DAVID BARBERO

–Quisiera ser lo suficientemente elocuente y preciso en mis palabras para trasmitiros la idea de que la obra ‘Pandataria’, que he visto esta tarde en el centro Muxikebarri de Getxo, es una pieza digna de ser vista y reflexionada con absoluta atención y curiosidad.

-A ver si logro exponéroslo de modo adecuado. Comenzamos por el nombre. Pandataria era el nombre de una isla en el antiguo imperio romano. Ahora lleva el nombre de Ventotene. Es peqUeña y de origen volcánico. Está en el mar Tirreno. Desértica y sin comunicacones con el exterior. Estaba destinada por las llamadas autoridades de entonces para confinar allí a los disidentes, a los que opinaban o vivían por libre, sin respetar las normas impuestas desde arriba. Sobre todo a las mujeres disidentes.

-Mas o menos en la Edad Media, cambió de nombre. Pero no de destino. Ha seguido siendo utilizada por las autoridades, durante siglos, para expulsar de la llamada civilización a las personas díscolas o rebeldes. También, en su mayoría, mujeres. Está constatado, por ejemplo, que el dictador fascista Mussolini, la siguió utilizando con esa misma misión.

-Éste es el trasfondo, la situación y el motivo de la denuncia que plantea y generaliza, en el tiempo, en el espacio y en todas las dimensiones, la obra presentada esta tarde en Getxo, que fue estrenada recientemente en el festival de teatro clásico de Mérida.

-Los responsables principales de este proyecto son Laila Ripoll, como escritora; Chevi Muraday, como director, coreografo y bailarin; y dentro del elenco, se puede destacar a la actriz Cayetana Guillén Cuervo, que encarna a varias de las mujeres ‘lanzadas’ allí a lo largo de la historia, como pueden ser Julia y Agripina, en la antigüedad, o Ursula Hirschmann, una activista alemana, en los tiempos de Mussolini.

-He citado esos nombres para dar una idea del carácter variado de esta pieza. Hay que insistir en que el proyecto es polifacético, amplio y pluriforme tanto en los géneros y los contenidos como en artistas participantes. Quizá una descripción adecuada sea decir que es un espectáculo híbrido. Complejo. Múltiple. Existen elementos de teatro de texto estrictamente. Otras aportaciones son de danza. O si se quiere ballet. Por supuesto, existe música de distintos géneros, estilos y formas. El rap es importante en ese desarrollo. Ahí está Elio Toffano. Otros participantes de ramas diferentes son La Merce o Chus Western.

-La acción está montada con un criterio de multiestímulos, con mezcla y fusión de teatro, danza y música, que llegan simultáneamente desde distintos puntos y con perspectivas diversas. Eso quiere decir que se exige una atención no solo permanente sino múltiple. Es preciso fijarse en varias cosas a la vez.

-En cuanto al contenido, ya se ha aludido a que es una obra de denuncia de la discriminación. Una crítica al poder, a los métodos que utilizan los poderosos y los gobernantes con las personas que desean vivir de modo libre. Lanza una protesta frente al despotismo, la intolerancia, la prepotencia y la injusticia. No sólo las antiguas, ni sólo las actuales. Todas. Además, deja ver las similitudes, la permanencia de las opresiones, los rasgos idénticos de los diferentes opresores, y las características existentes de modo reiterativo en los oprimidos en los y las masacradas.

-Resulta como una distopía en múltiples direcciones para terminar en una proclama con el deseo de contagiar a todos de la necesidad de unirse para que esa situación de opresión y oprobio desaparezca.

-Espero que, con estas reflexiones, haya estimulado vuestra curiosidad con el fin de mantener la atención despierta para no dejar pasar las oportunidades que se presenten para poder ver, disfrutar y reflexionar sobre esta muy atractiva e interesante obra titulada ‘Pandataria’.

-No quiere terminar, sin realizar una referencia más al coreógrafo y bailarín Chevi Muraday. Fundador y director de la compañía ‘Los Dedae danza’. Con una formación destacada en danza contemporánea. Con profesoras tan ilustres como Martha Grahan. Reconocido con premios de prestigio. En los últimos años, ha creado y dirigido piezas muy destacadas con actrices reconocidas: ‘Return’ con Marta Etura. ‘Juana’ con Aitana Sánchez Gijón, ‘El perdón’ con Juana Acosta. Y ahora ‘Padataria’ con Cayetana Guilén Cuervo.

DAVID BARBERO

-He asistido hoy, en el teatro Arriaga de Bilbao, a un acontecimiento destacado dentro del mundo de la danza. Ha sido el estreno de la pieza ‘Lost letters’ por Lucia Lacarra y Mattew Golding. Creo que ha tenido especial relevancia por varios motivos y ha mostrado hallazgos en el campo artístico y en la comunicación de emociones.

-Como consideración general, es preciso afirmar que se trata de un espectáculo innovador, desarrollado con criterios poco frecuentes en danza, que mantiene al espectador atento, como hipnotizado de principio a fin. Provoca sentimientos sucesivos y dibuja una historia real a la vez que recurrente en muchos momentos y en muchos lugares.

-Esta historia se refleja en el título de ‘Cartas perdidas’ con ocasión de un conflicto bélico, como tantos que ha sido y siguen siendo. Esa rememoranza se traduce una denuncia y hasta protesta po los enfrentamientos armados que organizan los ambiciosos del poder y sufren las personas oprimidas.

-En el plano artístico, existe también un elevado porcentaje de innovación y gran calidad. Se concreta en la fusión, dentro de la danza, de variadas manifestaciones artísticas. No es menor la importancia  plástica que aportan las imágenes grabadas y editadas como película. Su aportación resulta complementaria tanto en la estética como en el contenido. Su presencia proyectada sobre el escenario y sincronizada con los movimientos y expresiones de las y los intérpretes aumenta las emociones, completa el significado y sitúa la acción. El conjunto, completado, además por los colores, la plasticidad, el dinamismo y la adecuada utilización de las técnicas visuales, produce una sensación de inmersión y de participación activa.

-También tiene notable incidencia la selección de la música y el desarrollo sonoro. Habría  que hablar en plural: músicas a la vez contrapuestas y complementarias. También como elemento de fusión. Como creadoras o provocadoras de emociones en la identificación de la historia propuesta. Es significativa elección de las piezas de Serguei Rachmaninov y de Max Richter.

-No es menor la aportación de la nueva compañía creada alrededor  de Lucía Lacarra y presentada por primera vez en este espectáculo. Las cuatro bailarinas y los cuatro bailarines, cuidadosamente elegidos. Como una línea de continuidad artística en un estilo ya marcado y como una iniciativa orientada a remover la poco dinámica situación de la danza en estos momentos.

-Estas ‘Lost letters’ constituyen una evidente manifestación de la extraordinaria calidad y perfección, así como su madurez, alcanzadas por el dúo artístico y creador que forman Lucía Lacarra, en todas sus facetas, y Matthew Golding, sobre todo como coreógrafo y director.

-Asimismo es digno de destacar la iniciativa de la producción, en este casi olvidado mundo de la danza, a la que se han unido el teatro Arriaga, la donostiarra Kursaal Eszena, además del festival  internacional de Granada y el apoyo de los teatros del Canal de Madrid.

-Una referencia significativa es preciso hacer a la extraordinaria acogida del público, tan necesario en este intento de resurgir de la danza. Tanto por la amplia asistencia de esta tarde en el estreno del teatro Arriaga, como por su entusiasta acogida de la pieza presentada y los aplausos de reconocimiento. En pocas ocasiones, el reconocimiento final ha sido tan prolongado, amplio y entusiasta.

-Lo dicho más arriba. El estreno esta tarde noche de ‘Lost letters’, en el teatro Arriaga de Bilbao, ha constituido un acontecimiento.

-Os voy a presentar a la muy reconocida payasa Pepa Plana. Yo había oído hablar de ella. Pero hasta hoy no había visto ningún espectáculo suyo.  Ha tenido lugar esta tarde dentro del festival de teatro de Getxo, que ahora lleva el nombre de ‘Getxo Scena’. Pepa Plana ha presentado su último espectáculo titulado ‘Si tú te vas’. Doy este dato como muestra de mis deficiencias.

-La actriz y sobre todo payasa Pepa Plana es una referencia en su profesión tanto en Cataluña, como en España y en Europa.  Ha conseguido premios muy destacados. Entre los últimos, se incluye el Premio nacional de Circo otorgado el año pasado por el Ministerio de cultura del Gobierno español. Antes, ya en Cataluña, le habían concedido el premio nacional de cultura. Además de estos reconocimientos oficiales, hay otros de carácter más profesional y seguramente con una carga de emotividad mayor.

-Más arriba he identificado a Pepa Plana como actriz y payasa, poniendo énfasis más en lo segundo que en lo primero. Y también en la ‘a’ femenina del final. Ha tendido siempre a gala, y con especial esfuerzo, destacar la a de la mujer en ese oficio concreto de clown.

-Pepa estudió en el Instituto de teatro de Barcelona y obtuvo su correspondiente licenciatura. Nada más terminar, creó una compañía para representar sus primeras producciones en calidad de actriz. Pero llegó un momento en el que decidió dedicarse enteramente a la actividad de payasa.

-Con su propia compañía, ha producido, dirigido e interpretado más de una docena de espectáculos en este género. De esta manera, se ha convertido en referencia en los niveles territoriales ya señalados. También ha intervenido en otras compañías destacadas , como el Circo del Sol.

-Durante toda su trayectoria y en todas sus obras, ha desarrollado una  defensa de la solidaridad, la defensa de las oprimidos  y se ha mostrado  favorecedora de los derechos humanos más vulnerados.

-La obra que ahora está moviendo y que es la que ha traído a Getxo, ‘Si tú te vas’, se desarrolla también en esa linea. Tiene referencias más directas a los refugiadas y refugiados. Hace una denuncia de la guerra eterna. Se enfrenta a las injusticias y tragedias que crean los conflictos bélicos. Es posible, sin embargo, que a nivel técnico, se puede pensar que el planteamiento teatral y discursivo no coincide con el ritmo actual o las técnicas más avanzadas.

-Es de destacar su planteamiento clásico dentro del mundo de los payasos, pero en femenino, Llega  ahora, acompañada dentro de su compañía,  de dos compañeras y colegas. Ella, Pepa Plana, hace de payasa augusta. Nan Valentí, es la payasa blanca. Y Lola González encarna a la payasa contra augusta. Las tres se complementan para denunciar esta lacra, bélica e injusta, de nuestro mundo actual.

DAVID BARBERO

-Guiándome de mi experiencia subjetiva, creo que la risa y la reflexión no suelen estar presentes a la vez en el teatro. He insistido en la subjetividad, para no contradecir a nadie que piense lo contrario. Y siguiendo esa percepción, he acudido esta tarde al Teatro Arriaga de de Bilbao, con gran curiosidad ante la noticia de que eso podía suceder.

-No ha sido éste el único motivo para acudir. La obra que iba a ver lleva el título de ‘Uz, el pueblo’. Su autor es el uruguayo Gabriel Calderón. La última obra que vi de él, ‘Historia de un jabalí o algo de Ricardo’, todavía se mantiene en mi recuerdo para bien.

-Reconozco que me ha fastidiado enterarse de que la  actriz Nuria Mencía, que ha estado protagonizándola en Madrid, no se ha podido desplazar hasta Bilbao. Pero apunto ese dato para utilizarlo después.

-Otro atractivo previo, y muy favorable, era haber leído que los motivos de la risa y de la reflexión iban a versar sobre las creencias, las religiones y las supersticiones. Me parece un tema muy digno de esos menesteres.

-Una vez vista la obra y siendo absolutamente sincero, debo decir que mantengo mi afirmación expuesta arriba de que la risa y la reflexión no suelen ir unidas. Reitero que lo digo subjetivamente, pero con firmeza. A pesar de mis ilusiones y esperanzas previas, no he sabido ver unidas el humor y la reflexión. En realidad, en esta ocasión, no he logrado ver ni lo uno ni la otra,

-Insisto en atribuir esa negatividad a mi falta de capacidad.  Yo no he logrado ‘entrar’ ni en el humor ni en el pensamiento crítico. Pero reconozco que, a mi alrededor, sí que he notado que otros espectadores sí que se reían. Así que la culpa ha sido mía.

-Lo que deseo aclarar es que no se me ocurriría echar ninguna culpa a los intérpretes. Todo lo contrario. Creo que son merecedores de un sincero elogio por su trabajo en los papeles que se les ha atribuido. Ah! Antes he mencionado a la actriz Nuria Mencía y he indicado que ha estado interpretando con anterioridad a la protagonista, en unión del admirado pepe Viyuela. Deseaba indicar que, durante la representación de hoy, me he preguntado si entonces tendría otro tono.

-Así que he salido de la función pensando en que todo es relativo y que cada uno reacciona a su manera. También en el teatro.

DAVID BARBERO

–Esta tarde he acudido a la sala la Fundición de Bilbao para realizar un experimento con la obra ‘Eclipse total’ de la compañía Pont flotant .

-Hace una semana, acudí al Teatro Barakaldo para ver esta misma obra. En este mismo espacio de comentarios, ya expuse mi excelente impresión y mi valoración muy positiva.

-Incidí en que esa buena impresión había sido ratificada por un buen número de premios y reconocimientos recibidos. Han sido calificados como la mejor autoría teatral y el mejor espectáculo de teatro. Han recibidos premios del público, que valen más. También lo han calificado de la mejor contribución teatral, y han alabado hasta su trabajo de iluminación.

-También destaqué que esos elogios debían ser repartidos entre todos los miembros de la compañía, dado su método integrador y colectivo de trabajar. La dramaturgia y la dirección la firman los cuatro: Alex Cantó, Jesús Muñoz, Joan Collado y Pau Pons. Dos dos primeros son los intérpretes en esta ocasión, y el tercero es también el responsable de la escenografía.

-Asimismo aseguraba que es una pieza elaborada con cuidado, despacio, meticulosamente. Decía que habla, entre otras cosas, sobre el paso del tiempo, sobre la muerte. Lo hacen con profundidad, en serio, con emoción. Pero también con humor. Este aspecto lo envuelve todo. También se refieren a la vida. A la identidad. Las raíces. La familia. La sociedad. La grande y la cercana, la intima.

-Me detenía en indicar que el tono expositivo es coloquial. Ameno, gracioso. Sin pretensiones. Pero a la vez posee profundidad, grandeza, rigor. El diálogo y los silencios. Sobre todo, es muy original. Quizá esta cualidad de la originalidad sea lo que más destaca. Y destacaba la originalidad y la calidad de la interpretación.

-El experimento que he realizado hoy es el siguiente: La semana pasada vi este ‘Eclipe total’, como he dicho, en el teatro Barakaldo. Un local con  una disposición escénica que se conoce como escenario a la italiana. Tiene su amplio patio de butacas. Separado del escenario. Respetando las distancias y los usos normalizados.

-En cambio, la sala la Fundición no sigue esos requisitos rituales. No tiene escenario elevado. Está a ras del suelo. Más abajo que los espectadores. No mantiene las distancias. Las acorta. Éste es un punto importante. Diferenciador. La cercanía. Los intérpretes están muy cerca de los espectadores. Éstos pueden oír su respiración. Notar el progreso de su sudor. Son  conscientes de todos los detalles por mínimos que sean.

-Por esa razón, he acudido esta tarde. Para ver el ‘Eclipse total’ desde más cerca. Casi metido en el proceso de interpretación. Viendo y sintiendo la acción y las emociones con más intensidad. Diré más. Me he colocado pronto en la fila de entrada. Así que me he situado en la primera fila de sillas, para estar todavía más cerca,

-¡Y puedo asegurar  que me ha funcionado exactamente de esa manera! Una percepción mucho más directa de los detalles, los gestos, las expresiones, los movimientos y los silencios. Algunas escenas, incluso, me han parecido distintas. Más intensas, más expresivas, con más sentido.

-Pongo un ejemplo: Una de las escenas de la segunda parte, cuando uno de los protagonistas regresa después de haber muerto y conoce a sus descendientes. Por supuesto que me acordaba de ella. Pero tuve que estar distraído en el primer visionado. Hoy, desde cerca, me ha emocionado mucho más y la he comprendido mejor.

-Debo confesar que mientras llegaba a la Fundición, esta tarde, me han entrado miedos por una razón. Las dimensiones del escenario son más reducidas. Este espectáculo, en sus representaciones normales, exige un espacio amplio y tiene una mesa espaciosa. Además, utiliza una plataforma giratoria que va moviendo la escena para que se pueda ver desde distintas perspectivas. Temía que no hubiera cabido. ¡Pero estaba allí! Justa. Pero estaba. Y giraba.

-Otro temor. El efecto final del eclipse también exige su perspectiva. He tenido otra inquietud por si no se podía conseguir a causa de las dimensiones. ¡Pero ha tenido lugar a la perfección!  Y visto de cerca, un eclipse total impresiona mucho más.

-Así que he salido de La Fundición absolutamente gratificado. Muchas gracias.