DAVID BARBERO

-La verdad es que creo que debía haber añadido  más adjetivos para calificar la versión en castellano de ‘Festen’ que acabo de ver hace un ratito en el teatro Arriaga de Bilbao. Pero mi intención  primera ha sido reflejar, desde el principio, la impresión muy positiva que he sacado.

-Voy a intentar matizar. Esta tarde-noche, he acudido para ver de nuevo ‘Festen’, esta nueva producción del teatro municipal bilbaíno y una sus principales apuestas de esta temporada. Esta vez he presenciado la versión en castellano. Hace algo menos de un mes, vi la versión completa en euskera. Y unos días antes, había asistido a la presentación de una parte de la obra en rueda de prensa.

-Lo he hecho premeditadamente con el fin de analizar esta obra con más detención de lo habitual. Tomé esa decisión ya que, desde el primer momento, despertó mi interés y mi curiosidad. Me pareció que en este proyecto no había un mero intento de sacar adelante una producción más. Sino de realizar un propósito serio de innovar, de presentar una propuesta potente que impactara sobre un problema que sigue siendo grave, y una llamada a la conciencia a través de un montaje moderno que uniera muy eficazmente las nuevas tecnologías con un trabajo muy cuidado en la interpretación y en la puesta en escena.

-Con el fin de situarnos, vamos a recordar que este espectáculo teatral tiene su origen en la adaptación  de la película del mismo nombre dirigida por  Thomas Vinterberg, hace unas décadas. Ya entonces se convirtió en un acontecimiento que conmovió la cinematografía. También incidió en el proceso cultural general, modificando aspectos concretos de la narrativa audiovisual con los planteamientos del movimiento Dogma 95. También causó impacto y obtuvo premios por el conflictivo tema tratado y la manera de hacerlo, con esa denuncia de las agresiones sexuales en el seno de la familia y la puesta en cuestión de esta institución.

-En general, pienso que una adaptación suele traer más inconvenientes que un texto nuevo para para llevar a cabo un proyecto novedoso. Por esa razón, puede ser más digno elogio el trabajo realizado, en esta adaptación concreta, por María Goiricelaya y Lucía Astigarraga, dos profesionales con muy especiales capacidades y con experiencia selectiva. Han sido fieles a la esencia del producto original. Pero dan la impresión de que se han preocupado más de lo que deseaban obtener sobre el escenario y cómo plasmarlo. Han logrado una exposición ágil y con gran fuerza expresiva.

-María Goiricelaya, ha asumido también la dirección escénica con lo que implica de responsabilidad principal sobre el resultado del montaje escévico completo y la coordinación de todos los elementos en la orientación deseada: Los movimientos, la coreografía, el ritmo. La muy eficiente manera de trasladar al espectador el problema, la denuncia, las emociones, los conflictos. Uno de los aspectos y decisiones más importantes, a mi juicio, ha sido su apuesta por una escena múltiple, integral, continua, sin ningún descanso, casi sin dejar respirar, con estímulos simultáneos y multiplicados, manteniendo a todos los intérpretes prácticamente en escena.

-Esta decisión tiene importantes efectos sobre la actitud de los espectadores. Se ven obligados a tener que atender a todos esos estímulos a la vez. Lógicamente reciben más información, más impactos y también más emociones. Pero te exige más atención. Lo voy a poner plural: más atenciones simultáneas.  A cambio se obtiene una percepción más completa y matizada del problema planteado, de las emociones, las contradicciones, las debilidades, la corrupción, la perversión, la hipocresía.

-En esta misma dirección y con este objetivo, yo destacaría la concepción múltiple y móvil de la escenografía. La delimitación del espacio, su definición, a veces su multiplicación o la relación entre sus elementos siempre son importantes y tienen una incidencia decisiva sobre la acción o sobre los perfiles de los personajes.

-Creo recordar que en la película se partía de  habitaciones lujosas pero cerradas. A aquella gran mesa que tanto pesaba, no solo en lo material. Aquí se viene a una sala abierta con más movimiento, ágil, dinámica multifacética.  En la película, aquel espacio transmitía opresión, cierre. Aquí se da la vuelta. Pero la opresión se mantiene y se multiplica. Ahí está la labor del maestro en escenografía José Luis Raymond. Al lado de la directora. Y no es la primera vez.

-La atmósfera no sólo es creada por el ambiente físico. El sonido, la música, el movimiento, casi la danza, son decisivos. Tienen también la misión de crear y separar momentos o fases. Ibon Belandia e Ibon Aguirre están en la parte sonora.  ¡Ah! La luz. La iluminación. En plural. Las iluminaciones. En ese campo, se mueve David Alcorta.

-Un aspecto a destacar, por la incidencia en el impacto sobre el espectador, es la presencia continua de una cámara sobre el escenario, siguiendo a diferentes interpretes por el escenario y proyectando su imagen ampliada en la pantalla de fondo. Interesante punto de reflexión este de la incorporación de las nuevas tecnologías en el desarrollo escénico. Fructífera me ha parecido la aportación al espectador de poder ver lo que hacen los personajes cuando está teóricamente fuera del escenario. Guiando esa cámara está Rut Briones, del estudio audiovisual Gheada.

-El vestuario tiene una especial incidencia. Azegiñe Urigoitia lo ha trabajado.  Y el movimiento, la coreografía. Da la impresión de que Alberto Ferrero se lo ha trabajado con cuidado.

-Y la interpretación. Personalicemos. Los interpretes. Ellas y ellos. Incluida la niña Aiala Mariño. Con personajes tan densos, con tantos matices, siempre en escena. Con especial incidencia en la acción y en las emociones creadas. La obligación de ofrecer continuos y diferentes estímulos cada uno, pero sin llegar a obstaculizar la visión del conjunto.

-Citemos a los interpretes. Son los que dan la cara, el cuerpo y todo. Egoitz Sánchez, Aitor Borobia, Mikel Martínez, Alfonso Torregrosa. Lander Otaola, Ione Irazabal, Ane Pikaza, Sandra Ferrus, Olatz Ganboa y Loli Astoreka.

-Retomo la idea de los primeros párrafos. Esta producción del teatro Arriaga, con todos estos profesionales citados, ofrece un muy interesante trabajo digno de un atento estudio, además de un gratificante disfrute estético.

-Es, sin duda, una muestra de lo que se puede conseguir aquí en un espectáculo teatral de calidad y, permitidme repetirlo, de innovación.

-No me resisto a reiterar mi enhorabuena y mi agradecimiento.

DAVID BARBERO

-Una aclaración previa. He puesto el verbo recitar entre comillas porque creo que no es la palabra adecuada. Pero no he encontrado otro término más ajustado. No lo pongo en sentido negativo, con lo que ya adelanto mi impresión positiva de este experimento dramático.

-Comienzo ahora reconociendo que esta tarde también he ido con gran curiosidad al Teatro Barakaldo. No es extraño. Suelen ofrecer propuestas de interés. Mi curiosidad, hoy, estaba motivada por ver al prestigioso autor y director argentino Claudio Tolcachir, en su calidad de actor y además en solitario. En algo parecido a un monólogo.

-Tolcachir es quizá más conocido aquí como director. Pero es un teatrero integral. Ha desarrollado todos los oficios escénicos. Y en todos, ha logrado éxitos y reconocimientos.

-Como director, fundó, siendo muy joven, la compañía Timbre 4 en Buenos Aires. Desde entonces, ha desarrollado una actividad muy intensa y llena tanto de calidad como de innovación. Con ella, adquirió reconocimiento, primero en su país. Y después, trascendió a otros lugares vecinos. Su inmediato reconocimiento en España le abrió las puertas de otros países europeos. En el éxito inicial y en su extensión internacional, tuvo especial incidencia la sorpresa de su obra titulada ‘La omisión de la familia Coleman’.

-Desde ese periodo, su trabajo se ha multiplicado en todas las direcciones, geografías y gèneros. Hace tiempo que actores y actrices de prestigio se han peleado por trabajar en sus obras y a a sus ordenes.

-Quizá esa intensa dedicación a la dirección, la autoría y la adaptación, le ha obligado a aparcar su labor como actor, que había desarrollado intensamente. De hecho, hace ya varios lustros, creo, que no pisaba los escenarios en ese rol.

-Para su regreso como intérprete con ‘Rabia’, ha asumido también gran parte de los otros oficios teatrales. Y asimismo, se ha rodeado de colaboradores habituales y amigos profesionales. Además de ser el intérprete, ha participado en la adaptación de la novela original y en la dirección del espectáculo.

-Entre los colaboradores habituales a los que ha recurrido para este proyecto, hay que citar a muchos. La dirección escénica la comparte con Lautaro Perotti. En la adaptación de la novela, que también lleva el  título de ‘Rabia’ y su autor es Sergio Bizzio, hay que anotar varios nombres. Entre ellos, el propio Laurato Perotti, María García de Oteyza Y Monica Acevedo.

-He dicho arriba que he acudido al Teatro Barakaldo con gran curiosidad. Pero debo añadir que llevaba una mosca detrás de la oreja. Me había enterado, con anterioridad, de que no interpretaba al protagonista de la novela, sino al narrador. Y que se trata de una novela escrita en tercera persona omnisciente. Siendo claro: junto a la curiosidad, tenía el temor de que fuera una narración.

-Nada más comenzar la función, se ha confirmado ese temor. Se ha tratado de una narración. Además una narración literaria y fiel de la novela, aunque reducida.

-Esa constatación ha hecho saltar en mí todas las alarmas. Yo siempre he defendido, incluso con ardor, que el teatro no es narración, no es ‘diégesis’. Debe ser imitación de la realidad, como decía el viejo Aristóteles. La acción debe vivirse sobre el escenario.

-Pero pronto me he dado cuenta de que el señor Tolcachir es mucho más inteligente que yo y tiene muchísima experiencia. Por lo tanto, no se le podía haber pasado por alto esa consideración tan evidente. Tenía que ser un premeditado propósito de hacerlo de esa manera. Un arriesgado experimento dramático. Una forma diferente de vivir la acción sobre el escenario.

-Además, he pensado que lo tenia muy claro, tanto el propósito como la manera de llevarlo a cabo. Así que ha deseado hacerlo él en persona en lugar de encargárselo a ninguno de los muchos actores excelentes a los que ha dirigido muchas veces.

-Vamos con el verbo ‘recitar’. No se ha tratado, a mi juicio, de narrar o contar la acción de la novela. Ha sido representar, encarnar al narrador omnisciente. Vivir la narración misma.

-A mí personalmente, este experimento me ha parecido muy interesante, valiente, atrevido, innovador, gratificante, positivo y descubridor. Y además, repito lo de a mi juicio, le ha salido muy bien. Bueno. Se lo ha trabajado muy bien.

-Así que le estoy muy agradecido, don Claudio Tolcachir.

DAVID BARBERO

-Reconozco que no es habitual colocar, en el titular de un comentario descriptivo, una opinión personal. Pero lo mantengo como un caso excepcional. Así que insisto en que, a mi juicio, la excelente actriz, directora y productora, además de otros oficios escénicod, Nuria Espert no debe terminar su carrera profesional con la obra que actualmente está interpretando, ‘La isla del aire’. Al final intentaré explicar porqué.

-La obra con la se anuncia, quizá sólo por propaganda, esta despedida es la adaptación de una novela que lleva el mismo título de ‘La isla del aire’. La adaptación ha sido realizada por el propio escritor, al que posiblemente se le supongan más cualidades narrativas que las que demuestra en esta pieza dramática, que se está representando estos días en el teatro Arriaga de Bilbao.

-Está protagonizada por cinco mujeres de una misma familia, en tres generaciones distintas. Se reúnen con ocasión del suicidio de otra joven, nieta, hija o hermana de las reunidas. Los supuestos misterios, los teóricos silencios culpables y las leves mentiras han ocasionado tensiones y frustraciones, de las que se habla, pero no se ‘ven’ por ningún sitio.

-Los papeles más destacados son los de la abuela, interpretado por Nuria Espert, y el de la madre, a cargo de otra gran actriz como es Vicky Peña. Pero es la abuela la que toma la iniciativa del proceso de desentrañar esos secretos y malas decisiones que han destrozado y siguen destrozando las vidas de todas ellas.

-A pesar de las teóricas apariencias, la acción no es potente ni tiene carga dramática. Los personajes carecen de fuerza o consistencia. Ninguno de los elementos integrados en la representación tiene, tampoco, cualidades positivas dignas de resaltar.  El hecho de desarrollar la historia dentro de los elementos femeninos de la familia hubiera podido ser una buena oportunidad para que grandes actrices, como las dos citadas y otras desarrollaran su talento demostrado en otras ocasiones.

-Con lo escrito en estos párrafos anteriores, he pretendido explicar el motivo por el que pienso que esta obra no merece el honor de ser utilizada para la despedida de una profesional del teatro muy destacada en tantas ramas, géneros y manifestaciones artísticas como es Nuria Espert. Pero las opiniones siempre son subjetivas.

DAVID BARBERO

-Los riesgos que se corren al escribir, interpretar y montar escénicamente una biografía son enormes. Supongo que Ricardo Padilla, Eguski Zubia y todo el equipo conjuntado al rededor de este proyecto eran conscientes de ello desde el principio.

-Una precisión. Creo que, en estos tiempos llamados modernos,  no se debe usar el viejo término de biografía. Una palabra más adecuada, en este momento, quizá sea biopic, como se ha generalizado desde el mundo del cine. Ese cambio de nombre no resta riesgos. Pero en ese campo, a veces se usa el truco o la técnica de proponer enigmas o incógnitas para añadir intriga e interés.

-Si además de esos condicionamientos biográficos, se añade que la persona estudiada tiene un destacado componente científico y técnico, la dificultad de la empresa puede aumentar de forma exponencial. Incluso, puede ser mayor, si  se plantea como una exposición realizada por la propia protagonista,

-Por lo tanto, lo primero es reconocer la valentía de todos los que han participado en el proyecto que ha llevado a que, ayer y hoy, se haya presentado en el Teatro Arriaga de Bilbao la obra titulada ‘Nancy Grace Roman’.

-Para quien no lo sepa, hay que decir que esos nombres y apellido corresponden a una mujer norteamericana, pionera y muy destacada dentro del campo de la astronomía. A los cuatro años, le gustaba dibujar estrellas junto a la luna. Unas cuantas décadas después, llegó a ser la primera directiva de la NASA. Fue la creadora del telescopio espacial Hubbe. Se convirtió en una referencia mundial en varios campos científicos.

-Todo esto lo consiguió en los años duros del siglo pasado. Entonces, todavía más que ahora, la ciencia, la tecnología, y todo el resto del mundo, eran propiedad exclusiva de los varones.

-Vista la obra con toda atención, es de absoluta justicia reconocer que los riesgos existentes ha sido superados. El texto y la dirección de Ricardo Padilla han conseguido un planteamiento escénico que unifica la fidelidad y la exactitud al reflejar al personaje con las explicaciones técnicas  y la estructura narrativa amena, ágil e interesante.

-Ha tenido también la inteligencia y la habilidad para rodearse de un equipo creativo polivalente y eficaz. Bego Krego se ha ocupado del desarrollo del movimiento escénico, Ena Fernandez ha cuidado más detenidamente la dramaturgia. La parte musical y su composición ha sido responsabilidad de Alicia Sevilla. La actriz Justi Larrínaga se ha ocupado de la coordinación general. Hay que señalar que ella iba a ser la intérprete, pero que un accidente se lo ha impedido. Tampoco hay que restar ningún mérito a la iluminación, diseñada por John Lunman, ya que aporta un  atractivo tratamiento estético.

-La responsabilidad de encarnar a esta mujer extraordinaria en tantos aspectos ha sido asumida por Eguski Zubia. Ha logrado el múltiple mérito de crear una personalidad definida, de hacer ver los cambios vitales y exponer, de modo comprensible, complicados aspectos científicos y técnicos. Es preciso reconocer que, en este trabajo, demuestra una vez más, sus cualidades polifacéticas y su capacidad para afrontar cualquier reto por complicado que sea. Merece también ser citada la niña Sara Padilla por su expresividad y su naturalidad.

-¡Ah! He intentado conocer el nombre de la persona que ha realizado el trabajo de caracterización de Eguski Zubia para  transformarla en la verdadera Nancy Grace Roman. Sin duda por mi torpeza, no lo he conseguido. Pero me ha parecido digno de señalar.

-He comenzado aludiendo la valentía en quienes han afrontado este arriesgado proyecto. Y la valentía debe tener su reconocimiento. Digamos que son la compañía Nexoteatro, formada por Ricardo Padilla y Eider Amezua, que, en esta ocasión, han contado con la ayuda del teatro Arriaga.

DAVID BARBERO

-Esta tarde-noche, he acudido a ver la ópera ‘Romeo et Julliette’ de Charles Gounod, que inauguró el pasado sábado en Bilbao la temporada número 72 de las organizadas por la Asociación Bilbaína de Amigos de la ópera, conocida por sus siglas de ABAO.

-Hoy ha tenido lugar la segunda representación. Esa circunstancia me ha permitido acudir con bastante información sobre lo que podía encontrarme. He hablado con aficionados que ya la habían visto. He leído crónicas y comentarios periodísticos. Todos ellos subjetivos, naturalmente, como corresponde a una manifestación artística.

-Así me he podido enterar, previamente, de que la gran mayoría opina que la gran triunfadora ha sido la soprano Nadine Sierra, que encarna a la protagonista Juliette. Todo son alabanzas hacia ella.

-En las expectativas previas, el gran favorito era el tenor Javier Camarena, muy estimado aquí en Bilbao  por sus actuaciones previas. Estos día ha estrenado el rol de Romeo por primera vez y parece que no ha sido al gusto de todos los opinadores y entendidos.  O que todavía no le ha cogido el tono adecuado a un personaje tan joven, en comparación con su edad real.

-También ha recibido bastantes elogios el barítono Andrzej Filonczyk. Asimismo se ha estimado mucho las intervenciones del coro. En esta ópera, tiene un papel destacado. ¡Ah! El trabajo del director musical Lorenzo Passerini y la orquesta de Euskadi  ha sido destacado en varios de los comentarios.

-Ha sucedido, como suele suceder, que el resto de los aspectos de la representación apenas han sido objeto de comentario. No se suele atender a la puesta en escena, a las interpretaciones actorales, a la iluminación, al vestuario, a la adecuación de los interpretes y los personajes representados, a los movimientos …

-Sin embargo, he recibido una interpelación, justo tras asistir a la representación de hoy, que ha marcado una visión diferente sobre el espectáculo de este ‘Romeo et Juliette’ de Charles Gounod. Me ha dado su opinión sobre lo que, a su juicio, debería ser la ópera como espectáculo total, integrador de todos los elementos expresivos y artísticos que componen las manifestaciones escénicas.

-Ella ha prestado bastante atención a la labor de Giorgia Guerra como directora escénica. Es la primera vez que participa en las producciones de la ABAO. Su trabajo, en esta presentación, la ha calificado como una propuesta impactante visualmente en bastantes momentos. Creía que ha pretendido que el espectador pueda sumergirse en un viaje en el tiempo, mezclando la tradición con los nuevos medios audiovisuales.

-Lo ha calificado como una actitud innovadora, dentro de este mundo operístico más inclinado hacia la fidelidad, en los contenidos y en las formas, al pasado, y poco exigente con el acercamiento a los espectadores de este siglo XXI.

-Ha valorado positivamente la utilización de las nuevas tecnologías artísticas para potenciar la historia y la tragedia de los personajes principales de tal manera que el publico de hoy, acostumbrado a esas visiones, haya podido percibir, sentir y hasta identificarse con esa historia y esos personajes, como un valor de todos los tiempos.

-Sin embargo, ha denunciado otro matiz que distancia o no favorece la identificación con lo que sucede en el escenario. Los protagonistas de esta romántica y trafica historia, son, en su gran mayoría, jóvenes  adolescentes . Esa corta edad no es algo accidental en el pensamiento del autor sino que marca un tono que no ha sido reflejado.

-Todas estas opiniones demuestran que cada uno aprecia la ópera de acuerdo con su criterio. Pero es preciso reconocer, que al finalizar la representación de hoy también ha manifestado, con unánimes y sonoros aplausos, su satisfacción por lo presenciado en esta versión de ‘Romeo et Juliette’ de Charles Gounod.

-La triunfadora, también hoy, ha sido la soprano Nadine Sierra.