David Barbero

-Os voy a contar la historia de una decepción, no sé si teórica o metafórica.

-Esta tarde-noche he acudido al Teatro Social de Basauri para ver la obra ’El beso’, escrita por el autor holandés Ger Thijs, veterano y con experiencia. Traducida por Ronald Brouwer, dirigida por María Ruiz e interpretada por Isabel Ordaz y Santiago Molero. Ah! No se debe olvidar la labor de otros destacados profesionales.

-Quiero aprovechar este párrafo intermedio para insistir en que el trabajo de todas ellas y ellos me ha parecido muy meritorio. Y aseguro que lo que diga a continuación, en mi historia, no contradice esta afirmación.

-Tenía yo gran ilusión por ver este espectáculo, ya que había leído, en su momento, criticas laudatorias que insistían en la naturalidad y la verosimilitud general, la cercanía  de los interpretes, la puesta en escena y todo el resto de elementos. Se aseguraba, en ellas, que no había ningún artificio ni escénico, ni teatral, ni técnico. Se afirmaba que era como chocar directamente con la vida misma, encontrar personas reales, no personajes de artificio, situaciones cotidianas, no escenas de ficción.

-Así que he acudido al Teatro Social de Basauri convencido de que iba a

encontrarme con otra manera de representación escénica diferente a la que creo que impera, salvo honrosas excepciones.

-No iba a ser una obra en la que notas precipitación, deseo de éxito, prisa, casi urgencia. Ni hecha siguiendo las cinco o siete normas que marcan el estilo actual de triunfar o hacerse un hueco o conseguir una subvención o batir el récord de representaciones. Sería algo sentido, sincero, vivo, real. Una visión, una meditación, un pensamiento largo, una mirada al horizonte. Una vivencia. Una nostalgia, quizá más hacia adelante que hacia atrás.

-Había imaginado que, sobre el escenario, para plasmar toda esta atmósfera, iba a predominar directamente la vida, en toda su pureza, con las emociones a flor de piel, junto a un humor entrañable y sentido, de media sonrisa, a veces irónico, con mucha poesía, aunque nada edulcorada.

-Creo que no he logrado expresar con exactitud lo que me había imaginado o soñado, mientras caminaba a pie hasta Santurtzi y su teatro. No he conseguido plasmarlo por mi reconocida torpeza.

-Termino aquí la historia metafórica iniciada arriba: Y, tras sentarme ilusionado en mi localidad, me he encontrado con lo teatral.

David Barbero

-La tertulia espontánea que hemos mantenido esta noche a la salida del teatro Arriaga de Bilbao ha versado, entre otras cosas, sobre por qué se adaptan al teatro determinadas novelas, películas o comics.

-Ese tema ha surgido porque acabábamos de ver la adaptación teatral de la película, ya clásica, ‘Ser o no ser’ de Ernst Lubitsch. La versión está firmada por Bernardo Sánchez. Mientras que la dirección y la interpretación protagonista corresponden a Juan Echanove.

-En esos debates abiertos, nunca llegamos a la unanimidad de opiniones. En este caso, la minoría mayoritaria pensaba que el motivo debía ser incidir, por alusiones, en los problemas de la sociedad de estos momentos a través posicionamientos similares hechos en el pasado.

-Lubitsch estrenó esta película en 1942, en los momentos álgidos del nazismo y de la segunda guerra mundial. La intención, la absoluta actualidad y la valentía era, entonces, la denuncia y la lucha contra esa gravísima agresión a los derechos humanos.

-Además, demostró una gran inteligencia y sabiduría artística para desarrollar esa denuncia no a través de un discurso pomposo y solemne, sino con una comedia divertida a la vez que sutil y crítica.

-Ahora, Juan Echanove, como promotor del espectáculo que se representa estos días en el Teatro Arriaga, retoma aquella historia para llamar la atención, de modo simbólico, sobre la actualidad de hoy mismo. La intención, o una de las intenciones, es provocar la reflexión sobre los paralelismos que pueden existir.

-He aludido a otras intenciones, porque creo saber que Echanove deseaba hacer una comedia, después de tantos papeles serios como le han encargado en su carrera. En este montaje, evidencia un gran trabajo interpretativo también en ese género. En cuanto a su dirección escénica, hay que reconocer asimismo su éxito al superar las muchas dificultades para poner sobre el escenario esta muy difícil película.

-Junto a los reconocimientos hacia Echanove como director e intérprete, cabe señalar los méritos del resto del elenco: Lucía Quintana, Ángel Burgos, Gabriel Garbisu, que también es el ayudante de dirección, David Pinilla, Eugenio Villota y Nicolás Illoro. Merece ser destacada la muy eficaz labor de la bilbaína Ana Garay, en el diseño de la escena y el vestuario.

-Señalado todo esto, como es de justicia y de actualidad, deseo volver a la tertulia nocturna aludida arriba. Antes de despedirnos, ha habido una participante que ha lanzado estas preguntas: ¿Por qué estas denuncias o reflexiones sobre los problemas actuales se hacen de modo referencial o simbólico, utilizando obras instaladas en el pasado? ¿Por qué no se realiza, en el teatro actual, un tratamiento directo e inmediato llamando a las cosas por su nombre? ¿No es esa la misión del teatro?

-Ahí han quedado, en el aire, esas preguntas, por si alguien tiene una respuesta.

David Barbero

-Al terminar, esta noche, el ‘espectáculo’ titulado ‘Crol-Mol’ en la piscina elevada del Azkuna Zentroa de Bilbao, varios de los asistentes hemos estado deliberando sobre cómo podríamos definirlo y en qué género escénico colocarlo.

-La calificación en que más hemos coincidido ha sido la de performance, por considerar que es un género abierto, donde cabe una gran variedad de propuestas artísticas. Pero ha habido discrepancias. Algunas asistentes insistían en que había que poner el énfasis, exclusivamente, en la circunstancia de que se realiza dentro del agua. La mayoría lo hemos calificado como una manifestación más de que se están rompiendo los límites y se buscan novedades.

-La muestra artística se ha desarrollado en una de las curiosas piscinas del Azkuna Zentroa de Bilbao, aunque no en la que tiene el suelo de cristal. Los asistentes, el teórico púbico, hemos estado situados alrededor, de pie o sentados en el suelo.

-La protagonista, Laia Estruch, ha nadado, ha provocado movimientos con el agua y ha interactuado con objetos hinchables. A la vez, ha realizado ejercicios de voz acompañada de una banda sonora.

-Los ejercicios de la voz y el movimiento del agua han sido los elementos destacables, quizá en un intento teórico de encontrar una simbiosis entre la danza y la escultura, con el sonido.

-Este ‘Crol-Moll’ ha sido ofrecido, con mucha prontitud, como novedad en el Azkuna Zentroa de Bilbao, ya que es su segunda representación, evidenciando el deseo de estar atento a las experiencias innovadoras.

-Es posible que la muestra tenga mayor interés por haber realizado el intento en un medio novedoso como es el acuático -Así se puede abrir un nuevo camino para las performances escénicas- que por la entidad artística del espectáculo mostrado.

David Barbero

-Hace mucho tiempo que no recibía una sensación tan fuerte, un impacto tan rotundo, en una obra de teatro como lo he sentido esta tarde al ver ‘Rey Lear’ del grupo Atalaya en el Centro Mixukebarri de Getxo.

-Ha sido como un imán para mi atención total desde el primer momento. Y ha durado hasta el final de la representación. Sin permitir ninguna distracción. Con todos los sentidos en tensión. El atractivo me ha llevado de escena en escena, sin solución de continuidad, de imagen en imagen, de parlamento en parlamento. Como hipnotizado, pero enteramente consciente.

-Reconozco que iba predispuesto. Pero no esperaba una impresión tan potente. Tenía un especial interés y una enorme curiosidad por ver, apreciar, disfrutar y admirar la puesta en escena de ‘Rey lear’ de Wiliam Shakespeare, por la compañía Atalaya, dirigido por Ricardo Iniesta, protagonizado por Carmen Gallardo, acompañada del amplio elenco de gran calidad de este grupo estable y muy cohesionado.

-Con esta puesta en escena, la compañía andaluza  está celebrando sus cuatro décadas de actividad de una manera muy destacada y demostrando la perfección alcanzada durante ese tiempo, el prestigio conseguido y los numerosos reconocimientos alcanzados.

Es preciso señalar la decisiva importancia del meticuloso, meritorio trabajo y la decisiva influencia del director Ricardo Iniesta en lo referido a esta puesta en escena y en la muy destacable trayectoria de la compañía Atalaya. En sus montajes, siempre ha destacado el rigor, la fuerza y la permanente innovación. Buscando la esencia, el impacto, con una exacta escala de valores tanto en la estética como en el contenido, en la que no cabe minusvalorar ningún detalle ni aspecto, por mínimo que parezca.

-Otra artista a destacar en este trabajo es la actriz andaluza Carmen Gallardo. Lo confirma la impecable interpretación de este complicado y poliédrico personaje del rey Lear. Con tantos sentimientos encontrados y tantos matices a tener en cuenta. Desde la fuerza y la autoridad sin limites, hasta la soledad y la debilidad casi absoluta, pasando por la locura y otros muchos sentimientos.

-Junto a ella, es preciso individualizar a cada uno y cada una de quienes integran este grupo, por su calidad, exactitud, polivalencia y versatilidad en la variedad  de papeles y trabajos que realizan. ¡Y a qué ritmo! ¡Y con qué precisión!

-Para que la descripción sea completa es necesario hacer alusión también a todos los demás profesionales que han intervenido en el espacio escénico, el vestuario, la música, la iluminación, las coreografías y el resto de aspectos artísticos y técnicos.

–Quisiera apuntar, o quizá repetir, una reflexión, aunque no pueda, por espacio, hacer alusión a otras obligatorias. Esta puesta en escena debe calificarse, creo, de respetuosa, con rigor, en ese sentido habría que atribuirle todas alabanzas de las puestas en escena clásicas. Pero a la vez, esa una de las versiones y montajes del ‘Rey Lear’ más innovadores, valientes, novedosos, con ritmo actual, con las más nuevas técnicas y una conexión absoluta con el mundo de hoy mismo en todos los aspectos.

-Debo recordar lo dicho al principio. Hacía mucho tiempo, insisto en lo de mucho, que no recibía un impacto teatral tan fuerte. Y todavía sigo conmocionado.

David Barbero

-Hoy he descubierto, en la sala La Fundición de Bilbao, lo que puede ser un nuevo género teatral. Os cuento cómo ha sido.

-Confesaré que tenía otros planes escénicos para esta tarde de sábado. Incluso había realizado gestiones para llevarlos a cabo. Pero cambié de un modo precipitado.

-Acostumbro a documentarme sobre las obras teatrales que se presentan en los alrededores de Bilbao, con el fin de estar informado en la medida de lo posible. Aunque no pueda acudir a todas las representaciones que me gustaría.

-Con los planes ya definidos, comencé a documentarme sobre el escritor canario Roberto García de Mesa, autor de la pieza que se iba a representar en la sala La Fundición para compensar la imposibilidad de verla.

-Conocía poco sobre García de Mesa. Pero al ampliar la documentación, encontré tal cantidad de referencias, enumeraciones, listas de sus títulos, obras piezas y otras actividades, que quedé abrumado. Multitud de publicaciones, escritos, ensayos, representaciones, análisis sobre poesía, también referencias teatrales, narraciones de distintas dimensiones, plástica, música, ensayos, conversaciones, cine… Muchos libros publicados. Y otras disciplinas imposibles de enumerar aquí.

-Decidí centrar la documentación en la propuesta a representar hoy y mañana en la sala La Fundición de Bilbao. Resulta que hay tres piezas en una. El autor, García de Mesa asegura que están integradas en un proyecto de poesía escénica. Y que con él trata de desarrollar dos conceptos esenciales para definir la sociedad de ahora mismo: la perturbación y el desconcierto.

-El título del proyecto general es ‘Naturaleza sobre fondo blanco’. Es también el título de la primera de las piezas. Su contenido es una conversación, llamémoslo así, entre dos periodistas sobre un atentado terrorista cometido por radicales islamistas en una plaza pública.

-La segunda pieza lleva el título de ‘Segismundo siempre golpea primero’. De esa manera, ya se adelanta que se trata de una versión libre de ‘La vida es sueño’ de Calderón de la Barca.

-El tercer título es ‘Variaciones de la razón’. Su desarrollo incluye otras ‘conversaciones’ o diálogos, esta vez con muchas más voces participantes. Y también con más temas trascendentales: Poesía, revolución, tiempo, espacio, deseos, racionalidad, misticismo…

-Visto el espectáculo, y también participado en el coloquio posterior, que se suele organizar en La Fundición, debo asegurar que no me arrepiento de haber cambiado mis planes. Me ha interesado la propuesta de García de Mesa. Sobre todo en eso que se podría denominar, procurando no pasarse de solemnidad, otro género teatral. El poema escénico.

-No es lo que se suele llamar teatro poético. Se podría definir mejor como poesía puesta en escena o representada. Por ejemplo, eso que llama conversaciones tiene poco de diálogo teatral. Está más cerca de poemas recitados entre varios actores, con una escenificación trabajada y ensayada.

-Siendo completamente sincero, diré que me han interesado más las posibilidades a desarrollar en ese ‘nuevo género teatral’, que la materialización concreta de esta tarde-noche en la sala en la sala La Fundición. Pero no creo que se deba minusvalorar ese mérito.

-Así que deseo rendir mi reconocimiento a Roberto García de Mesa, a los intérpretes Ylenia Quintero, Joel Hernández y Santi López, además de los otros participantes en la realización de este espectáculo.