David Barbero
-En este momento, me siguen dando vueltas en la cabeza las preguntas y las sensaciones que me ha provocado el espectáculo que he presenciado esta tarde en el auditórium del Azkuna Zentrum.
-He asistido al estreno, en ese auditórium, de la obra ‘Makers’. Es una creación de la compañía ‘L´Alakran’, bajo la dirección de Oscar Gómez Mata, que también la interpreta en unión de Juan Loriente. Los dos como actores y como creadores. Es una producción promovida por el Azkuna Zentrum, ya que se trata de una compañía asociada.
-No es una obra que acepte una definición precisa. Tiene muchos elementos. No todos, lógicos y racionales. Hay una elevada carga de provocación. Se manifiesta la voluntad de ruptura con lo habitual. También aparece un contendido intelectual. Juega con elementos cómicos.
-Se puede decir que trata sobre la búsqueda de la luz. En sentido metafórico. También es un discurso expositivo sobre el tiempo. Sobre el conocimiento vital. La necesidad de encontrar la felicidad también está presente.
-Todo confluye en una concepción de la realidad y de la vida como un proceso de creación compleja. Nada binaria. Mucho menos dividida sólo entre el bien y el mal. Existe mucho misterio. Bastante caos. El tiempo no tiene sólo una dirección. La realidad se interfiere en los sueños irreales. Las verdades son múltiples. Nada univocas. A veces, contradictorias. O quizá no existan.
-Sobre todas estas ‘cosas’, es sobre las que versan las preguntas que continúan moviéndose en mi cabeza. Van surgiendo conexiones entre alusiones sólo percibidas. Aparecen sugerencias que habían pasado inadvertidas en un primer momento. Descubres relaciones temáticas o complicidades ideológicas entre elementos que parecían inicialmente dispares.
-Asimismo surgen preguntas y dudas sobre los nuevos caminos que se proponen para el teatro. La invasión de lo narrativo o lo contado sobre lo representado o lo dramático. La demostración del dominio sobre el escenario con la ruptura de las convenciones establecidas. Lo banal y lo anecdótico unido – enfrentado- a lo emotivo.
-Se provocan también dudas, en algún momento concreto, sobre la necesidad o no de una tan larga introducción para descolocar al público o para situarlo en otras coordenadas diferentes a las habituales.
-El título ‘Makers’ tiene trastienda literaria destacada y sugerente. Se alude a con-textualizaciones narrativas. Hay citas expresas a la narración breve enigmática y sugerente ‘El Hacedor’ del muy insigne Jorge Luis Borges. Puede haber guiños hacia el cuento ‘El Hacedor’ del también enigmático Agustín Fernández Mallo.
-Salen simbolismos sobre los Makers y los Hacedores. Con mayúsculas y con minúsculas. Surgen preguntas sobre si esos creadores se hallen fuera o dentro. No está claro si seamos nosotros mismos. O si los tenemos infiltrados y nos hacen participar activamente.
-Personalmente, agradezco la oportunidad de dejarme contagiar, -refrescarme – en el auditórium del Azkuna Zentrum, por la novedad, la provocación, la reflexión, los nuevos caminos, las preguntas, las dudas de la obra ‘Makers’, de ‘L´Alakran’, de Oscar Gómez Mata y de Juan Loriente.
-Si me lo permitís, voy a volver, un rato más, a las sensaciones que siguen dando vueltas en mi cabeza.

David Barbero
-Tenía otros planes teatrales para esta tarde de sábado. Pero los he cambiado. Soy consciente de que he causado algún problema por mi precipitación. Pido disculpas. Pero ha merecido la pena. He asistido a una manera de hacer teatro, con una orientación muy clara, que está adquiriendo presencia y notoriedad.
-Primero, los datos. He acudido al Teatro Campos Elíseos de Bilbao. He visto la obra ‘Calladitas estáis más guapas’. Intervienen Jessika Rojano, Sil de Castro, la María rosa y Cristina Castro.
-Esta manera teatral emergente es lo que ellas mismas llaman show de comedia feminista. Un espectáculo multidisciplinar. Está dentro del llamado internacionalmente Stand-up comedy. Incluye monólogos, canciones, improvisaciones, danza, interpelaciones…
-Lo específico es que está escrito, dirigido e interpretado por mujeres. Su objetivo es expresar sus reivindicaciones, sus críticas, sus objetivos, sus problemas, sus condenas y sus elogios. Desean exponer su visión del mundo. Cómo lo quieren hacer. Lo que sobra y lo que falta. Prestan especial atención a su manera específica de entender y vivir el sexo. Y tienen claves de humor propias.
-Se declaran feministas radicales y militantes. Se dirigen principalmente a las mujeres; pero en general a todas las personas sin complejos. Ellas, las intérpretes, tampoco los tienen. Se manifiestan de modo libre en sus críticas y en sus reclamaciones. Sus intervenciones son mordaces, directas, abiertas y cañeras. Su lenguaje tampoco se limita a lo políticamente correcto.
-Esta descripción corresponde a lo que ha sucedido y se ha ofrecido esta tarde desde el escenario del Teatro Campos Elíseos. Pero el público asistente en el patio de butacas, ya dentro del teatro y en el mismo hall de entrada, participaba también de un ambiente mayoritariamente femenino y joven.
-Desde el comienzo del espectáculo, ha existido una comunión completa. Identificación. Asentimiento. Coincidencia. Manifestado todo en los aplausos y las risas. Con numerosas muestras de complicidades compartidas.
-No voy a presumir de poseer un conocimiento muy extenso sobre este movimiento teatral feminista. Tengo noticia de que se inició en Barcelona, que se ha hecho fuerte en Madrid. Alguna de las promotoras tiene origen canario. Otra, valenciano. Y por el seguimiento del público, da la sensación de que se está extendiendo rápidamente. Con seguidoras fieles por aquí.
-Como decía al principio, no estoy arrepentido, ni mucho menos, de haber cambiado mis planes teatrales a última hora. Asistir hoy a la representación de ‘Calladitas estáis más guapas’ en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao me ha permitido conocer más este movimiento teatral emergente que, me sospecho, va a decir mucho y fuerte a partir de ahora.
-Así que habrá que prestarle atención.

Desde la fila tres del patio de butacas

‘LA COARTADA’: LA INTRIGA DEL TEATRO

David Barbero
-Permitidme que no vaya directamente al grano. Nunca he ocultado que me gusta el planteamiento teatral de Bertold Brecht. El conocido distanciamiento. Mantener la cabeza fría. No implicarse demasiado. Juzgar en la distancia. Razonar con independencia. Sacar conclusiones reflexivas. Aplicar lo visto sobre el escenario a la realidad social con espíritu crítico.
-Bueno. Pues la obra que he visto esta tarde, en el Teatro Serantes de Santurtzi, va de todo lo contrario.
-Os voy a dar las coordenadas antes de explicarlo. La obra se titula ‘La coartada’. Ha sido escrita por una mujer: Christy Hall. De la versión y de la dirección escénica se responsabiliza Bernabé Rico. La protagonista principal es otra mujer. Está interpretada por la actriz María Castro. A poco aficionados que seáis a las series televisivas, seguro que la conocéis. Está acompañada sobre el escenario de dos actores: Gorka Otxoa y Miguel Hermoso. También son conocidos. Y el primero, además, es cercano.
-Os comentaba que esta obra va de todo lo contrario al distanciamiento. Se trata se implicar al espectador. Meterle en el cerebro de la protagonista. Lograr que se identifique con ella. Impedir que se aleje, que reflexione, que la juzgue. Debe acompañarla incluso emocionalmente. Sentir con ella sus miedos, preocupaciones, dudas, deseos, temores.
-Se presenta como una obra de intriga. De misterio. Un thriller psicológico. También tiene elementos de drama psicológico. Pero más de suspense policiaco. El deseo expresado por todo el equipo es dejar al espectador sin aliento. Y además sorprenderle con el giro final.
-Debéis comprender que no puedo decir nada del argumento. Destriparía la intriga. Arruinaría el thriller. Destruiría el suspense. Aludiendo al título, sólo puedo añadir que buscan una coartada antes de presentarse a un juicio.
-Sin descubrir nada de lo pasa sobre el escenario, os puedo contar mi experiencia. Logran el propósito de la intriga, pero… Los posibles ‘peros’ habría que achacárselos a la grandes dificultades que implica ese tipo de teatro de misterio. Quizá haya demasiado texto. Es posible que los parlamentos sean largos. Que las frases resulten poco naturales. Puede haber poca acción. Quizá se note algo el artificio.
-Si ésas son las posibles debilidades, los aspectos positivos son más. Si estás atento a los detalles y no dejas escapar informaciones subliminares, logras entrar en la cabeza de la atormentada protagonista. Este aspecto es importante. En este tipo de teatro, tampoco se puede ser un espectador pasivo.
El mérito se lo tienen que repartir entre la autora y el director con el buen hacer los tres intérpretes. Sin olvidarse de la porción que corresponde al público atento. Incluso al que le gusta Bertold Brecht

David Barbero
-Hace tiempo que sigo con interés, y con gran riosidad, el trabajo de Alex Gerediaga en sus experimentos artísticos para lograr la ‘aproximación’ del teatro y el cine.
-Utilizo la palabra ‘aproximación’, como término aséptico, para que no implique predominio de uno sobre otro. Aunque el intento de Alex va, creo, por aplicar técnicas cinematográficas sobre el escenario. Es decir, el cine en el teatro.
-Por esa razón, esta tarde he acudido expectante al teatro Arriaga para contemplar su nueva propuesta. Lleva el título de ‘Faces’. (‘Rostros’). Además, está basada en la película norteamericana, del mismo nombre, de John Cassavetes. Incluso utiliza su propio guión en esta producción propia del teatro municipal bilbaíno.
-La película fue realizada en 1968. Para ese momento, Cassavetes había tenido una etapa inicial, muy independiente y personal. También había intentado, -y fracasado- triunfar en el cine comercial de Hollywood. Con esta película, recuperó sus propósitos iníciales y volvió a conseguir el éxito. Logró premios. Sobre todo reflejó muy bien las incertidumbres humanas, las dudas, la infelicidad, las maneras engañarse a sí mismo, los vacíos y los errores, con una historia intensa y unos personajes poliédricos
-Antes que nada digamos que Alex Gerediaga no está solo en esta aventura. Los intérpretes teatrales que le acompañan son Felipe Loza, Arrate Etxeberria, Miren Gastañaga, Txubio Fez de Jauregui, Jon Ander Urrresti y María Urcelay. Tanto la película como la obra de teatro van principalmente sobre los personajes, sus rostros, sus conflictos, sus falsas apariencias y sus debilidades verdaderas. Así que la exigencia en ellos es máxima. Y su respuesta está en consonancia.
-El experimento, evidentemente, tiene muchas connotaciones técnicas. Así que los participantes en esta área son fundamentales. Citemos sus nombres. En escenografía y vestuario, está Ezegiñe Urigorria. El espacio y las proyecciones son responsabilidad de Javi Andraka. La iluminación la controla Oier Ituarte. El video, Jesús Pueyo. El sonido, Ibón Aguirre. Fotografía, Son Aoujil.
-Un aspecto importante en esta investigación es el de la distancia o la proximidad entre el intérprete y el espectador. En el cine, se soluciona con los primeros planos. Así ganan fuerza y expresividad los gestos, las muecas, los guiños y los detalles. Aquí se sustituyen, no sé si con tanta eficacia, por proyecciones previamente grabadas de esos momentos.
-Otras cuestiones, entre muchas, son la agilidad de la acción, las localizaciones, el juego de los tiempos, la duración de las escenas, las secuencias, los llamados planos secuencias, el ritmo.
-Gerediaga, en sus manifestaciones previas, ya ha declarado que ha incidido especialmente en el trabajo de los intérpretes, en que capturen y transmitan la vida y las emociones de los personajes. Ha expuesto su deseo de unir los códigos escénicos y los cinematográficos, tanto en lo estético como en lo narrativo, para llegar con más eficacia al espectador.
-Debo reconocer que la hora y media del espectáculo de esta ‘Faces’ me ha resultado una experiencia y un análisis de especial e intenso interés. En ese interés, cuentan tanto las satisfacciones como las dudas creadas, la comprobación de los progresos como la evidencia del trabajo realizado y del que queda por hacer. Un experimento concienzudo en cuyo análisis será interesante profundizar.
-Dos aspectos teatrales muy positivos me han resultado, personalmente, evidentes: Por un lado, la extraordinaria labor de los responsables de la escenografía, la iluminación, el vestuario y los otros departamentos técnicos. Asimismo, los seis intérpretes realizan una exhibición de sus cualidades, trabajo y esfuerzo en la caracterización y desarrollo de unos personajes tan complejos y difíciles de encarnar. Añado un tercer aspecto. Mérito tiene Alex Gerediaga al haber juntado y coordinado a todos.
-He escrito arriba los nombres de todas ellas y ellos. Os ruego que los volváis a leer en su honor.
-Como esta aplicación del modelo cinematográfico al teatro suprime los saludos finales, quiero decir que yo, me he quedado con las ganas de aplaudir el trabajo de todos ellos. De haber tenido ocasión lo habría hecho con gran entusiasmo.

David Barbero
-Una frase lapidaria para empezar: Ser o no ser payasa es fundamental en la vida y en las artes escénicas.
-Soy consciente de que la obra de teatro que he visto esta tarde en Pabellón 6 lleva el título de ‘Sex o no sex’. Con X. Virginia Imaz es la intérprete, directora, autora, productora y todo lo que sea necesario, al frente de su compañía Oihilari Klown. Ella misma juega con la X, la R y todas las letras del abecedario. Sobre todo en femenino.
-La definición como clown puede ser más moderna. Pero el término payasa es más entrañable. Así que lo voy a utilizar porque deseo rendir un más que merecido homenaje a esta extraordinaria persona, mujer y artista. Me corrijo. Añado un ‘muy’ delante de extraordinaria. Grandeza que queda, además, sublimada por su sencillez y su cercanía.
-A título personal, todavía recuerdo, con emoción y nostalgia, aquellas colaboraciones mutuas de las ‘clownclusiones’ en los cursos de verano de la Universidad en Donostia.
-He adelantado que para una buena persona es fundamental ser payasa porque implica una manera de ser, actuar y comportarse. Aporta respeto, estima, consideración. También elimina divismos. Se burla de la presunción. Defiende al débil. Pone en dificultades al auto-fanfarrón. Y añade otra serie de cualidades que constituyen una sana filosofía de vida integral.
-La conexión entre el payasismo y la feminidad en Virginia Imaz ya fue reconocida con el premio Emakunde. Hay que destacar su lucha, -por supuesto pacífica y payasa-, por la igualdad, la integración, el rechazo a la discriminación, a las agresiones. Y es que, detrás de la nariz roja, todos somos iguales a todas. O al revés.
-Deseo detenerme en lo importante que es ser payasa para ser buena artista. Supongo que ya no habrá nadie que crea que lo que algunos siguen llamando payasadas es fácil de hacer. ¡Que lo intenten ellos y comprobarán su dificultad!
-El caso de Virginia, también en esto de la formación, es modélico. La cantidad de horas, dedicación y esfuerzo que ha invertido en su preparación profesional. El cuidado con el que ha elegido a sus profesores y maestros. Los ejercicios, experiencias y trabajos realizados. La investigación. El análisis de las tradiciones y de los métodos innovadores. La búsqueda de caminos nuevos. El perfeccionamiento. La maestría en constante mejora. La auto-exigencia.
-Esto la ha conducido a ser la gran payasa que es. Y el reconocimiento logrado. La estancia en el Cirque du soleil. La colaboración con otras muy destacadas corporaciones artísticas. La evolución de su propia compañía. Su constante labor como guionista, directora y actriz. Su muy intensa actividad como pedagoga de niños y de adultos. Su técnica interpretativa meticulosa y detallista en gestos, expresiones, tonos, muecas o movimientos.
-Pues todo eso lo he vuelto a encontrar esta tarde en pabellón 6, viendo y participando en el espectáculo protagonizado y dirigido por Virginia Imaz. Es mucho más que ‘Sex o no Sex’. Muchas ya lo han comprobado. Y otros tienen oportunidad de hacerlo. Si no la aprovechan, allá ellas/os.