DAVID BARBERO

-He asistido esta tarde a un espectáculo emblemático y representativo del feminismo teatral. Incluso más. He tenido la oportunidad de haber presenciado la última representación  de este espectáculo, antes de su desaparición, tras estar varias temporadas sobre los escenarios de muchos teatros diferentes. Incluso todavía más. A esta pieza, se le atribuye la singularidad de unir la lucha de las mujeres contra sus discriminaciones seculares, con las denuncias por el deterioro culpable del medio ambiente.

-Una definición oficial asegura que ofrece ‘una radiografía del golpe en la mesa que han dado las mujeres contra el papel que les asigna el patriarcado’. Se alude directamente al empoderamiento femenino.

-Se refieren todas estas consideraciones a la pieza ‘Talaré a los hombres de sobre la faz de la tierra’. Ha sido representada  esta tarde noche en la Sala BBK de la Gran Vía de Bilbao como cierre final de su última gira.

-La autora, directora y productora es la joven María Velasco. A pesar de sus pocos años, cuenta con el reconocimiento en el mundo escénico feminista. Se destaca en ella el tratamiento de la autoficción y la hábil mezcla de los diversos géneros escénicos. El elenco interpretativo, amplio para los tiempos que corren, está encabezado por Laia Manzanares. Está acompañada por Joaquín Abella, Miguel Angel Altet, Fran Arraez y Beatriz Berrgamín.

-El argumento no sigue los cauces establecidos en  los cánones de la escritura teatral normalizada. Recoge la historia de una adolescente en la que se acumulan las agresiones sexuales y los desprecios del sistema patriarcal. Es novia de un maltratador, y tiene parientes o personas cercanas que también participan en el viacrucis que se obligada a sufrir. Su aventura transcurre en un  simbólico bosque, al que ella se traslada desde una reunión familiar para leer a la sombra de un árbol e iniciar la toma de conciencia sobre su situación. Así da el paso hasta su actitud adulta y a responsabilizarse de sí misma.

-La exposición trata la acción con una estructura de cuento. Desestructurada. Se preocupa especialmente de intentar transmitir emociones y sentimientos. Propone significados para todos los elementos del escenario por pequeños que sean. A la vez que enfatiza las expresiones y el lenguaje alusivo a la denuncia intencionada.

-Ha habido, en esta representación y también a lo largo de la gira, observadores escénicos meticulosos que han encontrado reiteraciones en las palabras y en las exposiciones. También han señalado que algunas argumentaciones estaban cercanas al populismo o la propaganda, sin profundizar en las motivaciones. Han visto que la puesta en escena resulta plana y poco dinámica. Incluso han considerado la interpretación como poco sutil. Además, han valorado negativamente la reiterada utilización de textos  sobre el fondo, con  esloganes reincidentes.

-Sin embargo, la mayoría de la/os espectadores de las representaciones y las giras de estas tres ultimas temporadas coinciden más con las apreciaciones favorables expuestas en los párrafos anteriores, valoración que ha sido ratificada por la concesión a María Velasco del premio Max a la mejor autoría teatral y por los aplausos entusiastas de la gran mayoría del público asistente hoy a la Sala BBK de la gran vía de Bilbao.

DAVID BARBERO

–Se podrían añadir más adjetivos a los dos que he puesto en el título. Bella y emocionante. También se puede decir que es una narración delicada, enternecedora, atractiva, ejemplar, cuidada, bonita, poética, muy poética … Y más adjetivos.

-Todos estos calificativos se deben atribuir a la historia que se cuenta. Respecto a la manera de contarla, también hay que señalar que es original, trabajada con esmero, variada, no habitual sobre los escenarios. Combina elementos que se usan poco sobre el escenario. Objetos, escritos, material escolar. También hay muchas proyecciones. Una pequeña cámara para captar los objetos existentes en el escenario. Hay que hacer una precisión. No son ni juegos ni otros objetos de los niños de ahora. Hay que retrotraerse casi un siglo.

-Este colocarse en la década de los años treinta del siglo pasado está obligado porque se trata de reconstruir unos hechos reales, que sucedieron entre entre 1934 y 1936. Tuvieron como protagonista a un maestro catalán llamado Antoni Benaiges, y los niños que educó en esos años en el pueblo burgalés de Bañuelos de Bureba. Permitidme señalar que que este maestro procedía de la localidad tarraconense de Montroig, que tiene un significado muy particular para mí.

-Los responsables de este espectáculo y puesta en escenas son Xavier Bobés y Alberto Conejero, en lo que al texto, realmente muy poético, la dramaturgia y la dirección. Aunque después tendré que hacer  una puntualización. Junto a ellos, que son más conocidos, hay destacar también el trabajo de los que han intervenido, con gran acierto, en el espacio escénico, la iluminación, los audiovisuales, las fotografías, el audio, la documentación y todos los otros elementos que aquí adquieren una importancia fundamental.

-También es preciso señalar la labor interpretativa de Xavier  Bobés y Sergi Torrecilla. Realizan con mucha solvencia la difícil labor interpretativa de un texto eminente narrativo. bles.

-Ahora me queda contaros la historia real en la que se basa este espectáculo. En 1934, el joven maestro Antoni Benaiges fue destinado a la escuela rural del pueblo Bañuelos de Bureba, en Burgos. Realizó allí una labor pedagógica, social y también humana extraordinaria. Como ejemplo, pagó de su propio bolsillo un gramófono y una rudimentaria imprenta que puso a disposición de todos los alumnos. Con ella, los niños y las niñas de la escuela podían publicar sus emociones, sus sueños, sus alegrías, sus penas y sus deseos.

-En enero del 1936 publican el texto titulado ‘El mar. Visión de unos niños que no lo han visto nunca’. Esto es lo que se ha interpretado hoy en el Teatro Arriaga de Bilbao. Por eso, decía que la autoría del texto debe atribuirse a esos niños  y a su profesor.

-Con ocasión de esa publicación, el maestro les prometió a sus alumnos llevarles a Cataluña para que vieran el mar, ya que ninguno de ellos no había visto. Reitero que el lugar concreto al que los iba a llevar era su casa familiar situada en Montroig. Iban a realizar ese viaje antes de que terminara ese verano. Pero Antoni Benaiges fue fusilado el día 25 de julio en el inicio del levantamiento militar franquista. Así que no pudo cumplir esa promesa.

-Estoy convencido de que alguna/o de vosotros está ya arrepentida/o de no haber ido esta tarde al teatro Arriaga de Bilbao

DAVID BARBERO

–He aludido, en el título, a ese detalle de las rebajas, porque los que no han visto esta obra quizá no sepan que el argumento comienza con la pelea por un traje que se vende, durante el primer día de las rebajas en unos grandes almacenes.

-Con ese detalle, he querido también destacar la oportunidad de haber visto precisamente hoy esta obra, coincidiendo que es el día de Black Friday, dedicado al consumismo compulsivo y divinizado.

-Para despertar el interés por ver esta obra, he colocado también en el título la indicación de que se trata de una pieza, un inteligente experimento de gran calidad, a mi juicio.

-Adelantaré que desde este pequeño detalle de la pelea por unas rebajas comerciales, se construye un interesante argumento, se logra dar transcendencia a la acción y pasar a un debate en profundidad sobre cuestiones de actualidad y que afectan a las personas que vivimos en este momento. Y además, se expone dentro de una muy cuidada comicidad absurda, que aumenta todavía más la calidad.

-Ya que he aludido a la actualidad, debo hacer referencia a una circunstancia de este texto, su autor y sus interpretes. ‘El traje’ es un texto que escribió y dirigió hace ya diez años Juan Cavestany. Y en esa ocación, hacia esa década, también lo interpretaron los dosmismos protagonistas que hoy lo han hecho en el teatro Arriaga de Bilbao: Javier Gutiérrez y Luis Bermejo. Tuvieron ya entonces un notable éxito. Pero determinadas circunstancia administrativas y de compromiso impidieron que se realizara la gira que estaba prevista.

-Para retomarla ahora, el autor y director ha introducido algunos cambios. Lo ha hecho para que se acomodara mejor a los nuevos tiempos. Considera que hace una década esta sociedad también estaba en crisis. Pero en su desarrollo, aparecían algunos matices diferenciadores. Así el público de ahora mismo se puede identificar mejor con el nuevo texto.

-Lo que no ha cambiado, afortunadamente, es la manera de r la acción y la comunicación entre los dos protagonistas. Entre la comicidad más eficaz y la denuncia evidente. Entre la crítica social y la perfecta definición de los dos personajes protagonistas.

-En este punto, hay que la extraordinaria labor interpretativa de  Luis Bermejo y Javier Gutiérrez. Sus gestos, sus actitudes, los desplantes. La colocación oportuna y exacta de cada frase. Las interrupciones y la expresividad de las silencios. Sin ellos dos, esta obra sería difícil de sostener.

-Tampoco ha disminuido la eficacia y el atractivo del lenguaje utilizado, en el que algunos elementos llegan a estar próximos a lo absurdo. Pero tiene la cualidad para hacen avanzar el debate y acentuar los conflictos. Además, de reflejar la naturaleza de esta sociedad, no sólo absurda, sino corrupta y antisocial.

-He indicado que Juan Cavestany, además de autor, asume la responsabilidad de la dirección escénica. Demuestra su sentido del ritmo, la rapidez de las réplicas y contraréplicas, el significado de los pequeños detalles. Quizá por encima de los movimientos sobre la escena del reducido escenario.

-Falta aludir a la reacción del publico. En primer lugar, ha habido un lleno absoluto. Un público absolutamente entregado desde el principio. La mayoría, fans incondicionales de los dos intérpretes. Los aplausos finales han tenido que ser interrumpidos por la despedida de los actores.

DAVID BARBERO

-Acabo de salir  del teatro Arriaga de Bilbao, tras ver la pieza ‘Sobras completas’ de la que es autor, codirector e intérprete José Luis Esteban. Y he tenido la tentación de ponerme a difinir el género teatral en el que podría colocarla. Pero no he caído en ella. Definir es siempre poner límites. Y en esta ocasión, es imposible hacerlo.

-Lo que he visto es más que un monólogo musical, más que un show rítmico, que una pieza bufa, que una relectura irrespetuosa pero lúcida de un texto súper clásico  o que una inmersión intencionada. Supera, en categoría, al cabaret. Valle Inclán no se enfadaría si la colocamos entre sus esperpentos.

-Como se refiere a La Odisea y el texto de Hómero se refiere al regreso de Ulises desde la guerra de Troya a su casa, donde le esperaba Penélope, quizá haya que me meter por medio el concepto de viaje.  Pero, largo, intenso, lleno, como se dice en la obra.

-Debo decir que, desde el principio hasta el final, he estado absorto, enganchado, como hipnotizado. Por las palabras, por los tonos, por los gestos. Por la música, por las emociones. Por la coordinación. Por la suma de las distintas expresiones artísticas en la mismo dirección.

-Es más bien un diálogo entre la música y la palabra, Entre el sonido y el gesto. Entre la voz y los sonidos. Pero hay más elementos, más imágenes. Los muchos lugares imaginados.  Los muchos personajes vividos y transmitidos, que han estado allí presentes, sobre el escenario del teatro Arriaga, junto a los espectadores.

-También ha estado presente el juego. La complicidad. La burla compartida. La ironía. La picardía. La perfección en las rimas peligrosas y difíciles. La sincronización con la música en directo

Es el fruto de un muy inteligente y concienzudo trabajo de todo un equipo, rico en cada individualidad, y multiplicado en su conjunto.

-Comenzaré por José Luis Esteban. Como autor, intérprete y codirector. Ya he dicho que me ha hipnotizado su texto. No sé cuál es la siguiente fase a la hipnosis. Cada una de las palabras elegidas. La manera de unirlas. El ritmo. La poesía. En verso y en prosa. El amplio y sugestivo léxico. La adecuación con cada personaje. La eficacia para transmitir las emociones deseadas.

-En la interpretación, ha hecho una demostración de que posee y desarrolla ilimitadas capacidades interpretativas. Cada gesto transmite mucho más de lo que se percibe. Las expresiones. Los tonos. Las pausas. Los giros. Logra multiplicar la eficacia de cualquier detalle.

-La capacidad de Naiel Ibarrola para vivir y comunicar sentimientos a través de su música es ilimitada y contagia. La improvisación y la oportunidad. La sincronización, el contagio y la provocación con cada frase. El añadido y la suma. Muestra su virtuosismo, su emoción vivida y su variedad artística.

-En el programa de mano, se reconoce la labor de José Ibarrola en el espacio escénico y en el vestuario. Pero se especifica un matiz interesante. Se alude al concepto, a la idea, a la sugerencia, con mucho acierto. También el diseño y la concepción de las luces. Y su colocación y su significado.  Donde también ha estado presente David Alcorta.

-En definitiva, unas excepcionales ‘Sobras completas’, que han comenzado por la ‘Odisea’. Pero que, afortunadamente, tendrán muchas continuaciones.

DAVID BARBERO

-Ya he indicado, en el título, que esta tarde me he equivocado. Ha sido al elegir la obra de teatro. A mí, me apetecía ver ‘Julio César’ por la compañía portuguesa Chapitó, dentro del festival internacional de teatro de Santurtzi. Además, siempre he presumido de ser un fiel seguidor de esta compañía. Creo que he visto todas las obras que ha presentado aquí hasta ahora.

-Sin embargo, hoy he ido al teatro Arriaga de Bilbao a ver la representación de ‘Mefisto for ever’. Me habían dado tan buenas referencias sobre las intenciones de esta obra, que me han hecho cambiar de opinión. Me habían alabado tanto su contenido, la defensa del compromiso artístico  y la libertad, como la forma teatral de presentarlo.

-Os doy los datos: ‘Mefisto for ever’ es la adaptación teatral libre, realizada por el belga Tom Lanoye, de la novela titulada ‘Mefisto’ de Klaus Mann. La traducción al castellano ha sido hecha por Julio Grande. La dirección escénica ha sido realizada por Álvaro Lavin. Hasta tres empresas han participado en la producción: Meridional, Vaivén, y Gatoverde.

-Os la sitúo también en los hechos que se presentan.La acción se sitúa en los años 30 del siglo pasado. Los años de Hitler y el nazismo. Cuando la extrema derecha llega al poder. Los miembros de una compañía de teatro se reúnen para decidir qué actitud deben tomar ante esa circunstancia.  Algunos no quieren continuar ni tener el riesgo de verse obligados a colaborar. Otros deciden quedarse y ‘trabajar’ desde dentro en lo que se pueda llegar a hacer,

-Entre los que se quedan, está actor y director Kurt Kopler. Se plantea, o eso dice, experimentar las posibilidades de la nueva situación. Adaptarse, aprovechar las posibilidades que aparezcan.  Cree ingenuamente, o quizá no tanto, que va a poder mantener su actividad y su libertad. Incluso pretende atacar  al régimen desde dentro. Pero el nuevo sistema le va haciendo ver que esas posibilidades son nulas y termina siendo engullido por el poder y la dictadura.

-He dicho que me he equivocado porque el contenido estaba más cerca de ser complicado, solemne, discursivo, pomposo y demasiado teórico. Al desarrollo expositivo y teatral, se le podrían aplicar calificativos simulares. Aceptando que toda valoración es siempre subjetiva. Salvaría, eso sí, la labor interpretativa de Sonia Almarcha, en el papel protagonista de  Kurt Köpler.

-Como la equivocación ha sido culpa exclusiva mía, sólo me queda lamentar no haber disfrutado del arte, divertido y meritorio, de convertir las tragedias clásicas en intencionadas comedias actuales, por la habilidad de los miembros de la compañía portuguesa Chapitó. Mea culpa.