David Barbero

-Estoy  dando vueltas sobre en qué género escénico habría que colocar el muy interesante, potente, de gran impacto y espléndido espectáculo que he presenciado esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao.

-He leído, en el programa oficial, que podría ser un concierto escenificado. No me parece suficiente. También he oído alusiones a fusión de géneros. Mezclas híbridas en busca de un mayor impacto, llenas de novedad e innovación.

-La verdad es que, en este ‘género’ escénico de los conciertos, es donde posiblemente se ha avanzado y experimentado más dentro de las artes escénicas. Se ha apropiado y ha invadido los límites y las fronteras para convertirse en un espectáculo total.

-Un claro ejemplo de esta valiente experimentación, de este arriesgado avance, de esa superación de las fronteras es la producción del Teatro Arriaga que se ha estrenado esta tarde con el título de ‘Moto-Membra Jesu Nostri’.  Tiene una gran abundancia y variedad de elementos artísticos de muy distinta naturaleza. Todos han estado integrados de forma original y muy eficaz para un gran impacto en el público.

-La parte más larga del título: ‘Membra Jesu Nostri’ corresponde a una composición barroca del músico centro europeo Dieterich Buxtehude. Está integrada por siete cantatas dedicadas a los pies, rodillas, manos, costado, pecho, corazón y cabeza de Cristo.

-han sido interpretadas en directo, de modo impresionante, con exactitud y con una gran capacidad para conmover, por el conjunto Conductus Ensamble, integrado por 15 voces y once instrumentistas, bajo la muy experta dirección de Andoni Serra, que ha tenido mucho cuidado en conectar, en la parte instrumental, con los otros elementos del espectáculo.

-Especial mérito han tenido los miembros de coro. Además de cantar excepcionalmente, han tenido que hacer de actores, formar grupos en acciones múltiples y compartidas. Estas acciones han sido realizadas, con una todavía más encomiable perfección por el grupo de solistas. Merecen ser citados los cinco. Las dos sopranos Jone Martínez y Lucía Gómez, el alto Leandro Marziotte, el tenor Aitor Garitano y el barítono Jesús García.

-El término ‘Moto’, que también aparece en el título, hace alusión a un texto original escrito por el también protagonista Eneko  Sagardoy. Trata sobre la muerte. Un accidente en moto, la tragedia del fallecido. El infinito dolor de quien se queda. El amor roto. Muy destacable la desdoblada interpretación de Eneko. Llena de matices, con gran fuerza, con momentos de intensa emoción, sin olvidar la ironía y algunas expresiones más amables.

-Todo, bajo la mano experta e innovadora de Lucía Astigarraga que asume la dirección y la dramaturgia del espectáculo. Significa su debut en las producciones oficiales del Teatro Arriaga. Pero trae ya el peso de una intensa actividad previa en numerosos oficios teatrales, también como actriz, unos en su propia compañía  y otros en lugares tan destacados como el Aachen Theater, donde ha adaptado y dirigido una versión muy innovadora de la opera ‘Carmen’.

-En la propuesta estrenada hoy, demuestra gran dominio en las claves para llevar a cabo el desarrollo de un espectáculo de notable entidad y complejidad, Aporta innovaciones en la búsqueda de nuevas formas teatrales y de comunicación con el espectador. Ha compuesto un espectáculo de gran impacto. Ha creado atmósferas envolventes. Ha establecido elementos de conexión entre la variedad de estímulos e impactos. Ha logrado mantener la atracción y el hechizo hasta el final.

-Tampoco habría que olvidar la aportación creada por la singular y espectacular escenografía, responsabilidad también de Lucía Astigarraga. Ha servido para aumentar la expectación, para desarrollar el impacto y para producir una sensación grandiosa y potente. También sería una injusticia no reconocer el mérito de Pau Ali, en el vestuario. Y de Alberto Rodríguez en la iluminación.

-Para calificarlo de acontecimiento, como se destaca en el titulo de este comentario, ha contribuido la sensación producida por el teatro completamente lleno, por un público de características especiales, y por uno de los aplausos más contundentes, largos y sonoros, con los espectadores en pie, de los últimos tiempos.

David Barbero

-Voy a hacer un previo, por si mañana no puedo acudir a algo que me parece de especial interés.

-Creo hablar con exactitud si digo que mañana habrá un evento artístico singular por diferentes aspectos. Y que algo de lo más destacable será la suma o la conjunción de diversas artes.

-Se presentarán dos interesantes piezas de danza contemporánea, programadas dentro del festival Dantzaldia, en un lugar emblemático y novedoso como es el atrio del Museo de Bellas Artes de Bilbao. Las piezas llevan los títulos de ‘Coreografías de un DeMente’ y ‘Ur.

-He destacado intencionadamente que el lugar donde se desarrollarán estas muestras de danza contemporánea es el museo de Bellas Artes. He deseado indicar, con ello, que esa mezcla e interrelación multi artística son objetivos compartidos por ambas instituciones.

–Esta suma y colaboración de diversas manifestaciones artísticas se halla muy presente en las más recientes tendencias dentro de las investigaciones de todas las artes con resultados llamativos e innovadores.

-‘Coreografías dun DeMente’ tiene como base la danza gallega, pero vista por los ojos de la bailarina y coreógrafa catalana Carla Diego. Tiene un formato de espectáculo de calle. Ofrece una reflexión sobre la enfermedad a la que alude el título, y sus consecuencias sociales. Cuida mucho el marco escénico y el vestuario, con criterios innovadores.

-‘Ur’  tiene relación con los trabajos cotidianos de un caserío vasco. Indaga, a través de las formas y los movimientos, en la idiosincrasia y las raíces tradicionales que significan. Desarrolla el concepto de la casa como segundo cuerpo, con las connotaciones personales y emocionales que eso acarrea. El guión es de Koldo Izagirre y la dirección de Aiert Beovide, con música de Pascal Gaigne.

-El motivo de este adelanto es ponerlo en vuestro conocimiento y animaros a que, si os es posible, no os lo perdáis.

David Barbero

-Confesaré que esta tarde – noche he acudido a la sala kúpula del Teatro Campos Elíseos de Bilbao a ver la obra cómica ‘Estoy rara’, protagonizada por Paloma Jiménez y Ángela Conde, con varios motivos de curiosidad.

-Quizá el mayor de estos motivos ha sido que previamente había leído algunas declaraciones suyas en las que afirmaban que ellas, que forman una compañía autodenominada Las raras, utilizan el teatro y en concreto la comedia, para denunciar la situación de injusta desigualdad en que se encuentran las mujeres, y hacerlo a través del humor. Tener claros los objetivos siempre es bueno. También en el teatro, donde no sé si abunda esa claridad de intenciones.

-También me había parecido atractivo, saber que dentro de su propósito está utilizar todas las técnicas, los recursos y los trucos de la comicidad para lograr que ese humor, además de tener ese contenido femenino, o incluso feminista, logre los efectos estrictamente humorísticos hasta las últimas consecuencias. Incluso especificaban que tenían la intención de utilizar todos tipos de humor en este intento. Y en esa enumeración de tipos humorísticos no excluían a ninguno. Incluso ponían el énfasis en incluir también ese tipo de humor, que en el lado masculino, se suele llamar verde, o atrevido o subido de tono.

-Ahora que ya he salido del teatro, tras disfrutar de la comedia, puedo decir que, a mi juicio, consiguen esos objetivos. Efectivamente utilizan todos los géneros del humor sin excluir ninguno. Logran, como he indicado en el título, batir el récord de carcajadas por segundo. Además, me ha parecido que este método humorístico hace más por la igualdad que numerosas tesis ‘serias’ sobre el mismo tema.

-Había, entre sus afirmaciones, otra afirmación que, desde el principio, decidí ponerla entre paréntesis para comprobarla durante el desarrollo de la obra. La frase decía: ’Se trata de un espectáculo inteligente, divertido, provocador, irónico, lleno de humor, crítico y transformador para la sociedad’. -Tras haberlo observado con detención, pienso que se pueden mantener todos esos adjetivos. Incluso de debería añadir una muy positiva valoración sobre las cualidades interpretativas de Paloma Jiménez y Ángela Conde, así como de su hábil comunicación con el público.

David Barbero

-He citado, en el título de este comentario, a Lydia Cacho. Por lo tanto, es obligatorio presentarla. Lydia es una periodista mexicana. Próxima ya a cumplir los sesenta años. Ha desarrollado una gran y muy valiente actividad en defensa de los derechos humanos en su país.

-En concreto, ha prestado una especial atención a la situación de las mujeres. Todavía más en concreto, a la lacra del feminicio extendido y a todo tipo de violencia dirigido hacia ellas. Ha denunciado a grupos mafiosos, a políticos corruptos, a empresarios que apoyaban o toleran los asesinatos, las violaciones, y los abusos también hacia menores.

-Como respuesta a esa costosa y arriesgada labor periodística, esta escritora ha recibido amenazas y agresiones.  Ha sido perseguida por sicarios. Incluso fue secuestrada con la colaboración o la tolerancia de poderosos corruptos. El secuestro tuvo lugar después de publicar el libro en el que denunciaba una red de pedofilia y de abusos sexuales hacia niños y niñas,  aludiendo directamente al empresario Succar Kuri.

-Ella misma lo narró en un libro autobiográfico que tuvo notable repercusión. Se titulaba ‘Memorias de una infamia’. Fue galardonado internacionalmente con el premio Harold Pinter. En la actualidad, no puede regresar a su país  ante el peligro inminente de que las amenazas de muerte contra ella terminen ejecutándose.

-Ahora, la propia Lydia ha colaborado en la adaptación de aquella narración de denuncia a un texto teatral, que esta tarde se ha presentado en el teatro Arriaga de Bilbao, y también se ofrecerá mañana.

-La adaptación teatral ‘narra’ el desarrollo de ese secuestro y también la trayectoria,  tanto personal como profesional, de Lydia. La dirección escénica, que refuerza el planteamiento narrativo con muy escasos y breves momentos de expresividad dramática, es responsabilidad de José Marttret. Ese desarrollo narrativo es ejecutado sobre el escenario por la actriz Marta Nieto. A ella hay que reconocerle una entrega física total y un gran esfuerzo. Pero también es preciso exponer su vocalización acelerada distorsionadora.

-La acción se narran, como en el libro, en paralelo las escenas del secuestro y las referidas a la vida o la actividad de la protagonista. Se utiliza, como refuerzo expresivo, una cámara móvil que va recogiendo, los primeros planos de la actriz en los momentos duros del secuestro.

-Si alguien me preguntara por mi opinión subjetiva, diría que es un claro ejemplo de denuncia de las lacras, abusos y agresiones de los poderosos y corruptos, como es misión de las artes escénicas. Pero que teatralmente queda devaluado por el tratamiento narrativo de una historia tan potente y un personaje tan valioso.

David Barbero

-Todos lo que conocen a Iratxe Ansa e Igor Bacovich saben que tienen como objetivo una continua búsqueda de la excelencia en la danza. Ellos lo dicen públicamente como garantía y recordatorio.

-En esa búsqueda, el primer punto de atención y cuidado es, en su explicación, la calidad de los interpretes, la necesidad de estar en la mejor forma, física, técnica, mental, el virtuosismo, el trabajo físico.

-Un aspecto muy destacado en su propósito es la conjunción y la integración de todos los elementos que participan en el espectáculo de danza. Los humanos y los materiales. Dentro de estos últimos, dan una muy especial importancia a la iluminación y la escenografía.

-Otro aspecto que colocan en la cabeza de las prioridades es el público. La interrelación con los espectadores. El objetivo hacia ellos lo definen como un intento de convertirlos en elementos activos. Que tomen parte en el espectáculo.

-Todos estos aspectos, según explican, han sido ejercitados de forma muy destacada en su último espectáculo, ‘CreAcción’, que esta tarde se ha presentado en el teatro Arriaga de Bilbao.

-Tanto Ansa como Bacovich se han implicado de modo muy directo en su preparación y el desarrollo. Son los responsables de la idea general, la coreografía, la dramaturgia, el diseño escenográfico, el vestuario.

-Esta vez Iratxe Ansa no está implicada como bailarina. El gran protagonista es Igor Bacovich. Está acompañado sobre el escenario por Kate Arber, Katie Currier, Sephora Ferrillo y David Serrano.

-Esta pieza tiene ya un recorrido y ha recibido premios. Entre ellos, cabe destacar que este año ha conseguido dos Max de las artes escénicas. Justamente han sido a la coreografía y a la iluminación, dos de los aspectos que más cuidan.

-Hay un aspecto que ellos destacan especialmente sobre este espectáculo. En la producción, además de metamorphosis Dance y la compañía de la luz, ha participado la Universidad de Navarra. Según explican en un vídeo que se proyecta al final, allí ha tenido una notable incidencia la participación e implicación de los estudiantes, durante los ensayos de preparación. Han estado muy presentes y muy activos para buscar la mayor participación e influencia en el desarrollo del espectáculo.

-En ese mismo vídeo, se asegura que, para lograr esa implicación, se cuidan tanto los aspectos técnicos de la danza como las emociones y los llamados contenidos inmateriales.

-Sin embargo, por lo que se ha podido ver y apreciar esta tarde en el teatro Arriaga de Bilbao durante la representación de la ‘CreAcción’, esos aludidos elementos técnicos tienen una muy destacada prioridad. En perjuicio de las emociones a transmitir a los asistentes y los ‘contenidos’ que se han de comunicar.

-Por esa razón, a la salida, ha habido espectadores que han aludido a la frialdad del espectáculo y a una cierta prolongación artificial e innecesaria, próxima a la reiteración tanto en la música como en los movimientos.