David Barbero

-Tengo interés en explicar lo que se sintoniza en el título de este comentario de modo un tanto enigmático. Pero, antes, es preciso situarlo. Esta noche he asistido en el Palacio Euskalduna de Bilbao a la representación de la ópera ‘Tosca’ de Giacomo Puccini, dentro de temporada numero 71 de la ABAO.

-Ha sido un espectáculo de muy notable calidad en todos los aspectos. Ha tenido una puesta en escena especialmente cuidada, expresiva, ágil e impactante para el publico. Pedro Halffter ha demostrado todas sus cualidades como director, al frente de una muy entonada Orquesta sinfónica de Bilbao. Los coros participantes han sido muy aplaudidos. Los cantantes solistas, especialmente Oksana Dyka, como Tosca; Roberto Aronica, como Cavaradossi, y Gabriele Viviani, como Scarpia, han recibido ovaciones al terminar.

-Dicho esto, paso a la argumentación sobre el título.

-Tosca’ es una de las óperas más reconocida y valorada. También está entre las más queridas por los aficionados. Y es de las que más veces se sigue representando.

-Los expertos alaban las muchas cualidades de la composición musical de Giacomo Puccini. Destacan la perfección de sus armonías , las mezclas de los tonos y la variedad de sus notas. Valoran de un modo especial su contribución, en la composición musical, a la narración de la historia, la definición psicológica de los personajes y al aumento de la intriga del argumento, las tensiones dramáticas y las atmósferas emocionales.

-También son bastante unánimes las alabanzas sobre el libreto. Fue escrito por Luigi IIlica y Giuseppe Giacosa. Desarrolla una historia bien construida con elementos de intriga y con numerosos momentos dramáticos. Las emociones están muy bien expresadas, y los personajes poseen una consistencia psicológica potente.

-No en vano se basaba en una obra teatral del mismo nombre escrita por Victorien Sardou e interpretada, con mucho éxito, por Sarah Bernartd. Pucinni asistió al estreno en Milán  e inmediatamente pidió a su editor que comprara los derechos.

-Tanto la obra teatral como la ópera tienen un fuerte contenido melodramático. La acción va, en buena parte, de amores y deseos eróticos dentro de un trío con dos varones rivales.

-También expone lacras y realidades sociales muy parecidas a las que suceden en el momento actual. Hay denuncia de la corrupción política. Se muestra el autoritarismo que se ejerce desde el poder. Hay violencia machista. Hay guerras. Enfrentamientos entre los políticos. Aparece, incluso, algo tan actual como las ‘fake news’.

-La acción se sitúa en las guerras de Napoleón contra los regímenes autoritarios de Austria en Italia. El auto proclamado emperador había vencido a esos regímenes dictatoriales y había colocado gobiernos liberales. Pero cuando Napoleón se va, vuelven los autoritarios al poder y establecen de nuevo la dictadura.

-Así que hay que dar una  nueva batalla para restablecer al gobierno liberal. Al terminar esta segunda batalla, llega hasta Roma la falsa noticia de que Napoleón ha sido derrotado. Los ultras lo celebran y toman sangrientas represalias contra los enemigos. Sin embargo, pronto se sabe que ellos han sido los verdaderos perdedores, con lo que se establece un gobierno contrario a lo que parecía. Todos los puestos de mando y los sillones de poder cambian de nuevo.

-Hay críticos que piensan que es una pena que no se haya dado importancia a esta parte de la historia para añadirlo a los atractivos del melodrama, de la crítica o la bufa política. En una visión de aquí y ahora, esos aspectos podrían tener gran valor. De todos modos, ahí queda el perverso personaje de Skarpia, el malo tanto en la agresión sexual como en violencia política ultra.

-También han existido opiniones en el sentido de que una representación cultural, musical y teatral en vivo, con todos estos elementos sociales tan potentes y tan actuales, se enfoque en una orientación dirigida exclusivamente, a su juicio, a destacar los valores vocales y a las interpretaciones de los cantantes. En lugar de considerar y valorar estos elementos como instrumentos de una representación artística total dirigida a la sociedad de este momento en toda su plenitud.

-Estas consideraciones son las que se pretendía reflejar en el título al describir ‘Tosca’ como una ópera (que podría ser) actual.

David Barbero

-Comenzaré, otra vez, por la conclusión: Lo que he visto esta tarde noche en el teatro Barakaldo con ‘El diablo cojuelo’ ha sido una excelente muestra de lo mucho y muy original que se puede lograr en la interpretación de una obra clásica por una compañía de payasos, teniendo por medio una adaptación inteligente como la realizada por Juan Mayorga.

-La compañía catalana de circo ‘Rhum & Cia’, integrada por payasos, está a punto de cumplir sus diez años de existencia y se ha convertido ya en un grupo de referencia en su género. Su trabajo ha recibido el reconocimiento de varios premios. Sobre todo el signo de su consagración está en la extraordinaria aceptación por parte del público.

-Destacan por su calidad y su innovación. Se atreven con todos los géneros y han logrado renovar el espectáculo circense con decisión y valentía en los temas y en las formas. Quizá sus elementos más destacados sean humor, la magia y la música, manteniendo la fama de atreverse con todo lo imaginable.

-Esta tarde han estado en el Teatro Barakaldo. Han traído una pieza clásica española del siglo XVII, aunque no se trata de un texto originariamente teatral: ‘El diablo cojuelo’ de Luis Vélez de Guevara. En una coproducción de la muy seria compañía de teatro Clásico de España y de la muy payasa compañía Rhum & Cia.

-Otro dato a destacar: Para adaptar este texto clásico se han buscado nada menos que a Juan Mayorga, el autor teatral de más éxito en la actualidad, aquí y fuera, así como miembro de la real academia de la lengua.

-El propio Mayorga ha dicho, sobre este proyecto, que ha realizado la adaptación con total libertad pero también con todo respeto; que ha tenido muy en cuenta que los interpretes iban a ser payasos; y que ha sido ‘una de las aventuras más bellas en que me he metido desde que estoy en el teatro’.

-El resultado de todo esto ya lo he sintetizado arriba. Pero añado algo más. En primer lugar, es de justicia destacar el excelente trabajo realizado por todos los componentes  de la citada compañía de clowns: Juan Arqué, Jordi Martínez, Roger Juliá, Piero Steiner, Mauro Paganini y Xavi Lozano.

-Es indudable que quien desee lograr un análisis académico del aludido texto clásico no es esta pieza el mejor sitio para encontrarlo. Pero como espectáculo teatral, incluyendo diversos géneros escénicos, hay que destacar su originalidad, su comicidad, el enfoque novedoso, la suma de estímulos artísticos, la excelente interpretación, la buena comunicación con el público, la agilidad …  Además, hay que agradecer la necesaria falta de respeto hacia los demasiado reverenciados clásicos y la siempre recomendable libertad.

-Así que ¡Viva los payasos cojuelos!

David Barbero

-El actor, director, autor y otras varias cosas más como teatrero integral, Ramón Barea, ha demostrado ya que tiene cogido el aire a este tipo de teatro. Recientemente, lo demostró con ‘Viaje a ninguna parte’ y con ‘Luces de bohemia’. Antes ya lo había evidenciado con interpretaciones del propio Valle Inclán bajo otras direcciones.

-Ahora lo vuelve a demostrar con el montaje de ‘La lucha por la vida’ de don Pío Baroja, donde asume la dirección y un curioso papel protagonista. Es todavía un reto mayor, con mayores dificultades y un riesgo superior. Todo incluido en la nueva y muy destacada propuesta y producción del Teatro Arriaga de Bilbao.

-‘La lucha por la vida’ es una trilogía. Escrita en los primeros años del siglo XX y trata sobre una problemática muy pegada a lo que sucedía entonces. Incluye tres de sus novelas más emblemáticas. ‘La busca’,  ‘Mala hierba’ y ‘Aurora roja’. En ella recorre la intensa evolución vital e ideológica de un muchacho soriano , Manuel Alcaraz, hasta su desenlace, no precisamente feliz, en el marco de una gran ciudad como Madrid en esos años especialmente convulsos social y políticamente.

-Toda la acción se desarrolla en el mundo de los marginados. Hay mucha pobreza, mucho hampa y también mucha rebeldía. Se vincula con el desarrollo de movimiento anarquista. El propio autor, Baroja, acentúa su estilo descarnado y tremendista, a la vez que muy directo. Lo une a una jerga barriobajera, que le coloca como un autor muy destacado del realismo literario español.

-Para afrontar este reto, Barea ha contado, con los que, a efectos prácticos, viene a ser su compañía casi estable, de la que se ha rodeado, con algunas entradas y otras salidas, respecto a los proyectos anteriores citados. En el aparado interpretativo ahí están, junto a él, Itziar Lazkano, Olatz Gamboa, Diego Pérez, Ione Irazabal, Aitor Fernandino, Sandra Martín, Alfonso Torregrosa, Leire Ormazabal o Arnatz Puertas. Todos realizan un muy buen trabajo. Muy meritorio, Y también arduo. Cada uno interpreta a numerosos personajes. Estos cambios de rol se deben realizar en un el mínimo tiempo, dado el ritmo vertiginoso de la pieza.  Estar a tope de expresividad en todos los momentos. Ah! Y el sentido del conjunto, la complicidad del grupo. ¡Menudo trabajo el que han realizado todos ellos! Enhorabuena.

-Ramón Barea interpreta a Pío Baroja, el autor. No es un personaje implicado directamente en la acción. Es una especie de demiurgo, organizador y matizador de lo que sucede sobre el escenario. A muchos veteranos  seguidores del teatro, nos ha recordado a aquel mítico director de escena y pintor Tadeusr Kantor.

-El equipo llamado técnico también está integrado por personas de su confianza. En la escenografía, José Ibarrola. En iluminación, David Alkorta. En atrezzo, María Casanueva. Especial acierto hay que atribuir a la concepción y el simbolismo del muro de ladrillos, con mucho simbolismo y, a la vez, con habilidad para la configuración de diferentes atmósferas y escenas. Destaca la presencia de Adrián García de los Ojos como responsable del espacio sonoro. Decisivo para la creación de tonos y atmósferas.

-Especial dificultad hay que atribuir a la labor de José Ramón Fernández, en su trabajo de adaptar las tres s como texto teatral. Un esfuerzo arduo por la necesidad de reducir el volumen de paginas y conservar la viveza de la acción sin desvirtuar las peculiares connotaciones del lenguaje.

-Creo que he cometido un  error al decir al principio que Ramón Barea ha cogido el aire a este tipo de obras. Quizá alguien haya interpretado que aplica en todas ellas una receta similar. Nada más lejos de la realidad. Cada una tiene su tratamiento específico. En ésta, establece una atmósfera de distancia, de intento directo de búsqueda. Muy curiosa la división de realidades con el muro. El juego de escenas breves y rápidas, pero intensas y potentes.

-Una nueva demostración de la solidez, la calidad y la fuerza de la infraestructura humana y técnica de la profesión teatral en Bilbao.

David Barbero

-Antes de empezar, voy a completar el título del espectáculo que he visto hoy en la sala la Fundación de Bilbao. Este taranto es calificado como aleatorio. Hay que  decir que también es original, imaginativo, impactante, libre, diferente, va en progreso, atrae la atención.

-Vamos a dejar algún adjetivo más para el final. Comenzamos.

-Hace unos días, aludí en uno de estos comentarios al espectáculo  ‘Taranto aleatorio’. Fue en relación con la trilogía preparada por la sala la Fundición sobre los cambios en los roles masculinos y femeninos.

-Las dos primeras obras, ‘Entrañas con patatas’ y ‘Mientras tanto’ trataban sobre lo que se llama ahora masculinidad. Este fin de semana, se ha completado el panorama con esta pieza, ‘Taranto aleatorio’, creada y protagonizada por María del Mar  Suarez, la Chachi, acompañada, con el mismo protagonismo, de Lola Dolores.

-En lo personal, María del Mar mantiene una actitud vital que da prioridad a su propia manera de entender la vida basada en decisiones propias y la libertad para llevarlas a cabo. Todo esto no es de ahora. De joven, interrumpió los estudios. Se fue a Londres para vivir experiencias nuevas. Estudió. Buscó. Estuvo de okupa. Asistió a muchas ‘raves’. Aprendió mucho.

-Cuando recuperó los estudios. Se tituló como actriz y como bailaora. Se especializó en teatro gestual. , en nuevas dramaturgias. Se inició en danza contemporánea. Cuando sabía todo eso, decidió mezclarlo y fusionarlo. A continuación, comenzó a distorsionar, en el buen sentido, tanto el gesto como el baile flamenco. Buscaba su estilo propio en la hibridación.

-Ahora sigue llevando esa misma actitud en su actividad profesional como  flamenca integral. Ah! Poco después, incorporó una enriquecedora  experiencia de improvisación con un saxofonista. Además, utiliza los gestos y las expresiones para añadir ironías, argumentos, críticas e intenciones.

-Trabaja también como flamenca ortodoxa. Conoce y domina las normas y las reglas. Pero no las considera un dogma absoluto ni una obligación irrenunciable. Dedica especial ilusión a sus espectáculos de iniciativa propia. Sobre todo, ha triunfado y ganado numerosos premios con sus piezas ‘La gramática de los mamíferos’ y ‘La espera’.

-Ahora anda con este ‘Taranto Aleatorio’ en unión con Lola Dolores. Se siente más libre que nunca. El taranto es el palo del flamenco primitivo, sencillo y sin guitarra. Nació precisamente de la necesidad de cantar y bailar por libre.

-Es lo que ha demostrado este fin de semana en la sala la Fundición de Bilbao. Por todas estas razones, ya desde el título os he recomendado, sin más intención, que prestéis atención a esta María del Mar Suárez, conocida como La Chachi.  Y no olvidéis a su compañera Lola Dolores.

–Había prometido añadir algunos adjetivos más. Potente, intencionado, firme, irónico… Cerrémoslo como imprescindible, en el sentido de que, a mi juicio, no os lo deberíais perder.

David Barbero

-El estreno que, esta tarde, ha tenido lugar en el Teatro Barakaldo es una muestra de que las artes escénicas pueden servir para contagiar optimismo, para provocar fantasías, fabricar sueños imaginativos y animar a llevarlo a la realidad.

-He tenido espacial cuidado en referirme, en plural, a las artes escénicas, en lugar de aludir, en singular y por separado, a la danza o al teatro. La compañía teatral Marie de Jongh y el colectivo Doos de danza han estrenado la pieza ‘Esna’, que se mueve en la simbiosis de ambos géneros, disciplinas artísticas, o como quieran llamarse.

-Una de las características de los tiempos escénicos que corren está en la ruptura de los géneros exclusivos y de las reglas fijas. Se camina por fusiones y sumas, por caminos polivalentes, por encrucijadas enriquecedoras.

-Esta propuesta se presenta premeditadamente como un ‘experimento que se convierte en experiencia’. Con el deseo de contagiar. Con la voluntad de abrir, en los asistentes, las ganas de imitar, de poner en práctica lo que han visto y sentido que sucede sobre el escenario.

-Tiene mucho de juego y de transformación. Es importante la decisión y la valentía de asumir el riego de cambiar. Colocarse en otro lugar. Y en el lugar del otro. Adoptar un postura diferente. Intentar ser otra u otro. Buscar varias cosas a la vez. Abrir múltiples ventanas, entrar por unas, salir por otras o quedarse en todas. Aprender que recorrer un camino no establecido, no significa equivocarse sino un enriquecimiento.

-Además, sobre el escenario se ha visto que todo eso es posible. Y divertido. Los que allí se han atrevido a hacerlo se lo han pasado bien. Lo han conseguido y han gozado en ese juego gratificante.

–Esto es lo que propone, comunica y contagia ‘Esna’. Hay muchas fusiones. Ya hemos aludido al maridaje Marie de Jongh y Doos colectivo. Lo dirigen Jokin Oregi y Eva Guerrero.  Por el resultado, se ve que ambos caminan en la misma dirección y con los mismos parámetros. Por separado, funcionan a muy alto nivel. La suma se convierte en multiplicación.

-Hay actores que a la vez son bailarines. O al revés. Se llaman Denis Martínez y Olaia Valle. Sus movimientos transmiten emociones y sus expresiones están coordinados a la intención de conmover.

-También se ha visto que la música de Nerea Alberdi se fusionaba con movimientos, saltos, piruetas y expresiones. Sin restar importancia a las luces creadas por Arantza Heredia. También ellas saltaban, acompañaban y se detenían para crear matices y subrayar intenciones.

-Todo lo escrito hasta aquí hace más referencia a la participación desde el escenario. En el otro lado, en el patio de butacas, esta tarde ha quedado demostrado, en el Teatro Barakaldo, que el público tampoco tiene un papel pasivo en esta nueva aventura. El tránsito de las emociones y el contagio de la intención sólo funcionan si lo que se lanza desde un lado con todas las precisiones se recibe abiertamente y con deseo en el otro.

-Tengo la sensación de que a muy pocos seguidores de las respectivas trayectorias de el colectivo Doos y de la compañía Marie de Jongh les habrá sorprendido este encuentro de ambos. Y todavía serán menos, -en el caso de que haya alguno-, que no lo esté ya celebrando.