David Barbero

-Hace mucho tiempo que no recibía una sensación tan fuerte, un impacto tan rotundo, en una obra de teatro como lo he sentido esta tarde al ver ‘Rey Lear’ del grupo Atalaya en el Centro Mixukebarri de Getxo.

-Ha sido como un imán para mi atención total desde el primer momento. Y ha durado hasta el final de la representación. Sin permitir ninguna distracción. Con todos los sentidos en tensión. El atractivo me ha llevado de escena en escena, sin solución de continuidad, de imagen en imagen, de parlamento en parlamento. Como hipnotizado, pero enteramente consciente.

-Reconozco que iba predispuesto. Pero no esperaba una impresión tan potente. Tenía un especial interés y una enorme curiosidad por ver, apreciar, disfrutar y admirar la puesta en escena de ‘Rey lear’ de Wiliam Shakespeare, por la compañía Atalaya, dirigido por Ricardo Iniesta, protagonizado por Carmen Gallardo, acompañada del amplio elenco de gran calidad de este grupo estable y muy cohesionado.

-Con esta puesta en escena, la compañía andaluza  está celebrando sus cuatro décadas de actividad de una manera muy destacada y demostrando la perfección alcanzada durante ese tiempo, el prestigio conseguido y los numerosos reconocimientos alcanzados.

Es preciso señalar la decisiva importancia del meticuloso, meritorio trabajo y la decisiva influencia del director Ricardo Iniesta en lo referido a esta puesta en escena y en la muy destacable trayectoria de la compañía Atalaya. En sus montajes, siempre ha destacado el rigor, la fuerza y la permanente innovación. Buscando la esencia, el impacto, con una exacta escala de valores tanto en la estética como en el contenido, en la que no cabe minusvalorar ningún detalle ni aspecto, por mínimo que parezca.

-Otra artista a destacar en este trabajo es la actriz andaluza Carmen Gallardo. Lo confirma la impecable interpretación de este complicado y poliédrico personaje del rey Lear. Con tantos sentimientos encontrados y tantos matices a tener en cuenta. Desde la fuerza y la autoridad sin limites, hasta la soledad y la debilidad casi absoluta, pasando por la locura y otros muchos sentimientos.

-Junto a ella, es preciso individualizar a cada uno y cada una de quienes integran este grupo, por su calidad, exactitud, polivalencia y versatilidad en la variedad  de papeles y trabajos que realizan. ¡Y a qué ritmo! ¡Y con qué precisión!

-Para que la descripción sea completa es necesario hacer alusión también a todos los demás profesionales que han intervenido en el espacio escénico, el vestuario, la música, la iluminación, las coreografías y el resto de aspectos artísticos y técnicos.

–Quisiera apuntar, o quizá repetir, una reflexión, aunque no pueda, por espacio, hacer alusión a otras obligatorias. Esta puesta en escena debe calificarse, creo, de respetuosa, con rigor, en ese sentido habría que atribuirle todas alabanzas de las puestas en escena clásicas. Pero a la vez, esa una de las versiones y montajes del ‘Rey Lear’ más innovadores, valientes, novedosos, con ritmo actual, con las más nuevas técnicas y una conexión absoluta con el mundo de hoy mismo en todos los aspectos.

-Debo recordar lo dicho al principio. Hacía mucho tiempo, insisto en lo de mucho, que no recibía un impacto teatral tan fuerte. Y todavía sigo conmocionado.

David Barbero

-Hoy he descubierto, en la sala La Fundición de Bilbao, lo que puede ser un nuevo género teatral. Os cuento cómo ha sido.

-Confesaré que tenía otros planes escénicos para esta tarde de sábado. Incluso había realizado gestiones para llevarlos a cabo. Pero cambié de un modo precipitado.

-Acostumbro a documentarme sobre las obras teatrales que se presentan en los alrededores de Bilbao, con el fin de estar informado en la medida de lo posible. Aunque no pueda acudir a todas las representaciones que me gustaría.

-Con los planes ya definidos, comencé a documentarme sobre el escritor canario Roberto García de Mesa, autor de la pieza que se iba a representar en la sala La Fundición para compensar la imposibilidad de verla.

-Conocía poco sobre García de Mesa. Pero al ampliar la documentación, encontré tal cantidad de referencias, enumeraciones, listas de sus títulos, obras piezas y otras actividades, que quedé abrumado. Multitud de publicaciones, escritos, ensayos, representaciones, análisis sobre poesía, también referencias teatrales, narraciones de distintas dimensiones, plástica, música, ensayos, conversaciones, cine… Muchos libros publicados. Y otras disciplinas imposibles de enumerar aquí.

-Decidí centrar la documentación en la propuesta a representar hoy y mañana en la sala La Fundición de Bilbao. Resulta que hay tres piezas en una. El autor, García de Mesa asegura que están integradas en un proyecto de poesía escénica. Y que con él trata de desarrollar dos conceptos esenciales para definir la sociedad de ahora mismo: la perturbación y el desconcierto.

-El título del proyecto general es ‘Naturaleza sobre fondo blanco’. Es también el título de la primera de las piezas. Su contenido es una conversación, llamémoslo así, entre dos periodistas sobre un atentado terrorista cometido por radicales islamistas en una plaza pública.

-La segunda pieza lleva el título de ‘Segismundo siempre golpea primero’. De esa manera, ya se adelanta que se trata de una versión libre de ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca.

-El tercer título es ‘Variaciones de la razón’. Su desarrollo incluye otras ‘conversaciones’ o diálogos, esta vez con muchas más voces participantes. Y también con más temas trascendentales: Poesía, revolución, tiempo, espacio, deseos, racionalidad, misticismo…

-Visto el espectáculo, y también participado en el coloquio posterior, que se suele organizar en La Fundición, debo asegurar que no me arrepiento de haber cambiado mis planes. Me ha interesado la propuesta de García de Mesa. Sobre todo en eso que se podría denominar, procurando no pasarse de solemnidad, otro género teatral. El poema escénico.

-No es lo que se suele llamar teatro poético. Se podría definir mejor como poesía puesta en escena o representada. Por ejemplo, eso que llama conversaciones tiene poco de diálogo teatral. Está más cerca de poemas recitados entre varios actores, con una escenificación trabajada y ensayada.

-Siendo completamente sincero, diré que me han interesado más las posibilidades a desarrollar en ese ‘nuevo género teatral’, que la materialización concreta de esta tarde-noche en la sala en la sala La Fundición. Pero no creo que se deba minusvalorar ese mérito.

-Así que deseo rendir mi reconocimiento a Roberto García de Mesa, a los intérpretes Ylenia Quintero, Joel Hernández y Santi López, además de los otros participantes en la realización de este espectáculo.

David Barbero

-En esta frase del título, he pretendido resumir la postura que he defendido durante el debate que hemos mantenido esta noche a la salida del teatro Campos Elíseos de Bilbao a pesar de la lluvia.

-Ha sido sido un debate, o una polémica, sobre la obra que acabábamos de ver. Apasionado y apasionante. Me refiero el debate. Como pocos, de los casi habituales que solemos mantener al salir del teatro. Con posturas muy diferentes. Alguna decepción, provocada en esta ocasión por las muchas alabanza previas recibidas.

-Después me referiré al debate. Antes, creo que debo exponer brevemente los datos necesarios para que nos podamos situar todos.

-Me limitaré a contaros que he vuelto a ver esta tarde noche en el Teatro Campos de Bilbao el musical ‘Forever young’, que es definido por el  eslogan anunciador como una ‘bocanada de aire fresco en el mundo del musical convencional’.

-Yo vi esta obra hace ya más de una década en ese mismo teatro. La produjeron, adaptaron y dirigieron, como han vuelto a hacer ahora, los componentes del grupo Tricicle, que precisamente ahora han anunciado su despedida definitiva como intérpretes.

-Habían estado en Oslo y habían visto el espectáculo creado y escrito por Eric Gedeon. Inmediatamente decidieron ponerlo sobre el escenario. Aseguraron ya entonces, que les hubiera gustado interpretarlo, pero reconocían que, entre sus cualidades, no estaba el canto.

-Os adelanto el arranque del argumento, sin hacer ningún spoiler. Un grupo de artistas centenarios están ya recluidos, por su edad, en una residencia. Allí son atendidos por una enfermera, que trata de estimular sus articulaciones y sus fuerzas psicomotrices con canciones infantiles y pegadizas.

-Todos ellos, además de una larga carrera como músicos rockeros, llevan a la espalda una dilatada vida de rebeldías, aventuras y acciones políticamente nada correctas. Así que en cuanto la susodicha enfermera desaparece, re-interpretan sus éxitos y preferencias musicales a la vez que intentan reverdecer aquellas aventuras. De esa manera, el espectáculo se convierte en un musical diferente.

-Por completar los datos, añadiré que  entonces los intérpretes eran otros. Ahora están sobre el escenario Rai Borrell, Llorenc González, Irene Jódar, Marc Pujol, LucíaTorres y Mercé Martínez. Ésta última es la enfermera. También interviene al piano el director musical Marc García Rami.

–Ahora explico por qué he resumido así, arriba, mi postura en el debate posterior sobre la obra, ya que es lo creo que debo hacer. He querido afirmar que, en conjunto, defiendo el espectáculo por las canciones, por la selección, por la manera de presentarlas y por lo original, en gran parte emotiva, manera de plantearlo. También, desde luego, por la interpretación de todos ellos.

-En la segunda parte del breve título, añado ‘A pesar de todo’. Ahí incluyo bastante cosas: un guión del argumento muy lineal, bastante simple, falto de interés y sin ninguna intriga. Dado que la dirección es de Tricicle, un grupo de humoristas muy destacados y finos, se podría suponer que esas cualidades estarían presentes en el espectáculo. Pero es muy difícil encontrarlas.

-Para terminar, me permito sugerir que, si veis ‘Forever young’, y os apetece intervenir en este debate, sería un placer y un estímulo para los que ya hemos participado. Gracias adelantadas.

David Barbero

-Permitidme retroceder un poco más de un par de años. Casi tres. En el comienzo del año 2020. El coreógrafo y bailarín Jesús Rubio Gamo, que ya era reconocido, estaba ensayando el espectáculo que le ha dado más fama, ‘Gran Bolero’. Por supuesto sobre Ravel. Con él, ganaría el premio Max al mejor espectáculo de danza.

-Quiero destacar que aquella pieza era dinámica, abierto, fuerte, casi agresiva, optimista, ágil. Exaltaba el esfuerzo físico, la resistencia, el llegar al limite, el agotamiento. También el placer del recorrido y de la superación. El disfrute del espacio y el tiempo. Participaban doce bailarines de ambos sexos llenos de fuerza y movilidad.

-A nadie se le escapa que, desde entonces hasta ahora, han pasado muchas cosas. Entre ellas, una interminable pandemia, que nos ha tendido a todos encerrados y con el alma, si existe, encogida.

-Rubio Gamo ha aprovechado esas circunstancias para seguir ensayando, componiendo y creando. La música que ha escuchado ha sido Juan Sebastian Bach. El resultado se ha plasmado en ‘El hermoso misterio que nos une’. También ha sido finalista de los premios Max, esta vez como intérprete.

-Ésta es la pieza que estos días ha presentado en La Fundición de Bilbao. La interpreta él solo. Está llena de matices. Es expresiva  sobre su manera de trabajar en la danza. Su especial sentido de la creación artística.

-Esta tarde desde una distancia muy corta, con mucha atención y con una sutil sintonía creada por él hacia los espectadores, se ha podido percibir al detalle sus movimientos, contorsiones, muecas, gestos y expresiones. También visualizar y sentir su respiración, a veces acelerada, y su sudor.

-Debo añadir  que durante prácticamente toda la pieza, se están oyendo de fondo las palabras autobiográficas de Jesús Rubio. Sus reflexiones, sus recuerdos, sus expresiones vitales. No se ha limitado a contrastar su actual situación anímica y artística sólo con la de hace tres años. La ha enfrentado con el momento, en que, todavía un niño, decide dedicarse a la danza. Sus objetivos, sus vivencias, de entonces y de ahora. Con una abierta sinceridad y una encendida emotividad, además de un gran belleza poética.

-Por los reconocimientos y por los premios, Jesús Rubio Gamo es uno de los coreógrafos y bailarines con más prestigio en estos momentos. Han sido alabadas sus capacidades y cualidades artísticas en varias direcciones.

-Contemplándole esta tarde en la distancia corta de la sala La Fundición, me ha parecido que se halla en un positivo momento de conflicto interior, en lo personal y en lo artístico. Cuestionándose, para bien, muchas cosas y notablemente profundas. Entre ellas, la orientación que imprimirá a su futuro.

-Yo al menos, lo he interpretado así. Por eso he salido de la Fundición, tras ver ‘El hermoso misterio que nos une’, con el propósito y la curiosidad de estar muy atento para no dejar pasar su próximo espectáculo.

David Barbero

-Comienzo con un prejuicio. Tengo cierta prevención a las situaciones artísticas cercanas a la endogamia. No sé si me he expresado bien. Pongo un par de ejemplos para aclararme.

-En principio, siento cierta desconfianza hacia una película cuyo argumento se desarrolle en el mundo interno del cine. O hacia una novela cuyo protagonista sea un novelista. Me da la sensación de que existe el peligro quedarse en lo anecdótico, lo personal, lo cercano, y no transcender a valores o intereses más universales.

-Viene esta introducción a cuento de que esta tarde he acudido al teatro Arriaga para ver la obra teatral ‘Los farsantes’. Oficialmente es definida como que ‘cuenta historias de unos personajes relacionados con el mundo del cine y del teatro’. Pero, una vez vista la obra, no había ningún motivo para aplicar ese prejuicio.

-Doy más datos. El texto y la dirección están firmados por el reconocido e innovador Pablo Remón. La producción es compartida por el Centro Dramático nacional y Buxman producciones. Cuenta con cuatro intérpretes de nombre y prestigio. Javier Cámara, Francesco Carril, Marina Salas y Nuria Mencía.

-La pieza se centra, aunque no exclusivamente, en las vidas de una actriz que no pasa por su mejor momento y un director en la cresta de la ola. Al rededor de esas dos historias, intervienen un elevado número de personajes, que son interpretados por los dos actores y las actrices citados.

-Pablo Remón recurre al mundo artístico, que conoce desde dentro, para realizar una ingeniosa y valiente auto crítica. A veces llega hasta la burla. Y siempre, exhibe un análisis incisivo. Además, tiene la habilidad de trascender hasta consideraciones más generales sobre el éxito, el fracaso, la mentira y la autenticidad, de aplicación más extensa.

-En ese intencionado tratamiento, tiene especial incidencia la utilización de un elevado porcentaje de humor y de ironía. En muchas ocasiones, las reflexiones se lleva a un estado onírico, que, aunque lo aleje de la realidad, proporciona mayor libertad para las connotaciones.

-En su doble faceta de autor y director de escena, Remón deja evidencia, una vez más, de su gran calidad  de sus conocimientos y sus habilidades  en el tratamiento escénico de todo tipo de situaciones. Además, demuestra su capacidad de innovar en el desarrollo teatral con aportaciones novedosas, ingeniosas y de gran atracción escénica.

-Sin embargo, es posible le haya faltado la valentía de realizar una más severa selección dentro de la gran cantidad de material dramático del que disponía. Eso ha repercutido en que la mayoría de las escenas han resultado excesivamente largas. Sensación que se ha extendido a la totalidad de la pieza.

-Una destacada atención, y el consiguiente reconocimiento, hay que poner en la labor interpretativa. Los cuatro interpretes se han colocado a una altura muy destacada. Cada uno con su estilo, personalidad y características. La sorprendentes naturalidad y expresividad de Javier Cámara, que no se prodiga sobre el escenario. Francesco Carril, el actor fetiche de este autor, ha demostrado su versatilidad. Marina Salas, con la obligación de hacer olvidar que Barbara Lennie hizo antes ese papel, ha evidenciado personalidad propia; y Nuria Mencía ha hecho gala de su inconfundible cuidado de todos los matices. Sus trabajos, en esta ocasión, tienen especial mérito por la variedad  de as situaciones y la multiplicación de personajes a interpretar.

–En definitiva, una muy interesante demostración de las nuevas formas que están apareciendo en las artes escénicas.