DAVID BARBERO

–Aunque casi nunca acierte con los títulos de estos comentarios o especulaciones, os puedo asegurar que les presto bastante atención. Doy muchas vueltas sobre ellos. Procuro poner intenciones que me gustaría reflejar.

-Pero hablemos del titulo de la obra que he visto esta tarde en teatro Arriaga de Bilbao. ‘Malos tiempos para la ópera’.  El origen en teatro de esta expresión creo que debe atribuirse al gran Bertold Brecht. La utilizó, metafóricamente cuando hablaba del nacimiento y la expansión de nazismo en su país.

-También Boadella la utilizó hace treinta años en su obra ‘El nacional’ con una intención similar, aunque en una dirección muy diferente. La pronunciaba el actor Ramón Fontseré. Interpretaba al acomodador de un teatro en ruinas, también metafórico, que termina montando ‘Rigoletto’ con una compañía ‘lírica’ de vagabundos. Los malos tiempos eran atribuidos al teatro en general.

-En la obra que he visto hoy, los protagonistas son un viejo profesor de canto y una alumna suya que se ha hecho famosa por convertir arias líricas en canciones modernas de escasa calidad. Acaba de perder la voz y acude al maestro para recuperarla y seguir con el negocio.

-Boadella, con la ayuda de su colaboradora habitual en la dirección y la escenografía, Martina Cabanas, utiliza esta ligera y exagerada anécdota argumental para exponer su nostálgico y conocido discurso ideológico. Quiere decir que las cosas en general van mal porque hay innovaciones se cambian las cosas, que ya no se hacen como se hacían antes.

-Los personajes protagonistas de esta historia son interpretados por la soprano María Rey-Joly y el tenor Antoni Comas. Son habituales en las producciones escénicas dirigidas por Boadella. Ambos tienen cualidades musicales y formación para  sacar adelante sus cometidos musicales, a pesar de las muchas dificultades impuestas por el texto y la dirección. En lo estrictamente teatral, resulta más complicado sacar adelante tales personajes, a causa de su exageración y su inconsistencia.

-Cuando esta obra se estrenó en Madrid, hace unos meses, un severo crítico musical cambió intencionadamente en título, en su comentario, y escribió: ‘Malos tiempos para Boadella’.

-¡Bueno! Albert Boadella, últimamente, mantiene su genio y su figura. Pero quizá merecería una madurez más acorde con su trayectoria.

DAVID BARBERO

-Esta tarde he asistido, en Azkuna Zentroa de Bilbao, a un estreno teatral innovador. Indico este carácter vanguardista, desde el principio, con la confianza de no sorprender a nadie. Parto de la idea de que  es sabido que este centro está comprometido en el desarrollo de la cultura contemporánea. Y, por lo tanto, apuesta por la innovación.

-Voy a intentar haceros una crónica, como de decía antes, o una referencia o una descripción de esas que se llaman objetivas o fieles. Parto de que no sé yo mismo si eso es posible. Y tampoco sé si yo soy capaz de llevar a cabo esa misión. Desde luego, creo que no tengo cualidades para hacerlo. Pero lo voy a intentar en la medida de mis (pocas) posibilidades.

-Se trata de una pieza teatral titulada ‘Inactuales’. Quizá el concepto tradicional del teatro ya esté puesto en cuestión. Ahora se habla más de arte en vivo. La pieza pertenece a la compañía internacional L’Alakran. Tiene su sede principal en Suiza, en concreto de Ginebra y Lausanne. También en Bilbao, en concreto en el Azkuna Zentroa. La idea y la dirección corresponden a Oscar Gómez Mata.

-Oscar también participa como interprete, en unión de Juan Loriente. Una precisión en este punto. Ellos dos se suelen definir como ‘payasos metafísicos’.  No sé si son dos términos antagónicos. Quizá por eso los colocan juntos. También se suelen calificar de ‘poetas’. Otros de sus colaboradores son Sandra Cuesta, Leo García y Vanesa Ferreira.

-No es fácil, al menos para mí definir con exactitud el objeto, o quizá sujeto, de investigación llevado a cabo en este experimento. Durante la representación, ellos han utilizado el término ‘performance’. Quizá se pueda decir que su objetivo es transitar por la sutil línea que existe entre la realidad y su contrario, entre la verdad y lo que no lo es. La seguridad y la duda, la imagen y su reflejo. Entre la reflexión teóricamente profunda y la expresión premeditadamente absurda. Lo meditado y lo improvisado a bote pronto.

-En este mismo escenario del Azkuna Zentroa, hace un tiempo, presentaron su anterior creación, o experimentación o elucibración poético-metafísica. Llevaba el título de ‘Makers’. El objeto o sujeto de descubrimiento estaba, creo, muy próximo a éste. También lo he visto definido como la ‘búsqueda de lo sensible bajo lo sensible’. O al revés.

-Conciben el escenario, eso afirman, como una realidad en la que se recibe un misterio. Se trata de jugar, o moverse, entre el asombro y  la inocencia. O trabajar sobre lo que existe y el sueño. Buscan lo auténticamente real, o más concretamente quizá pretendan llegar hasta el núcleo o la idea última que nos hacemos de lo que es, o creemos que es, la verdad.

-Casi todas las expresiones que utilizo son palabras textuales suyas. De esa misma manera, os digo que desean proponer una experiencia del alma; una forma de renacer; una manera de traer de vuelta al mundo intuiciones sensibles e hipersensibles, más allá del pensamiento cartesiano. También hay en ellos, una actitud critica social e incluso política de hechos o imaginaciones cotidianas. Consideran que esa actitud es inherente a todo proyecto artístico.

-Creo que ya he dejado dicho que esta compañía, L’Alakran, trabaja sobre todo el Suiza.  Pero sus producciones son expuestas en Francia, Portugal, Italia, Latinoamérica, País vasco y el resto de España.

-Os había prometido informaros. Soy consciente de que no lo he logrado. La culpa, sin duda, es mía. Os pido disculpas.

DAVID BARBERO

–Entre las muchas dudas que tengo sobre las actitudes teatrales, está la siguiente: ¿Es mejor asistir a un espectáculo sabiendo mucho sobre la obra antes de verla o es más adecuado no saber nada y dejarse sorprender? Igual algunas personas lo tienen claro. Yo, en cambio, he realizado experimentos en los dos sentidos. Pero no sé valorar las ventajas y los inconvenientes.

-Esta tarde, he acudido al estreno de la pieza titulada ‘Machos en flor’ en el Teatro Arriaga de Bilbao. He intentado informarme, antes, de algunas cosas. Pero han sido escasas. Entre ellas, está que inmediatamente se va a volver a estrenar en Pabellón 6, también de Bilbao; que allí van a estar varias semanas y que los ensayos han sido realizados en su escenario.

-También es conocido que el equipo creador y ejecutor pertenece a este segundo centro.  Felipe Loza es el autor y el director. De la interpretación, se encargan Josu Angulo, Kepa Alesso,  Quique Gago, Aitor Echarte, Diego Pérez y Yeray Vázquez.

-También es algo importante que todos los personajes, ficticios o quizá no, de esta obra pertenecen a un círculo de hombres, que están preocupados por su condición, género o identidad masculina; que quieren ser mejores; que aspiran a ser igualitarios y huyen de lo que se llama el patriarcado.  O al menos eso parece. O quizá sólo lo aparentan. O quizá esa complicada amalgama de actitudes y preocupaciones se estén convirtiendo en su estado permanente.

-Tienen una actitud activa en este propósito. Se reúnen para reflexionar y para sacarse faltas. También colaboran  en lograr un cambio social en la consecución de los objetivos que se consideran feministas. O quizá sea eso sólo lo que dicen.

-Sobre toda esa información, he prestado, desde el principio, una detenida atención. Puedo asegurar que me ha interesado. Me he enganchado al planteamiento, al debate, a las inquietudes, a las idas y a las vueltas,a las dudas, a los propósitos reprimidos, a los deseos ocultos y a las manifestaciones contradictorias. Creo que puedo decir que he llegado a identificarme sucesivamente con algunos de los personajes. Con unos más que con otros. Puntualizaré. Me he visto reflejado en unos momentos más y otras circunstancias menos. Sobre todo me han contagiado su confusión, sus contradicciones, su no saber si debían ir o volver, o incluso hacer las dos cosas a la vez.

-Así que, nada más terminar la función en el teatro Arriaga, incluso antes de levantarme de la butaca, he tomado una decisión. Dado que se va a representar de modo inmediato en pabellón 6, voy a buscar otra fecha para verla de nuevo. Incluso es posible que haya que hablar en plural

-Estoy convencido de que, con las sensaciones y conocimientos recibidos hoy, voy a sacar mucho más provecho. También llevo ya sabidas varias cosas. Ha quedado claro, una vez más, que Felipe Loza es un autor con excelentes recursos, muy hábil, poseedor de un lenguaje amplio, ancho y contundente. Y que esos mismos valores pueden verse en su dirección escénica.  También los seis actores, antes citados, dejan  constancia de sus cualidades interpretativas, de su entrega y de su versatilidad.

-Tampoco quisiera restar méritos en su labor de coreografía a Leire Ormazabal, a la dirección de canto de Yeray Vázquez, la iluminación de Fernando Alcauzar y el atrezzo de María Casanueva.

-¡Ah! Allí prestaré atención a las alusiones pirandelianas sobre el número seis y el autor, que esta tarde me han pillado por sorpresa.

DAVID BARBERO

–Como había varias propuestas para elegir entre la oferta teatral para hoy en Bilbao y los alrededores, he decidido informarme antes de decidirme. He tenido alguna duda. Siempre da un poco de pena desechar algo que te pueda sorprender o inquietar o incluso enfadar. Al final, me he decidido por esta pieza del título largo y bastante misterioso, que se ha representado en la sala La Fundición.

-Creo que ha terminado decidiendo la suma de pequeños estímulos. Que era una investigación sobre diferentes memorias: la personal, la familiar, la social;  Que partía de un familiar tan entrañable como siempre es una abuela; que por medio se podía encontrar una enfermedad mental y sus graves consecuencias discriminatorias; Que había un juego con objetos; el atractivo de los límites entre la realidad y la ficción; los secretos.

-Para ese momento, ya había confirmado que ‘Mi padre no era una famoso escritor ruso’ es un espectáculo escénico ideado, dirigido e interpretado por la burgalesa Bárbara Bañuelos. La parte técnica la maneja Jaime Espada, y de la iluminación se ha encargado David Picazo. Es una obra que lleva ya un cierto recorrido. Ha pasado por el madrileño teatro de la Abadía. Y también ha participado, hace unos años, en el festival BAD de Bilbao.

-Os puedo asegurar que no me arrepiento de haber elegido esta obra. Todo lo contrario. La recuperación de la memoria familiar me ha parecido originar e interesante. Quizá el juego de las sillas no ha resultado especialmente expresivo. También ha podido resultar excesiva o teórica, teatralmente, la documentación y las opiniones sobre la salud mental. Pero, en cambio, han quedado ganas y deseos de conocer más sobre la abuela paterna buscada.

-Aunque con lo que hemos descubierto sobre ella, sobre su azarosa vida y sobre las muchas discriminaciones sufridas, ha logrado conquistarnos y ponernos de su parte, a los asistentes hoy a la sala La Fundición de Deusto.

DAVID BARBERO

-La verdad es que creo que debía haber añadido  más adjetivos para calificar la versión en castellano de ‘Festen’ que acabo de ver hace un ratito en el teatro Arriaga de Bilbao. Pero mi intención  primera ha sido reflejar, desde el principio, la impresión muy positiva que he sacado.

-Voy a intentar matizar. Esta tarde-noche, he acudido para ver de nuevo ‘Festen’, esta nueva producción del teatro municipal bilbaíno y una sus principales apuestas de esta temporada. Esta vez he presenciado la versión en castellano. Hace algo menos de un mes, vi la versión completa en euskera. Y unos días antes, había asistido a la presentación de una parte de la obra en rueda de prensa.

-Lo he hecho premeditadamente con el fin de analizar esta obra con más detención de lo habitual. Tomé esa decisión ya que, desde el primer momento, despertó mi interés y mi curiosidad. Me pareció que en este proyecto no había un mero intento de sacar adelante una producción más. Sino de realizar un propósito serio de innovar, de presentar una propuesta potente que impactara sobre un problema que sigue siendo grave, y una llamada a la conciencia a través de un montaje moderno que uniera muy eficazmente las nuevas tecnologías con un trabajo muy cuidado en la interpretación y en la puesta en escena.

-Con el fin de situarnos, vamos a recordar que este espectáculo teatral tiene su origen en la adaptación  de la película del mismo nombre dirigida por  Thomas Vinterberg, hace unas décadas. Ya entonces se convirtió en un acontecimiento que conmovió la cinematografía. También incidió en el proceso cultural general, modificando aspectos concretos de la narrativa audiovisual con los planteamientos del movimiento Dogma 95. También causó impacto y obtuvo premios por el conflictivo tema tratado y la manera de hacerlo, con esa denuncia de las agresiones sexuales en el seno de la familia y la puesta en cuestión de esta institución.

-En general, pienso que una adaptación suele traer más inconvenientes que un texto nuevo para para llevar a cabo un proyecto novedoso. Por esa razón, puede ser más digno elogio el trabajo realizado, en esta adaptación concreta, por María Goiricelaya y Lucía Astigarraga, dos profesionales con muy especiales capacidades y con experiencia selectiva. Han sido fieles a la esencia del producto original. Pero dan la impresión de que se han preocupado más de lo que deseaban obtener sobre el escenario y cómo plasmarlo. Han logrado una exposición ágil y con gran fuerza expresiva.

-María Goiricelaya, ha asumido también la dirección escénica con lo que implica de responsabilidad principal sobre el resultado del montaje escévico completo y la coordinación de todos los elementos en la orientación deseada: Los movimientos, la coreografía, el ritmo. La muy eficiente manera de trasladar al espectador el problema, la denuncia, las emociones, los conflictos. Uno de los aspectos y decisiones más importantes, a mi juicio, ha sido su apuesta por una escena múltiple, integral, continua, sin ningún descanso, casi sin dejar respirar, con estímulos simultáneos y multiplicados, manteniendo a todos los intérpretes prácticamente en escena.

-Esta decisión tiene importantes efectos sobre la actitud de los espectadores. Se ven obligados a tener que atender a todos esos estímulos a la vez. Lógicamente reciben más información, más impactos y también más emociones. Pero te exige más atención. Lo voy a poner plural: más atenciones simultáneas.  A cambio se obtiene una percepción más completa y matizada del problema planteado, de las emociones, las contradicciones, las debilidades, la corrupción, la perversión, la hipocresía.

-En esta misma dirección y con este objetivo, yo destacaría la concepción múltiple y móvil de la escenografía. La delimitación del espacio, su definición, a veces su multiplicación o la relación entre sus elementos siempre son importantes y tienen una incidencia decisiva sobre la acción o sobre los perfiles de los personajes.

-Creo recordar que en la película se partía de  habitaciones lujosas pero cerradas. A aquella gran mesa que tanto pesaba, no solo en lo material. Aquí se viene a una sala abierta con más movimiento, ágil, dinámica multifacética.  En la película, aquel espacio transmitía opresión, cierre. Aquí se da la vuelta. Pero la opresión se mantiene y se multiplica. Ahí está la labor del maestro en escenografía José Luis Raymond. Al lado de la directora. Y no es la primera vez.

-La atmósfera no sólo es creada por el ambiente físico. El sonido, la música, el movimiento, casi la danza, son decisivos. Tienen también la misión de crear y separar momentos o fases. Ibon Belandia e Ibon Aguirre están en la parte sonora.  ¡Ah! La luz. La iluminación. En plural. Las iluminaciones. En ese campo, se mueve David Alcorta.

-Un aspecto a destacar, por la incidencia en el impacto sobre el espectador, es la presencia continua de una cámara sobre el escenario, siguiendo a diferentes interpretes por el escenario y proyectando su imagen ampliada en la pantalla de fondo. Interesante punto de reflexión este de la incorporación de las nuevas tecnologías en el desarrollo escénico. Fructífera me ha parecido la aportación al espectador de poder ver lo que hacen los personajes cuando está teóricamente fuera del escenario. Guiando esa cámara está Rut Briones, del estudio audiovisual Gheada.

-El vestuario tiene una especial incidencia. Azegiñe Urigoitia lo ha trabajado.  Y el movimiento, la coreografía. Da la impresión de que Alberto Ferrero se lo ha trabajado con cuidado.

-Y la interpretación. Personalicemos. Los interpretes. Ellas y ellos. Incluida la niña Aiala Mariño. Con personajes tan densos, con tantos matices, siempre en escena. Con especial incidencia en la acción y en las emociones creadas. La obligación de ofrecer continuos y diferentes estímulos cada uno, pero sin llegar a obstaculizar la visión del conjunto.

-Citemos a los interpretes. Son los que dan la cara, el cuerpo y todo. Egoitz Sánchez, Aitor Borobia, Mikel Martínez, Alfonso Torregrosa. Lander Otaola, Ione Irazabal, Ane Pikaza, Sandra Ferrus, Olatz Ganboa y Loli Astoreka.

-Retomo la idea de los primeros párrafos. Esta producción del teatro Arriaga, con todos estos profesionales citados, ofrece un muy interesante trabajo digno de un atento estudio, además de un gratificante disfrute estético.

-Es, sin duda, una muestra de lo que se puede conseguir aquí en un espectáculo teatral de calidad y, permitidme repetirlo, de innovación.

-No me resisto a reiterar mi enhorabuena y mi agradecimiento.