en los distintos oficios de esta producción. Y todavía menos de Mariano Marín, responsable de la música original y todo el espacio sonoro.

-Por todas estas razones, me ha parecido que la obra de título tan raro, que he visto esta tarde en teatro Arriaga de Bilbao, además de la comicidad, refleja los procesos que se producen en las artes escénicas, en otros desarrollos artísticos e incluso en la vida misma. Lo que puede dar pie también a una cierta reflexión crítica.

DAVID BARBERO

-Es muy posible que el grupo israelí Mayamaná sea el prototipo mundial de fidelidad a los principios con los que nació a la vez que ha sabido desarrollarse, crecer y adaptarse a los nuevos tiempos. Están a punto de cumplir el primer cuarto de siglo de existencia y continúa impresionando con sus espectáculos en todas las partes del mundo por donde va.

-Una muestra y una constatación  de todo ello se puede encontrar en las actuaciones que estos días están ofreciendo en el Palacio Euskalduna de Bilbao con su último espectáculo.

-Su nombre en hebreo significa habilidad, talento o destreza. En realidad, tienen muchas más que esas cualidades. Habría que añadir movilidad, dinamismo, ingenio, comunicación, contagio. Y más.

-Sus elementos artísticos básicos siguen siendo la percusión, las vertiginosas coreografías de danza unidas a la base teatral de sus composiciones. Mantienen sus tradiciones. Las unen otras percusiones africanas con ritmos antiguos.

-A todo ese mundo rico y profundo, incorporan los elementos más modernos de la actualidad. E incluso inventan otros nuevos, para dinamizar y perfeccionar sus espectáculos.

-Comenzaron en un pequeño almacén de la localidad israelí de Jaffa. Lo transformaron en local de exhibición con unas pocas butacas. Inicialmente eran cuatro visionarios aventureros del arte y la música. Hoy incluyen muchos cientos de artistas y colaboradores. Sus actuaciones por todo el mundo son incontables y  los espectadores que han disfrutado de sus espectáculos se cuentan por millones.

-El nuevo espectáculo que ahora están presentando lleva el significativo título de ‘Impulso’. Por delante, estuvieron, entre otros, ‘Momentum’, ‘Flashback’ o ‘Currens’. En todos ellos, está su esencia y su continua evolución. Todos se componen de música, movimientos y emociones, como elementos básicos. Ya con muchos complementos.

—Espectáculo que ahora presentan en el Palacio Euskalduna de Bilbao recoge directamente los diversos (im)pulsos de la vida, la etapas vitales, con las emociones correspondientes, los continuos y variados latidos del corazón, los ritmos, los colores. También hay muchas proyecciones con todo género de luces, colores y figuras. Unas coreografías se suceden a otras cada vez con más originalidad. Ya ha quedado dicho que la percusión es la base. Pero hay que hablar en un plural muy grande, hacen percusiones inimaginables con los elementos más sorprendentes. .

-¡Ah! Tampoco falta un elemento conceptual muy destacado en ellos: El juego. Todo el espectáculo es como una viaje por la vida en varias direcciones, con miradas polivalentes. Con diferentes ritmos con el fin de sentir los muchos latidos que se producen en la vida. Asimismo, hay que destacar el ritmo. Y la complicidad de los interpretes, los efectos sonoros, los visuales. Y muchísimas cosas más.

-Otro ¡ah! Sería impedonable no destacar su habilidad para meter a los espectadores dentro del espectáculo. Y su sentido del humor, expendido a todos los momentos.

-Creo que basta de explicaciones. Lo importante es ir a sentirlo.

DAVID BARBERO

–Esta tarde-noche he acudido al Teatro Campos Elíseos de Bilbao para ver otra vez el musical dedicado al grupo musical Mecano con el título de ‘Cruz de navajas’ con numerosos recuerdos y con notable expectación.

-Uno de los recuerdos se refería a que en otra tarde noche, de hace tres años casi con exactitud, acudí a otro teatro, también de Bilbao, a ver este mismo espectáculo, que recogía y vuelve a recoger ahora, de un modo original, las más destacadas canciones  ese inolvidable grupo.

-En aquella ocasión, no acudía con recuerdos sino con incertidumbres. Eran los momentos en que vivíamos aquella, nefasta y digna de olvidar, pandemia. Era imposible no verse afectado por las circunstancias ambientales  que padecíamos y por la tensión social que nos veíamos obligados a soportar, además de las incertidumbres sanitarias.

-Aquel día llevaba una inquietud. Algún tiempo antes de esa representación en agosto de hace tres años, yo acudí a la rueda de prensa para presentar la llegada a Bilbao de ese espectáculo. Allí se nos dijeron maravillas de él. Se insistió en que tenía una factura artística extraordinaria, en que la utilización de las nuevas tecnologías resultaba maravillosa, en que los cantantes eran muy buenos, los bailarines también y se dedicaron los mismos piropos a los músicos. Tampoco faltaron alabanzas para los productores, los directores y los coreógrafos.

-Se dijeron tantas alabanzas, que me crearon ciertas dudas a mí, que ya peino muchas canas y estoy escarmentado de los adjetivos laudatorios dichos, sin demostración, en las presentaciones y otros actos propagandísticos.

-También recuerdo que la tarde de aquel estreno, prácticamente desde el primer momento de la representación, pude comprobar que  las cosas dichas en aquella ruede de prensa correspondían, en muy gran medida, a la realidad del espectáculo ‘Cruz de Navajas’.

-Era un acierto la utilización de las nuevas tecnologías, con los efectos visuales, con los apoyos sonoros, con la capacidad de envolver al espectador, la posibilidad de crear atmósferas y de crear un espectáculo total.

-El conjunto de intérpretes era muy digno de destacar, por sus calidades, su implicación, la capacidad de comunicar, la conjunción entre ellos, la complicidad. En esos elogios había que incluir a todas las disciplinas: cantantes, bailarines, músicos, hasta gimnastas y actores.

-En aquella rueda de prensa inicial, también se insistió en que esta producción ofrecía una propuesta diferente y más trabajada a la forma habitual de escuchar y ver las canciones de Mecano. Se resaltaban matices, efectos, visiones y sensaciones que en otras versiones pasaban desapercibidas.

-Todos estos recuerdos me han provocado expectación y me han servido para poder hacer esta tarde una comparación con el espectáculo tan como se ha presentado hoy. Me ha parecido que ha habido innovaciones, mejoras, que durante estos años han seguido trabajando, que han matizado algunos aspectos. Quizá entre los añadidos, hay que señalar algunas aportaciones orientadas a aportar comicidad.

-Cada una de las canciones seleccionadas siguen teniendo un tratamiento narrativo y visual específico. En algunos casos, más matizados. Los efectos con la aplicación de las nuevas tecnologías  siguen siendo muy cuidados. Resultan novedosos, expresivos y eficaces, y que pueden también alargar la duración del espectáculo.

-Así que estas sucesivas visiones me lleva a considerar que es preciso acudir sin ninguna suspicacia o duda, porque la gratificación está asegurada en todos los sentidos. Todavía más si se ha sido, o todavía se es, seguidor de aquel inolvidable grupo musical.

DAVID BARBERO

-Hay espectáculos que son difíciles de definir. Suelen existir diferentes causas de esa dificultad. Pero siempre está presente la de no ser unos productos escénicos estandar o catalogables en los géneros habituales. Tienen calidades y características singulares.

-Esta circunstancia se puede aplicar de ‘Carbón Club’ de la Compañía Markiliñe, que estos días se ha estado representando en el Palacio Euskalduna de Bilbao, dentro de la programación festiva de la Aste Nagusia.

-Quienes tienen más posibilidad de conocer su esencia son los propios creadores. Ellos, los miembros de esta veterana y muy premiada compañía, la definen en estos términos. ‘ Es un metáfora de la vida abierta a diferentes reflexiones: el valor de la amistad, el destino trágico, el coraje vital, la tierra profunda, las guerra cercanas, la lucha contra la explotación’. Y añaden: ‘Sobre todo, es un homenaje lleno de admiración hacia los hombres y las mujeres de la mina’.

-Otras descripciones que pueden completar la definición aluden a una suma de diferentes géneros escénicos. Hay una estructura de cabaret. Es teatro de denuncia. Alguien puede encontrar elementos de terror. Por supuesto, impera el concepto de teatro de calle, abierto, sin límites. La importancia de la música. La selección de canciones  sobre la mina y los mineros. Se presta mucha atención a las mujeres implicadas.

-En el espectáculo, hay mucho humor. Hablando del carbón, es lógico que hasta el humor sea negro. No tiene un argumento lineal con el esquema rígido del planteamiento, nudo y desenlace. Un elemento algo destacado es un flicteo amoroso entre dos mineros. Pueden encontrarse referencias cinematográficas. No faltan sus protestas por las malas condiciones del trabajo. Tampoco falta la represión policial.

-Desde luego, es una exposición o descripción notablemente completa del trabajo en las minas. La dureza. El peligro. La muerte. Seguramente supera esos límites y llega a ofrecer una metáfora de la vida misma.

-Una mención muy especial merece el trabajo interpretativo de todos los miembros de la compañía Markeliñe. Con un estilo y unas complicidades muy propias. La fuerza y el impacto de cada una de las escenas. Incluso de cada movimiento y cada gesto. Los rapidísimos cambios de roles y situaciones.

-La compañía Markeliñe, radicada en la localidad vizcaína de Amorebieta, tiene unan trayectoria larga y muy reconocida en la elaboración cuidadosa de espectáculos destinados a todo tipo de públicos, gustos y apetencias estéticas. Prestan también atención a los más pequeños. Cuidan mucha la calidad. Tienen experiencia en diversos géneros escénicos. Incluido el circo. Han trabajado tanto en salas como en la calle. Han recibido el reconocimiento con numerosos premios y distinciones. Incluso internacionales, como esta obra.

-Este espectáculo de ‘Carbón Club’ está pensado para ser presentado preferentemente en el exterior, en la calle. Pero acepta otras escenificaciones. Por ejemplo, en el Palacio Euskalduna se ha venido representando en uno de los ‘halles’. Naturalmente sin butacas. Con los actores y los escenarios entre el público o al revés.

-Tiene un desarrollo muy coral, como casi todos los espectáculos de esta compañía. La creación es colectiva y todos los intervinientes dominan varias especialidades escénicas.

-Un apunte final. La compañía Markeliñe viene representando esta obra desde hace ya bastante tiempo. Algunas veces, en lugares muy destacados de aquí y del extranjero. Desconozco cuales son sus planes futuros sobre la continuidad de esta pieza. Por si acaso, pienso que sería conveniente estar atentos a las próximas posibilidades de verla. No sea que se la pierdan definitivamente. ¡Sería una pena!