DAVID BARBERO

-He asistido hoy, en el teatro Arriaga de Bilbao, a un acontecimiento destacado dentro del mundo de la danza. Ha sido el estreno de la pieza ‘Lost letters’ por Lucia Lacarra y Mattew Golding. Creo que ha tenido especial relevancia por varios motivos y ha mostrado hallazgos en el campo artístico y en la comunicación de emociones.

-Como consideración general, es preciso afirmar que se trata de un espectáculo innovador, desarrollado con criterios poco frecuentes en danza, que mantiene al espectador atento, como hipnotizado de principio a fin. Provoca sentimientos sucesivos y dibuja una historia real a la vez que recurrente en muchos momentos y en muchos lugares.

-Esta historia se refleja en el título de ‘Cartas perdidas’ con ocasión de un conflicto bélico, como tantos que ha sido y siguen siendo. Esa rememoranza se traduce una denuncia y hasta protesta po los enfrentamientos armados que organizan los ambiciosos del poder y sufren las personas oprimidas.

-En el plano artístico, existe también un elevado porcentaje de innovación y gran calidad. Se concreta en la fusión, dentro de la danza, de variadas manifestaciones artísticas. No es menor la importancia  plástica que aportan las imágenes grabadas y editadas como película. Su aportación resulta complementaria tanto en la estética como en el contenido. Su presencia proyectada sobre el escenario y sincronizada con los movimientos y expresiones de las y los intérpretes aumenta las emociones, completa el significado y sitúa la acción. El conjunto, completado, además por los colores, la plasticidad, el dinamismo y la adecuada utilización de las técnicas visuales, produce una sensación de inmersión y de participación activa.

-También tiene notable incidencia la selección de la música y el desarrollo sonoro. Habría  que hablar en plural: músicas a la vez contrapuestas y complementarias. También como elemento de fusión. Como creadoras o provocadoras de emociones en la identificación de la historia propuesta. Es significativa elección de las piezas de Serguei Rachmaninov y de Max Richter.

-No es menor la aportación de la nueva compañía creada alrededor  de Lucía Lacarra y presentada por primera vez en este espectáculo. Las cuatro bailarinas y los cuatro bailarines, cuidadosamente elegidos. Como una línea de continuidad artística en un estilo ya marcado y como una iniciativa orientada a remover la poco dinámica situación de la danza en estos momentos.

-Estas ‘Lost letters’ constituyen una evidente manifestación de la extraordinaria calidad y perfección, así como su madurez, alcanzadas por el dúo artístico y creador que forman Lucía Lacarra, en todas sus facetas, y Matthew Golding, sobre todo como coreógrafo y director.

-Asimismo es digno de destacar la iniciativa de la producción, en este casi olvidado mundo de la danza, a la que se han unido el teatro Arriaga, la donostiarra Kursaal Eszena, además del festival  internacional de Granada y el apoyo de los teatros del Canal de Madrid.

-Una referencia significativa es preciso hacer a la extraordinaria acogida del público, tan necesario en este intento de resurgir de la danza. Tanto por la amplia asistencia de esta tarde en el estreno del teatro Arriaga, como por su entusiasta acogida de la pieza presentada y los aplausos de reconocimiento. En pocas ocasiones, el reconocimiento final ha sido tan prolongado, amplio y entusiasta.

-Lo dicho más arriba. El estreno esta tarde noche de ‘Lost letters’, en el teatro Arriaga de Bilbao, ha constituido un acontecimiento.

-Os voy a presentar a la muy reconocida payasa Pepa Plana. Yo había oído hablar de ella. Pero hasta hoy no había visto ningún espectáculo suyo.  Ha tenido lugar esta tarde dentro del festival de teatro de Getxo, que ahora lleva el nombre de ‘Getxo Scena’. Pepa Plana ha presentado su último espectáculo titulado ‘Si tú te vas’. Doy este dato como muestra de mis deficiencias.

-La actriz y sobre todo payasa Pepa Plana es una referencia en su profesión tanto en Cataluña, como en España y en Europa.  Ha conseguido premios muy destacados. Entre los últimos, se incluye el Premio nacional de Circo otorgado el año pasado por el Ministerio de cultura del Gobierno español. Antes, ya en Cataluña, le habían concedido el premio nacional de cultura. Además de estos reconocimientos oficiales, hay otros de carácter más profesional y seguramente con una carga de emotividad mayor.

-Más arriba he identificado a Pepa Plana como actriz y payasa, poniendo énfasis más en lo segundo que en lo primero. Y también en la ‘a’ femenina del final. Ha tendido siempre a gala, y con especial esfuerzo, destacar la a de la mujer en ese oficio concreto de clown.

-Pepa estudió en el Instituto de teatro de Barcelona y obtuvo su correspondiente licenciatura. Nada más terminar, creó una compañía para representar sus primeras producciones en calidad de actriz. Pero llegó un momento en el que decidió dedicarse enteramente a la actividad de payasa.

-Con su propia compañía, ha producido, dirigido e interpretado más de una docena de espectáculos en este género. De esta manera, se ha convertido en referencia en los niveles territoriales ya señalados. También ha intervenido en otras compañías destacadas , como el Circo del Sol.

-Durante toda su trayectoria y en todas sus obras, ha desarrollado una  defensa de la solidaridad, la defensa de las oprimidos  y se ha mostrado  favorecedora de los derechos humanos más vulnerados.

-La obra que ahora está moviendo y que es la que ha traído a Getxo, ‘Si tú te vas’, se desarrolla también en esa linea. Tiene referencias más directas a los refugiadas y refugiados. Hace una denuncia de la guerra eterna. Se enfrenta a las injusticias y tragedias que crean los conflictos bélicos. Es posible, sin embargo, que a nivel técnico, se puede pensar que el planteamiento teatral y discursivo no coincide con el ritmo actual o las técnicas más avanzadas.

-Es de destacar su planteamiento clásico dentro del mundo de los payasos, pero en femenino, Llega  ahora, acompañada dentro de su compañía,  de dos compañeras y colegas. Ella, Pepa Plana, hace de payasa augusta. Nan Valentí, es la payasa blanca. Y Lola González encarna a la payasa contra augusta. Las tres se complementan para denunciar esta lacra, bélica e injusta, de nuestro mundo actual.

DAVID BARBERO

-Guiándome de mi experiencia subjetiva, creo que la risa y la reflexión no suelen estar presentes a la vez en el teatro. He insistido en la subjetividad, para no contradecir a nadie que piense lo contrario. Y siguiendo esa percepción, he acudido esta tarde al Teatro Arriaga de de Bilbao, con gran curiosidad ante la noticia de que eso podía suceder.

-No ha sido éste el único motivo para acudir. La obra que iba a ver lleva el título de ‘Uz, el pueblo’. Su autor es el uruguayo Gabriel Calderón. La última obra que vi de él, ‘Historia de un jabalí o algo de Ricardo’, todavía se mantiene en mi recuerdo para bien.

-Reconozco que me ha fastidiado enterarse de que la  actriz Nuria Mencía, que ha estado protagonizándola en Madrid, no se ha podido desplazar hasta Bilbao. Pero apunto ese dato para utilizarlo después.

-Otro atractivo previo, y muy favorable, era haber leído que los motivos de la risa y de la reflexión iban a versar sobre las creencias, las religiones y las supersticiones. Me parece un tema muy digno de esos menesteres.

-Una vez vista la obra y siendo absolutamente sincero, debo decir que mantengo mi afirmación expuesta arriba de que la risa y la reflexión no suelen ir unidas. Reitero que lo digo subjetivamente, pero con firmeza. A pesar de mis ilusiones y esperanzas previas, no he sabido ver unidas el humor y la reflexión. En realidad, en esta ocasión, no he logrado ver ni lo uno ni la otra,

-Insisto en atribuir esa negatividad a mi falta de capacidad.  Yo no he logrado ‘entrar’ ni en el humor ni en el pensamiento crítico. Pero reconozco que, a mi alrededor, sí que he notado que otros espectadores sí que se reían. Así que la culpa ha sido mía.

-Lo que deseo aclarar es que no se me ocurriría echar ninguna culpa a los intérpretes. Todo lo contrario. Creo que son merecedores de un sincero elogio por su trabajo en los papeles que se les ha atribuido. Ah! Antes he mencionado a la actriz Nuria Mencía y he indicado que ha estado interpretando con anterioridad a la protagonista, en unión del admirado pepe Viyuela. Deseaba indicar que, durante la representación de hoy, me he preguntado si entonces tendría otro tono.

-Así que he salido de la función pensando en que todo es relativo y que cada uno reacciona a su manera. También en el teatro.

DAVID BARBERO

–Esta tarde he acudido a la sala la Fundición de Bilbao para realizar un experimento con la obra ‘Eclipse total’ de la compañía Pont flotant .

-Hace una semana, acudí al Teatro Barakaldo para ver esta misma obra. En este mismo espacio de comentarios, ya expuse mi excelente impresión y mi valoración muy positiva.

-Incidí en que esa buena impresión había sido ratificada por un buen número de premios y reconocimientos recibidos. Han sido calificados como la mejor autoría teatral y el mejor espectáculo de teatro. Han recibidos premios del público, que valen más. También lo han calificado de la mejor contribución teatral, y han alabado hasta su trabajo de iluminación.

-También destaqué que esos elogios debían ser repartidos entre todos los miembros de la compañía, dado su método integrador y colectivo de trabajar. La dramaturgia y la dirección la firman los cuatro: Alex Cantó, Jesús Muñoz, Joan Collado y Pau Pons. Dos dos primeros son los intérpretes en esta ocasión, y el tercero es también el responsable de la escenografía.

-Asimismo aseguraba que es una pieza elaborada con cuidado, despacio, meticulosamente. Decía que habla, entre otras cosas, sobre el paso del tiempo, sobre la muerte. Lo hacen con profundidad, en serio, con emoción. Pero también con humor. Este aspecto lo envuelve todo. También se refieren a la vida. A la identidad. Las raíces. La familia. La sociedad. La grande y la cercana, la intima.

-Me detenía en indicar que el tono expositivo es coloquial. Ameno, gracioso. Sin pretensiones. Pero a la vez posee profundidad, grandeza, rigor. El diálogo y los silencios. Sobre todo, es muy original. Quizá esta cualidad de la originalidad sea lo que más destaca. Y destacaba la originalidad y la calidad de la interpretación.

-El experimento que he realizado hoy es el siguiente: La semana pasada vi este ‘Eclipe total’, como he dicho, en el teatro Barakaldo. Un local con  una disposición escénica que se conoce como escenario a la italiana. Tiene su amplio patio de butacas. Separado del escenario. Respetando las distancias y los usos normalizados.

-En cambio, la sala la Fundición no sigue esos requisitos rituales. No tiene escenario elevado. Está a ras del suelo. Más abajo que los espectadores. No mantiene las distancias. Las acorta. Éste es un punto importante. Diferenciador. La cercanía. Los intérpretes están muy cerca de los espectadores. Éstos pueden oír su respiración. Notar el progreso de su sudor. Son  conscientes de todos los detalles por mínimos que sean.

-Por esa razón, he acudido esta tarde. Para ver el ‘Eclipse total’ desde más cerca. Casi metido en el proceso de interpretación. Viendo y sintiendo la acción y las emociones con más intensidad. Diré más. Me he colocado pronto en la fila de entrada. Así que me he situado en la primera fila de sillas, para estar todavía más cerca,

-¡Y puedo asegurar  que me ha funcionado exactamente de esa manera! Una percepción mucho más directa de los detalles, los gestos, las expresiones, los movimientos y los silencios. Algunas escenas, incluso, me han parecido distintas. Más intensas, más expresivas, con más sentido.

-Pongo un ejemplo: Una de las escenas de la segunda parte, cuando uno de los protagonistas regresa después de haber muerto y conoce a sus descendientes. Por supuesto que me acordaba de ella. Pero tuve que estar distraído en el primer visionado. Hoy, desde cerca, me ha emocionado mucho más y la he comprendido mejor.

-Debo confesar que mientras llegaba a la Fundición, esta tarde, me han entrado miedos por una razón. Las dimensiones del escenario son más reducidas. Este espectáculo, en sus representaciones normales, exige un espacio amplio y tiene una mesa espaciosa. Además, utiliza una plataforma giratoria que va moviendo la escena para que se pueda ver desde distintas perspectivas. Temía que no hubiera cabido. ¡Pero estaba allí! Justa. Pero estaba. Y giraba.

-Otro temor. El efecto final del eclipse también exige su perspectiva. He tenido otra inquietud por si no se podía conseguir a causa de las dimensiones. ¡Pero ha tenido lugar a la perfección!  Y visto de cerca, un eclipse total impresiona mucho más.

-Así que he salido de La Fundición absolutamente gratificado. Muchas gracias.

DAVID BARBERO

-Esta tarde-noche, he acudido al Teatro Arriaga de Bilbao incluso con mas curiosidades de lo habitual. ¡Que ya es decir! He ido a ver ‘Festen’, su nueva producción y una sus principales apuestas de esta temporada.

-Vamos a situarnos. Hoy se ha estrenado la versión en euskera, que se mantendrá durante este fin de semana en cartel. Dentro de casi un mes se presentará la adaptación en castellano. A pesar de que mi capacidad de comprensión en euskera es muy escasa, y consciente de mis limitaciones, he acudido para tener una primera impresión del espectáculo. Puntualizo. Una segunda impresión, ya que hace unos días, en la presentación a la prensa, ya pude ver una parte.

-Mi propósito es completar el proceso, al menos en esta fase, con la visión en castellano a principios del mes de noviembre. Así que hoy me he dedicado principalmente a completar mis curiosidades, a abrir las preguntas iniciales y a recibir impresiones.

-No hace falta decir que ‘Festen’, la película de Thomas Vinterberg, fue, hace unas décadas, un acontecimiento que conmovió la cinematografía, y también incidió en el proceso cultural general. Incidió en los aspectos concretos de la narrativa audiovisual con los planteamientos del movimiento Dogma 95. También causó impacto y obtuvo premios por el conflictivo tema tratado y la manera de hacerlo, con esa denuncia de las agresiones sesxuales en el seno de la familia y la puesta en cuestión de esta institución.

-Una de mis preocupaciones era y es ver el siempre complejo paso desde una película, tan peculiar como esa, al escenario. Los distintos registros que hay que emplear en cada caso. Los ajustes, Las peculiaridades. En este punto de la adaptación, han intervenido dos profesionales con muy especiales capacidades y con experiencia selectiva, a pesar de su juventud. María Goiricelaya y Lucía Astigarraga.

-La primera, María Goiricelaya, ha asumido la principal responsabilidad de la dirección escénica. El paso desde el celuloide hasta el escenario. Los movimientos, la coreografía, el ritmo. La muy diferente manera de trasladar al espectador el problema, las emociones, los conflictos. Adelanto, que ya con estas dos primeras visiones, estoy impresionado por la puesta en escena múltiple, integral, continua, sin descanso, casi sin dejar respirar. Teniendo que atender a mil estímulos a la vez.

-Un punto concreto que me producido inquietud es la posible, o no, adecuación de todo eso para trasladar al espectador del modo más completo y exacto posible, la esencia de la comunicación, del problema, de las emociones, las contradicciones, las debilidades, la corrupción, la perversión, la hipocresía.

-Entre mis curiosidades, también ha destacado la concepción múltiple y móvil de la escenografía. El espacio siempre es importante. Se parte de las habitaciones lujosas pero cerradas de la película y aquella gran mesa que tanto pesaba, no solo en lo material. Se viene a una sala abierta con más movimiento, ágil, dinámica.  En la película, aquel espacio transmitía opresión, cierre. Aquí se da la vuelta. Ahí está José Luis Raymond.

-La atmósfera no sólo es creada por el ambiente físico. El sonido, la música, el movimiento son decisivos. Tiene también la misión de crear y separar momentos o fases. Ibon Belandia e Ibon Aguirre.  ¡Ah! La luz. La iluminación. En plural. Las iluminaciones. En ese campo, se mueve David Alcorta.

-Un aspecto a destacar, por la incidencia en el impacto sobre el espectador, es la presencia continua de una cámara sobre el escenario, siguiendo a diferentes interpretes por el escenario y proyectando su imagen ampliada en la pantalla de fondo. Interesante punto de reflexión este de la incorporación de las nuevas tecnologías en el desarrollo escénico. Guiando esa cámara está Rut Briones, del estudio audiovisual Gheada. El vestuario tiene una especial incidencia. Azegiñe Urigoitia lo ha trabajado.  Y el movimiento, la coreografía. Da la impresión de que Alberto Ferrero se lo ha trabajado con cuidado.

-Y la interpretación. Personalicemos. Los interpretes. Ellas y ellos. Incluida la niña Aiala Mariño. Con personajes tan densos, con tantos matices. Con especial incidencia en la acción y en las emociones creadas. La obligación de ofrecer continuos y diferentes estímulos cada uno, pero sin llegar a obstaculizar la visión del conjunto.

-Citemos a los interpretes. Son los que dan la cara, el cuerpo y todo. Egoitz Sánchez, Aitor Borobia, Mikel Martínez, Alfonso Torregrosa. Lander Otaola, Ione Irazabal, Ane Pikaza, Sandra Ferrus, Nagore Gonzalez, Olatz Ganboa, Kepa Errasti, Loli Astoreka.

-Creo que, con la visión de hoy y con la presentación anterior, estoy preparado para para volver a acudir dentro unas semanas. Me han aumentado las curiosidades. Y también se me han creado dudas e inquietudes. Os seguiré contando.