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David Barbero

-A mi juicio, la mayor sorpresa positiva de los premios Max de este año ha sido ‘Ferretería Esteban’. Lo del triunfo de Alfredo Sanzol y su obra ‘El bar que se tragó a todos los españoles’, en el Centro Dramático Nacional, estaba cantado. Además, no hay comparación posible entre la emergente compañía zaragozana y la entidad pública de mayor rango y presupuesto.
-Así que esta tarde he acudido con notable entusiasmo al Teatro Arriaga para ver, otra vez, esta original, sorprendente y muy divertida obra. Y en el mismo escenario donde, unos días antes, había sido galardonada con dos premios Max de los importantes.
-Voy a puntualizar los datos. El título completo de la `pieza’ es ‘Con lo bien que estábamos. Ferretería Esteban’. Una producción de la compañía aragonesa Nueve de nueve. El autor y director es José Troncoso. El compositor y director musical, Mariano Marín. Los intérpretes, fundadores de la compañía, son Carmen Barrantes y Jorge Usón.
-No es una obra fácil de definir. Esta compañía no suele acomodarse dentro de los géneros al uso. Hace gala de bastante ingenio y originalidad. En esta ocasión, quizá la aproximación más cercana podría ser la de una especie de esperpento musical. Habría que destacar también la técnica artesanal y cuidada de su trabajo. Nada estándar. Muy poco habitual. El humor, con una comicidad muy peculiar, no sólo está presente, sino que lo invade todo. Hay una buena dosis de ironía. Y una intencionada crítica social soterrada.
-Ese carácter esperpéntico, la exageración, la ironía, la comicidad tienen además la virtud, en esta ocasión, de definir la vida personal y los comportamientos sociales con gran precisión y claridad. Lo que también sirve como denuncia eficaz.
-No es desvelar nada del desarrollo de la pieza decir que el título es muy expresivo de su contenido. Lo de Ferretería Esteban muestra el arranque. El citado Esteban y su esposa Marigel eran felices, a su manera, administrando su ferretería. Pero asistir un día al teatro les llena, sobre a él, la cabeza y el cuerpo de música, sueños e ilusiones. Pero al poco tiempo, llega la segunda parte del titulo ‘¡Con lo bien que estábamos!’, donde se ven, muy divertidamente, las consecuencias de esa locura artística y vital.
-En este proyecto de la compañía ‘nueve de nueve’, cuenta mucho la muy especial visión del teatro, además de su habilidad y pericia, del autor y director José Troncoso. Y no sólo en esta obra. Ya lo había demostrado en piezas anteriores. Especialmente en ‘Cabaré de caricia y puntapié’. Con su curioso sentido de entender la comicidad, con su original planeamiento de los argumentos y con la especial relación entre los actores y el público.
-Ya he indicado que es éste un musical con muchas características diferentes a lo que habitualmente se hace. Como si fuera un subgénero distinto. En eso, tiene gran parte del mérito el veterano, y siempre joven innovador, Mariano Marín.
-Mención especial se merecen los intérpretes Carmen Barrantes y Jorge Usón. O al revés. Existe tal complicidad entre ellos que no se sabe quién toma la iniciativa en el gesto y quién remata la acción con la apostilla. La manera de enganchar y mantener la atención del público, con satisfacción, es absoluta y completa.
-Les pronostico que, si se deciden a visitar la ferretería Esteban, saldrán, con una gran sonrisa, asegurando: ‘¡Qué bien hemos estado!’

David Barbero

-Una reflexión previa. Cuando te recomiendan una obra con gran entusiasmo y te la alaban mucho y te cuentan maravillas de ella, puede existir el peligro de que termine decepcionándote por no responder a las expectativas creadas.
-Pero si vas a ver esa obra, fiado de las alabanzas que has escuchado o leído, y esa obra te aparece a ti tan fascinante o más a lo que te han dicho, entonces la satisfacción resulta enorme.
-Esta consideración viene a cuento de que esta tarde-noche he acudido al Teatro Barakaldo para presenciar la representación de ‘El hombre Almohada’ escrita con Martin Mcdonagh, dirigida y adaptada por David Serrano, e interpretada por Belén Cuesta, Ricardo Gómez, Juan Codina y Manuela Paso.
-En este caso, sería una notable injusticia no destacar la aportación de los llamados oficial teatrales técnicos. Ricardo Sánchez Cuerda se encarga de la escenografía y de las máscaras. Juan Gómez Cornejo es responsable de la iluminación. El vestuario lleva la firma de Yaiza Pinillos.
-Creo que ya ha quedado clara la extraordinaria impresión que he sacado de la obra. También la extraordinaria acogida que ha recibido esta obra en los lugares en que se ha representado desde que se entrenó en Londres hace ya unos cuantos años. Y el éxito de esta versión en Madrid durante meses de este año. Al adelantar la enumeración completa de los participantes en el proyecto, he querido manifestar mi opinión muy favorable en todos los aspectos.
-El texto es unánimemente considerado, a nivel internacional, como la obra más emblemática del polivalente Martin Mcdonagh. Además de dramaturgo, es guionista y director de cine. La pieza tiene una estructura compleja pero muy ingeniosamente ensamblada. Desarrolla una historia con tensión, fuerza, originalidad, misterio, intriga y gran capacidad de enganche. Los personajes están bien construidos, tienen varias capas, sorprenden e impactan.
-La adaptación y la dirección de David Serrano han sido ya merecedoras de grandes alabanzas y aplausos. Su adaptación de la obra y algunos cambios en la definición de los personajes favorecen la intensidad y el impacto de la acción. Demuestra su habilidad en la creación de las atmósferas. Cuida el ritmo de la acción, los giros y las sorpresas. Fomenta y dosifica las emociones. Combina con maestría los muy diversos elementos del espectáculo. Quizá se note una demasiado elevada duración.
-Los cuatro intérpretes desarrollan con capacidad y fuerza la muy notable profundidad y entidad de sus personajes. Lógicamente, la labor de los dos protagonistas, Belén Cuesta y Ricardo Gómez, requiere un mayor esfuerzo y también tiene una más amplia recompensa. Pero Juan Codina y Encarna Paso también muestran las complejas personalidades de sus roles.
-No voy a dar detalles del contenido de la obra. Seguramente no lograría reflejarlo con la necesaria precisión. Además, creo que sería un error descubrirlo. Pero si habéis dejado pasar esta oportunidad, creo que deberíais estar atentos y asegurar vuestra presencia en la próxima.

David Barbero

-Esta tarde, he acudido al Teatro Barakaldo, para presenciar, de nuevo, el primer espectáculo de danza dentro del XXII festival Dantzaldia, ‘Al desnudo’, y rendir mi personal homenaje a sus creadores e intérpretes.
-He puesto en singular lo del homenaje. Pero he querido realizar varios reconocimientos. Uno de ellos va dirigido al propio Teatro Barakaldo, que desde su arranque ha prestado una especial atención a este género de las artes escénicas. Otro a los gestores de la sala La fundición que son los creadores de este festival. Su dedicación, apoyo, atención y difusión multidireccional de la danza contemporánea han sido absoluta en estas últimas décadas.
-Mi reconocimiento artístico va, desde luego, para la pareja artística formada por Iratxe Ansa e Igor Bacovich, creadores de la compañía Metamorphosis dance y protagonistas de esta singular pieza titulada ‘Al desnudo’. Pero soy consciente de que este homenaje mío no significa nada, comparado con los numerosos y muy importantes premios que están recibiendo en todas las facetas de su actividad. Como coreógrafos, creadores, bailarines, pedagogos, comunicadores de emociones y trasmisores de una técnica perfectamente desarrollada.
-Junto a ellos, hay que citar y reconocer, por su participación en esta pieza, a Danilo Moroni, como creador visual. Y a los músicos compositores Philip Glass Y Johan Weslander.
-Pero debo confesar que, en realidad y de verdad, el motivo por el que he acudido esta tarde al teatro Barakaldo ha sido el de disfrutar, otra vez, del baile envolvente y cautivador de Iratxe e Igor. De su fusión del movimiento y la fluidez de las expresiones. De la simbiosis entre la sensibilidad y lo físico. La emoción y la maestría. La complicidad y el dominio de la técnica. La entrega total y la sutileza del detalle.
-Haciendo gala a su nombre alusivo a mezcla, la fusión y la metamorfosis, esta pieza está, a la vez, desnuda de todo lo superfluo y arropada de tantos elementos que la convierten en un espectáculo total. Junto al movimiento, al gesto y al ritmo, están presentes las proyecciones, la música, los textos, la voz en off, las luces, las sombras. La interpretación y la comunicación. Todo contribuye a hipnotizar, atraer, seducir, contagiar y envolver.
-Si no han experimentado todavía esa sensación, profunda y placentera, de dejarse llevar y de quedar hipnotizados por la danza de estos dos artistas, no desaprovechen la próxima ocasión.
-Permítanme terminar con una anécdota personal. He acudido a esta interpretación acompañado de mi nieta de cinco años. En su ensoñación infantil, anda dudando entre desear ser, de mayor, sirena o bailarina. Al salir esta noche del teatro, tras hacer su ‘lectura’ particular de lo visto sobre el escenario, se inclinaba más por lo segundo.

David Barbero

-Partamos de una consideración cronológica. Hace casi noventa años desde que se estrenó en Madrid la obra de Federico García Lorca ‘Yerma’. Fue un acontecimiento cultural, social y hasta político. Estuvo rodeado de una gran polémica. Y hasta hubo bronca dentro del teatro durante la primera representación.
-Pero casi un siglo no pasa en balde. La sociedad actual es muy distinta a la de entonces. Sobre todo, ahora que las cosas van muy deprisa. Y más todavía en lo referente a la situación de la mujer.
-En consecuencia, el tema de la maternidad, su deseo o su imposibilidad, que es el que Lorca desarrolla en ‘Yerma’, es visto ahora de una manera muy diferente a entonces. Y también, es vivido por las mujeres actuales de forma muy distinta. Existe incluso una polémica viva, dentro de los grupos feministas, sobre esta cuestión.
-Esta introducción viene a cuento de que esta tarde he asistido a la presentación en castellano de la obra ‘Yerma’ que se está representando en la sala BBK de la Gran Vía de Bilbao. No se trata del texto de García Lorca. No se utiliza ni una de sus palabras. Ha sido escrita y dirigida por María Goiricelaya.
-Se trata de un replanteamiento. Una recreación. Un volver a repensar, debatir, considerar con ojos actuales la situación y las implicaciones de la maternidad. Verlo con ojos de hoy. Sin adoptar posiciones cerradas. Debatir. Proponer. Exponer. Revivir.
-Con ese propósito, María Goiricelaya ha (re)escrito ‘Yerma’. Ha colocado la acción en la actualidad. También ha traído a los personajes hasta este momento. Los ha transportado con todas las consecuencias. No es hacer ningún spoiler decir que Yerma es aquí una reputada artista bilbaína ya casada y con las urgencias, contradicciones y sentimientos encontrados que las mujeres de hoy tienen.
-Atreverse a ‘meter mano’ en un texto de Lorca, con la intención de colocarlo en la actualidad es un acto de absoluta valentía. Por las muy peculiares características lorquianas. También por ser considerado un autor intocable. Sin olvidar las peculiares características del tema tratado. Y esa valentía tiene su mérito.
-Para este proyecto tan personal María ha contado también con un equipo interpretativo de su absoluta confianza, sintonía y complicidad. Está encabezado por Ane Pikaza, también impulsora del proyecto y con-fundadora de la compañía Dramática Errante. Ane realiza una interpretación potente, intensa, matizada y muy emotiva en los momentos destacados. Junto a ella, también colaboran en el acercamiento de los personajes Aitor Borobia, Loli Astoreka, Leire Orbe y Unai Izquierdo
-Asimismo se observa esa meticulosidad en la configuración del equipo técnico. El polivalente espacio escénico ha sido diseñado por David Alkorta. El ambiente musical es obra de Ibon Aguirre, con una composición original de Zabala. El vestuario ha sido responsabilidad de Daniel F Carrasco.
-He aludido antes a la muy especial compañía Dramática Errante, en la que María y Ane desarrollan sus proyectos. Tiene un quinquenio de vida. Han marcado ya las líneas, los modos y los rasgos de lo que quieren hacer. Esta ‘Yerma’ es un exponente destacado en esa dirección.
-Hay otra connotación a destacar. Este espectáculo es la primera producción propia de la Sala BBK, cuya directora artística en el campo teatral es María Goiricelaya desde hace más o menos un año. Significa un paso más en la consolidación de ese proyecto. Sus objetivos se enmarcan en la promoción de un tipo de teatro innovador, preocupado por los problemas de la sociedad, cuidadora de la estética y la calidad, con ojos femeninos, y en favor del desarrollo del euskera.
-En definitiva, esta ‘Yerma’ tiene muchos aspectos de interés para considerarlo un proyecto digno de mucha atención.

David Barbero

-Esta tarde, he ido de nuevo al Teatro Arriaga de Bilbao para ver otra vez la obra ‘Privacidad’. La vi la semana pasada, justo en el estreno. Es, sin dida, una muestra del gran interés que esta obra ha desperado en mí.
-He acudido por dos motivos. Primero, porque, al tratarse de un estreno absoluto, en la visión anterior me pareció que la representación estaba, podemos decir, un poco verde, no suficientemente rodada. La segunda razón es que deseaba comprobar, de nuevo, la especial utilización que se hace, en este espectáculo teatral, de las nuevas tecnologías.
-Así que vamos por partes.
-En el primer aspecto, me ha parecido que, en estas dos semanas intensas con numerosas representaciones, el espectáculo ha cogido una forma más consistente. Mas compactada. Los intérpretes actúan más seguros y coordinados. Más sueltos y menos pendientes de encajar las muchas piezas de la obra. La complicidad entre ellos también es mayor.
-Creo que el hábil y experimentado director Esteve Ferrer ha realizado, en estos días, un intento trabajo en ese sentido. También ha procedido a algunos reajustes de los elementos del ‘texto’, que han beneficiado a la función.
-Para ser absolutamente sincero, diré que todavía me han quedado algunas dudas sobre la parte de la obra en la que se hace subir al escenario a algunos espectadores. En especial, echo de menos una mayor credibilidad en el desarrollo de ese proceso.
-Asimismo, he salido pensando sobre la posible sobreabundancia de explicaciones teóricas, algunas de ellas especialmente técnicas. Eso podría llevar a una ventajosa reducción, todavía más, de la duración del espectáculo. Puede resultar, en determinados momentos, muy intenso.
-Paso al segundo motivo que me ha llevado a repetir. Es mi convencimiento de que la inminente revolución que espera a los espectáculos teatrales, en este ya avanzado siglo XXI, es la utilización de las nuevas tecnologías.
-En este sentido, me he reforzado en mi idea de que estas tecnologías audiovisuales van a cooperar, y mucho, en la exposición, estética y dinamismo de los espectáculos en vivo sobre el escenario. Va a mejorar la comunicación con el público. Va a incrementar el impacto visual, auditivo y emocional del espectador. Van a aumentar las herramientas expresivas.
-También me ha parecido que este proceso de configuración de las artes escénicas en las próximas décadas va a ser apasionante y muy creativo. Yo añadiría que también será trabajoso y esforzado. Va a requerir un proceso de adaptación y encaje entre los elementos ya consolidados del teatro actual y las nuevas incorporaciones. Incluso me temo que habrá que superar las resistencias de los ortodoxos establecidos en los centros de poder.
-En definitiva, de la nueva visión de ‘Privacidad’, esta tarde en el teatro Arriaga, he salido reforzado en mi pensamiento y valoración de la gran vitalidad y evolución que tiene el teatro por delante.